El 31 de Marzo de 1685 nació Johann Sebastian Bach.
Este año el 31 de Marzo se celebra el Aberri Eguna (día de la nación vasca).
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Johann Sebastian Bach (1685-1750) Hoy nos encontramos con uno de los tres gigantes de la música occidental junto con Mozart y Beethoven. Fue un violinista, organista, director, y compositor alemