el terrorismo genocida que viene ejerciendo el
Estado de Israel contra el Pueblo Palestino
30 de Abril, día internacional del jazz.
1 de Mayo, día internacional de l@s trabajadores/as.
2 de Mayo, Día de la Comunidad de Madrid.
Sugerencias de iniciación a la música clásica
El Jazz es un género musical nacido en USA a finales del siglo XIX. El crítico alemán Joachim-Ernst Berendt lo describe de este modo “El jazz es una forma de arte musical que se originó en los Estados Unidos mediante la confrontación de los negros con la música europea. La instrumentación, melodía y armonía del jazz se derivan principalmente de la música de Occidente. El ritmo, el fraseo y los elementos de armonía de blues se derivan de la música africana y del concepto musical de los afroamericanos”. El mismo autor señala los tres elementos básicos que distinguen el jazz de la música clásica europea: a) Una cualidad rítmica especial conocida como swing. b) El papel de la improvisación y c) Un sonido y un fraseo individuales que reflejan la personalidad de los músicos ejecutantes.
La Internacional (L'Internationale en francés) es la canción más señera del Movimiento obrero. Se la considera el himno oficial de los trabajadores del mundo entero y de la mayoría de los partidos socialistas y comunistas así como de algunas organizaciones anarquistas. La letra original, en francés, es de Eugène Pottier, y fue escrita en 1871 dentro de su obra Cantos Revolucionarios. En 1888 Pierre de Geyter la musicalizó por encargo Gustave Delory, dirigente del Partido Obrero Francés en la ciudad de Lille (Francia) para el repertorio de la coral del partido la Lira de los Trabajadores (La Lyre des Travailleurs). En 1889 fue adoptada como himno de la Segunda Internacional (ahora, Internacional Socialista) y como himno de la URSS desde su creación en 1922 hasta 1944.
Hoy ofrecemos una Producción realizada por la Presidencia de la Confederación Latinoamericana y del Caribe de Trabajadores Estatales (CLATE) sobre el Himno de los trabajadores y trabajadoras "La Internacional". Arreglo y dirección musical: Felipe Traine; guitarra: Juan Martínez; percusión: Osvaldo Avena; guitarra, guitarron, charango y jarana: Felipe Traine; voz en español: Natalia Martínez; voz en portugués: Patricia Souza; cuatro y voz: David Bedoya; violín: Maritza Pacheco; mandolina: Sebastián Luna; quena y sikus: Maite Fleischmann.
Federico Chueca (1846-1908) nació en Madrid, en la Plaza de la Villa dentro una familia acomodada; recibió clases de solfeo desde la enseñanza primaria, que cursó en un selecto colegio, pero su familia le obligó a abandonar la música para estudiar medicina. Barbieri le ayudó a orquestar y dirigir las obras y su gran éxito convenció a Chueca a dejar la medicina y dedicarse a la música. Se le considera un músico autodidacta con un talento innato y una gracia con la melodía y el ritmo, que le llevaron a componer extraordinarias piezas musicales. Trabajó con varios colaboradores, pero sobre todo con Joaquín Valverde, en muchas de sus obras. En la actualidad está considerado como uno de los máximos representantes del género chico (zarzuelas en un acto).
La Gran Vía es una zarzuela en un acto y cinco cuadros con música de los maestros Federico Chueca y Joaquín Valverde y libreto de Felipe Pérez y González estrenada en el Teatro Felipe de Madrid el 2 de julio de 1886. Alcanzó tanta fama, que tuvieron que cambiarse algunos cuadros, puesto que al ser una revista de actualidades, ésta tenía que ir modernizándose. Así aparecieron nuevos cuadros como En la calle de Alcalá, o El bazar de juguetes. Es un exponente del género chico llevado al campo de la revista de actualidades, en donde se exponían con buen humor y sentido satírico, las preocupaciones sociales y políticas del momento. El libreto retrata con habilidad y sátira, las noticias del momento, mostrando en escena un gran desfile de tipos y situaciones cómicas de gran efecto.
Teresa Berganza Vargas (1933- 2022) fue una cantante española de zarzuela y de ópera, considerada una de las intérpretes más importantes de su época de Rossini, Mozart Bizet, admirada por su técnica, musicalidad y presencia en escena. Estudió piano y canto en el Conservatorio de Madrid, donde obtuvo el primer premio de canto en 1954. Debutó en esa ciudad en 1955. Dos años después hizo su debut internacional en el Festival Aix-en-Provence. Durante los diez años siguientes debutó en La Scala, festival de Glyndebourne, Royal Opera House, Metropolitan Opera House ... Su repertorio de concierto incluyó canciones españolas, francesas, alemanas y rusas. En 1994 fue elegida miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, primera mujer en obtener esta distinción.
Kepa Junkera Urraza (1965) es un músico, compositor y productor vasco de música folk en euskera. Maestro de la trikitixa, ha publicado treinta álbumes hasta 2018. A lo largo de su trayectoria ha obtenido numerosos reconocimientos y galardones; en 2003 el premio de folclore Eduardo Martínez Torner «por haber revolucionado el mundo de la trikitixa». En 2004 obtuvo el Premio Grammy Latino al mejor álbum folk por su disco en directo. Junkera, ofrece una labor docente en Musikene, Centro Superior de Música del País Vasco, llevando tanto a la música tradicional vasca como a sus instrumentos a un nuevo espacio más acorde con los tiempos que corren.
La Trikitixa es un acordeón diatónico de botones, de origen italiano, que se usa desde el siglo XIX en el País Vasco, sobre todo en romerías populares (en 1889 tenemos la primera mención escrita de una romería con este instrumento en Urkiola); las teorías más abiertas dicen que este instrumento musical vino de los Alpes, de la frontera entre Francia e Italia. En el País vasco, la mayoría de las veces se toca junto con una pandereta; es decir, junto con un/a pandereter@. Por lo tanto, más que al instrumento en sí, es al tipo de música que crea esta pareja a la que se le llama con dicho nombre.
Hoy Kepa Junkera, acompañado por la Sinfónica de Euskadi, nos ofrece una simbiosis de música vasca, gallega, árabe, turca y búlgara.
Sugerencias de música clásica
Miles Dewey Davis (1926-1991), conocido como Miles Davis, fue un trompetista y compositor estadounidense de jazz. Se trata de una de las figuras más relevantes, innovadoras e influyentes de la historia del jazz, junto con artistas como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker o John Coltrane. La carrera de Davis, que abarca cincuenta años, recorre la historia del jazz a lo largo de toda la segunda mitad del siglo XX, caracterizándose por su constante evolución y búsqueda de nuevos caminos artísticos: Davis participa con igual fuerza del bebop y del cool, como del hardbop y de la vanguardia jazzística, sobre todo en su vertiente modal y de fusión con el rock. El sonido de su trompeta es suave y melódico, a base de notas cortas, tendente al lirismo y a la introspección, característico por su uso de la sordina.
Kind of Blue (“Especie de tristeza”) es un álbum de estudio de jazz de Miles Davis editado en agosto de 1959. Acompañaron a Miles el legendario saxofonista John Coltrane y el contrabajista Paul Chambers, el equipo se completó con Julian "Cannonball" Adderley, en el saxofón alto, Jimmy Cobb a la batería y Bill Evans al piano. El álbum estuvo basado en formas modales, que permitían amplias posibilidades de tránsito por escalas a partir de alguna nota predeterminada en lugar de la secuencia lineal de acordes que desarrollaba el jazz hasta entonces. Considerado como la obra maestra del género, se convirtió en un gran éxito comercial con ventas superiores a los cuatro millones de copias en Estados Unidos y en el disco más vendido de la carrera de Davis y de la historia del jazz.
Índice de temas: I (0:00) So what .-. II (9:26) Freddie Freeloader .-. II (19:13) Blue In Green .-. IV (24:51) All Blues .-. V (36:34) Flamenco Sketches .-. VI (45:46) On Green Dolphin Street .-. VII (55:40) Fran - Dance .-. VII (1:01:28) Stella by Starlight .-. VIII (1:06:14) Love for Sale
Dmitri Shostakovich (1906-1975) es uno de los compositores más reconocidos del siglo XX, que tuvo que adaptarse al status político con el que le tocó convivir. Su música fue unas veces denunciada como decadente y reaccionaria y otras, alabada como representativa del nuevo arte socialista por el PCUS. En público, siempre se mostró leal con el sistema y ocupó responsabilidades importantes en las instituciones artísticas, aceptando pertenecer al PCUS en 1960 y llegando a ser miembro del Sóviet Supremo . Escribió quince cuartetos de cuerda, otras quince sinfonías, seis conciertos, varias óperas, así como música de cine y ballet. Su música destaca por sus relevantes contrastes y originales aspectos rítmicos en los que subyace un carácter enérgico, a veces burlesco.
Catálogo de las obras de Shostakovich. Sus obras vienen clasificadas por su número de Opus (del latín opus, 'obra') que es un término que se utiliza en música para catalogar las obras de la mayoría de compositores. Desde el siglo XVII, se comenzó a utilizar esta forma de catalogación cada vez que se publicaba una obra, precediendo la palabra Opus, o su abreviatura Op., al número de orden de la misma.
Third Symphony ‘The First of May”, op. 20 (Tercera Sinfonía “Uno de mayo”). La Sinfonía fue compuesta por Shostakóvich en 1929, cuando el compositor tenía 23 años. La pieza guarda muchas similitudes con la Sinfonía n.º 2; ambas constan de un único movimiento y utilizan un coro mixto cuyo texto ensalza las ideas marxistas o socialistas. Era una época en la que los artistas soviéticos tenían libertad para crear arte a su antojo; por lo tanto, Shostakóvich no fue coaccionado ni persuadido para escribir estas obras "revolucionarias", como lo sería más tarde con otras obras. Al parecer, el compositor veía la revolución como una señal para introducir nuevas ideas musicales, especialmente formales, en la que esta sinfonía «expresa el espíritu de la reconstrucción pacífica».
La sinfonía consta, tal como hemos dicho, de un único movimiento, ALLEGRETTO, en la tonalidad de Mi b mayor dividido en cuatro secciones sin interrupción entre ellas. Prácticamente carece de desarrollo temático y su interpretación es compleja. Ciertos patrones rítmicos aparecen a lo largo de la obra para ofrecer cierta unidad, pero las transformaciones y relaciones temáticas tradicionales están ausentes. En el segmento final aparece la música coral cuyo texto es una adaptación del poema "¡El primero de mayo!" de Semión Kirsánov. El texto es una alabanza al Día 1 de Mayo y a la revolución que celebra el Día Internacional de los Trabajadores.
Hoy nos la ofrecen el Coro y la Orquesta Mariinsky bajo la experta conducción del eminente maestro Valery Gergiev.
Francisco Asenjo Barbieri (1823-1894) fue un compositor español nacido en Madrid que, tras ingresar en el Conservatorio de Madrid, estudió piano, clarinete, canto y composición logrando escribir, a lo largo de su carrera, más de 70 zarzuelas. Fundador de la revista La España Musical, defendió decididamente las ideas del teatro musical en castellano, lo que supuso en último término, el resurgir de la zarzuela. Fue académico de Bellas Artes y miembro de la Real Academia Española
El Barberillo de Lavapiés es una zarzuela en tres actos con libreto de Luis Mariano de Larra y música del maestro Barbieri. Se estrenó con gran éxito en el Teatro de la Zarzuela el 19 de diciembre de 1874 y nos va contando las entretenidas aventuras de Lamparilla, barbero de Lavapiés, y la costurera Paloma que se ven inmersos en un mundo de intrigas políticas dentro del ambiente castizo del Madrid de Carlos III; hoy la podemos visionar bajo la dirección de José Miguel Pérez Sierra.
Wolfgang Amadeus Mozart, KV 525 (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer. Su padre, Leopold le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor prolífico (más de 600 obras escritas desde sus cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales: obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Falleció en Viena a los 35 años.
El catálogo de las obras de Mozart o Catálogo Köchel (Köchel Verzeichnis, en alemán) fue creado por Ludwig von Köchel en 1862 y enumera las obras musicales compuestas por Wolfgang Amadeus Mozart. Cada una de las obras de Mozart está designada por un número precedido de la abreviatura K. o KV; número que designa el orden cronólogico de su creación y que es realmente válido para la mayoría de las obras aunque aparecen algunas obras de otros autores atribuidas erróneamente a Mozart, y omite otras auténticas que aún no habían sido descubiertas.
La Serenata es una forma musical concebida para un instrumento o conjunto instrumental reducido, que puede constar de uno o varios movimientos. Fue un divertimento que alcanzó enorme popularidad durante el siglo XVIII; se tocaba al anochecer, muchas veces al aire libre, y hacía las delicias de las veladas en los jardines de los palacios de los aristócratas. El término serenata procede de los italianos será (velada) o al sereno (al aire libre); es decir, se trata de una música para ser interpretada al aire libre y al atardecer. El origen de la serenata está en las baladas que los enamorados cantaban al atardecer frente a las ventanas de la amada.
Eine kleine Nachtmusik K. 525 (Pequeña serenata nocturna) es una de las composiciones más populares de Mozart y del repertorio universal de la música clásica. Está fechada en Viena el 10 de agosto de 1787, coincidiendo con la composición de la ópera Don Giovanni. Sin embargo, no se sabe para quién ni por qué la compuso Mozart. Escrita para orquesta de cuerda en cinco movimientos, sólo se han conservado cuatro: I (0´17´´) ALLEGRO .-. II (6´17´´) ROMANCE. ANDANTE .-. III (11´41´´) MINUETO- TRÍO. ALLEGRETTO .-. IV (13´43´´) RONDO. ALLEGRO. Esta serenata presenta un carácter ligero, alegre y despreocupado, muy acorde con la función de este género musical. La versión es de la Sinfónica de Radio Frankfurt conducida por la maestra alemana Ruth Reinhardt.
Sugerencias de música para todos los gustos
La música swing, también conocida como swing jazz o simplemente swing, es un estilo de jazz que se originó en Estados Unidos hacia finales del año 1920. El swing utiliza una sección rítmica formada por piano, contrabajo y batería; metales como trompetas y trombones; instrumentos de viento-madera, como saxofones y clarinetes; y muy ocasionalmente, instrumentos de cuerda como violín o guitarra; se asienta preferentemente, además, en tempos medios y rápidos y generaliza los riffs (frases cortas repetitivas) melódicos. El conjunto característico del estilo fue la Big Band, adquiriendo gran importancia el papel del solista. Destacaron en este estilo Glenn Miller, Fletcher Henderson, Benny Goodman, Duke Ellington o Count Basie.
Características del swing. La batería es el único instrumento con una función totalmente rítmica, lo que le confiere una relevancia especial en cuanto motor de toda la banda; valoriza los temas melódicos estableciendo una estructura invariable de las piezas y fijando rígidamente el lugar y duración de las improvisaciones; utiliza, como recurso de tensión, el riff - frase corta repetida varias veces, con crescendo final – y consolida la utilización de los registros altos de los instrumentos, con preferencia sobre los bajos.
Benny Goodman (1909 –1986), fue un clarinetista y director de orquesta de jazz estadounidense. Conocido como El rey del swing, es, junto con Glenn Miller y Count Basie, el representante más popular de este estilo jazzístico e iniciador de la llamada era del swing. Sus continuos éxitos inspiraron a Goodman para organizar una orquesta permanente con la que colaboraban l@s intérpretes más relevantes de la época. Por otra parte, diversos compositores del mundo clásico compusieron obras para él. Así, Aaron Copland le dedicó su Concierto para clarinete, Béla Bartók su Contrastes para violín, clarinete y piano, Paul Hindemith el Concierto para clarinete y Malcolm Arnold con el Concierto n.º 2 para clarinete.
The King Of Swing. 00:00:00 Sing, Sing, Sing .-. 00:08:42 Why Don't You Do It Right? .-. 00:11:55 Tea for Two (feat.Lionel Hampton, Teddy Wilson, Gene Krupa) .-. 00:15:01 All the Cats Join in (feat.Liza Morrow) .-. 00:18:12 Let's Dance .-. 00:20:28 Ain't Misbehavin' .-. 00:23:55 Chicago .-. 00:26:56 Don't Be That Way .-. 00:30:16 Get Happy .-. 00:33:22 .-. Flying Home .-. 00:36:36 King Porter Stomp .-. 00:39:55 Winter Weather .-. 00:42:57 Big John's Special .-. 00:46:06 Whispering .-. 00:48:46 Santa Claus Came in the Spring.
Ella Fitzgerald (1917-1996) considerada como la cantante más importante e influyente de toda la historia del jazz y conocida como la Reina del jazz, fue una cantante estadounidense de jazz, aunque en su repertorio incluía canciones de góspel, blues, swing, bossa nova, pop, canciones navideñas, etc., etc.; era poseedora de una tesitura vocal de tres octavas, una clara y precisa vocalización y una formidable capacidad de improvisación. En los años cincuenta sentó cátedra con su concepción de la canción melódica, en paralelo a la obra de Frank Sinatra, con sus versiones de los temas de los grandes compositores de la canción popular estadounidense. Ganó catorce premios Grammy, incluyendo el Grammy a toda su carrera, y fue galardonada con la Medalla Nacional de las Artes de USA.
But Not For Me. 1 | 00:00 | Ella Fitzgerald - I've Got The World On A String .-. 2 | 03:18 | Ella Fitzgerald - Smooth Sailing .-. 3 | 06:24 | Ella Fitzgerald - Bewitched, Bothered, And Bewildered .-. 4 | 13:29 | Ella Fitzgerald - Nice Work If You Can Get It .-. 5 | 16:07 | Louis Armstrong & Ella Fitzgerald - There's A Boat Dat's Leavin' Soon For New York .-. 6 | 21:05 | Ella Fitzgerald - Stormy Weather .-. 7 | 26:19 | Ella Fitzgerald - But Not For Me .-. 8 | 29:33 | Ella Fitzgerald - Cotton Tail .-. 9 | 32:59 | Ella Fitzgerald - Bewitched .-. 10 | 40:03 | Louis Armstrong & Ella Fitzgerald - Can't We Be Friends .-. 11 | 43:50 | Ella Fitzgerald - Spring Will Be A Little Late This Year .-. 12 | 47:11 | Ella Fitzgerald - After You've Gone .-. 13 | 51:19 | Ella Fitzgerald - I Got It Bad (and That Ain't Good) .-. 14 | 57:35 | Louis Armstrong & Ella Fitzgerald - They All Laughed .-. 15 | 1:01:22 | Ella Fitzgerald - Blue Moon .-. 16 | 1:04:34 | Ella Fitzgerald & Nelson Riddle - I Hear Music .-. 17 | 1:06:54 | Ella Fitzgerald – Tenderly .-. 18 | 1:10:07 | Ella Fitzgerald - I've Got A Crush On You .-. 19 | 1:13:22 | Ella Fitzgerald - Georgia On My Mind .-. 20 | 1:16:53 | Louis Armstrong & Ella Fitzgerald - Our Love Is Here To Stay .-. 21 | 1:20:54 | Ella Fitzgerald - Blue Skies .-. 22 | 1:24:40 | Ella Fitzgerald - Moonlight In Vermont .-. 23 | 1:28:00 | Ella Fitzgerald - Get Happy .-. 24 | 1:31:32 | Ella Fitzgerald - Let's Do It (let's Fall In Love) .-. 25 | 1:35:07 | Ella Fitzgerald - Star Dust .-. 26 | 1:39:08 | Ella Fitzgerald - Someone To Watch Over Me .-. 27 | 1:42:24 | Ella Fitzgerald - I've Got You Under My Skin
Louis Armstrong (1901-1971), también conocido como Satchmo o Pops, fue un trompetista y cantante estadounidense de jazz. Se trata de una de las figuras más carismáticas e innovadoras de la historia del jazz y, probablemente, su músico más popular. Gracias a sus habilidades musicales y a su brillante personalidad, transformó el jazz desde su condición inicial de música de baile, en una forma de arte popular. Aunque en el arranque de su carrera cimentó su fama sobre todo como trompetista, más adelante sería su condición de vocalista la que le consagraría como una figura internacionalmente reconocida y de enorme influencia para el canto jazzístico.
Billie Holiday (1915-1959) fue una cantante estadounidense nacida en Filadelfia y considerada como una de las tres mujeres más relevantes en la historia del jazz juntamente con Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald. Su canción Strange Fruit fue considerado como la mejor canción del siglo XX, por la revista Time y es que su dominio del swing y capacidad expresiva se reflejaban tanto en la composición de sus arreglos y canciones como en la interpretación de las mismas. Su vida desde el inicio fue muy tumultuosa con una madre de 13 años, un padre de 15, que le abandonó siendo un bebé, una violación que padeció a los diez años y una bisexualidad abiertamente manifestada. Su adicción a las drogas fue minando progresivamente su estado físico y anímico hasta fallecer a los 44 años.
Sugerencias de videos peculiares
Leonard Bernstein (1918 – 1990), fue un compositor, pianista y director de orquesta estadounidense. Fue el primer director de orquesta nacido en USA que obtuvo fama mundial, célebre por haber dirigido la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por sus Conciertos para jóvenes en la televisión entre 1958 y 1972 y por sus múltiples composiciones, entre ellas West Side Story (1957) y Candide. También fue una figura esencial en el resurgir moderno de la música de Gustav Mahler, el compositor que más apasionadamente le interesaba. Como compositor escribió música para piano, música de cámara, música coral, música religiosa, numerosas obras escénicas para ballet, cine, ópera y musicales, además de abundante obra orquestal.
Fancy Free es un ballet de Jerome Robbins, con partitura de Leonard Bernstein, escenografía de Oliver Smith, vestuario de Kermit Love e iluminación de Ronald Bates . El estreno tuvo lugar el martes 18 de abril de 1944 en la antigua Metropolitan Opera House de Nueva York. Fancy Free fue la inspiración para un exitoso musical, On the Town, y una parte de la partitura también se usó en las escenas iniciales de La ventana trasera de Alfred Hitchcock. La escena es en un bar y la acera exterior de la ciudad de Nueva York, en tiempos de guerra. Tres marineros en libertad llegan ruidosamente, toman una copa (dos de ellos engañan al tercero para que pague) y se dirigen afuera en busca de compañía femenina, lo que origina variopintas incidencias de distinta índole.
La interpretación de hoy corre a cargo del New York City Ballet.
Igor Moiseyev (1906-2007) fue un coreógrafo y bailarín ruso que realizó sus estudios en el Ballet del Teatro Bolshói, compañía con la que estuvo trabajando y dirigiendo incluso bailes acrobáticos en la Plaza Roja de Moscú hasta que en 1930 el Gobierno puso bajo su dirección una nueva compañía de danza que se denominaría Ballet Igor Moiseyev con la que prepararía cerca de 200 coreografías. Actualmente el Ballet Igor Moiseyev es una de las grandes compañías de ballet del mundo que logra sintetizar la espontaneidad de las danzas populares rusas con el academicismo del ballet clásico.
Hoy presentamos su cuadro coreográfico referido a la “Fiesta del Trabajo”.
Sing, Sing, Sing es una canción del género jazz de 1936 escrita por el famoso músico estadounidense Benny Goodman. La canción se hizo muy popular y ha sido realizada con multitud de arreglos y versiones.
Swing (baile). El swing es un grupo de bailes sociales que se desarrolló con el estilo swing de la música jazz en las décadas de 1920 y 1940, mientras que los orígenes de cada baile son anteriores a la popular "era del swing". Se desarrollaron cientos de estilos de baile swing; los que han sobrevivido más allá de esa era incluyen al Lindy Hop, el Balboa, el Collegiate Shag y el Charlestón. Hoy en día, el más conocido de estos bailes es el Lindy Hop, que se originó en Harlem a principios de la década de 1930. Si bien la mayoría de los bailes de swing comenzaron en las comunidades afroamericanas como bailes afroamericanos vernáculos, algunos bailes influenciados de la era del swing, como Balboa, se desarrollaron fuera de estas comunidades.
El chotis, tal como lo conocemos en la actualidad, es el baile representativo del casticismo madrileño. Su nombre deriva del término alemán Schottisch («escocés»), una danza social centroeuropea a la que en Viena se quiso atribuir origen en un baile escocés. Diversas variantes del schottisch perviven en la tradición argentina (schotis), austríaca, brasileña (xote), escandinava (schottis), española, finlandesa (sottiisi), francesa (scottish), italiana (chotis), inglesa (scottische), mexicana (chotís), paraguaya (choti), portuguesa (choutiça o chotiça), suiza y uruguaya (chotís o xote).
El chotis llegó a Madrid en 1850 y parece ser que se bailó por primera vez en el Palacio Real, la noche del 3 de noviembre de 1850, bajo el nombre de 'polca alemana'. Con el tiempo se hizo popular y baile castizo por antonomasia del pueblo de Madrid. El chotis madrileño es un baile agarrado y lento que suele ejecutarse dando tres pasos a la izquierda, tres a la derecha y vuelta. En el momento en el que cambia la música, la pareja debe cambiar la dirección circular del movimiento.
Madrid, Madrid, Madrid es un chotis, obra del compositor mexicano Agustín Lara. Se dice, sin embargo, que en realidad la canción fue obra del director de orquesta y compositor español Rafael Oropesa, exiliado en México que dedicó la pieza a Madrid y a su esposa, quien tuvo que vender la pieza al compositor mexicano para poder sobrevivir; aunque, a pesar de lo referido, esto no ha sido comprobado completamente.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia.
Los textos de Videomusicalis están realizados en euskera, castellano e inglés.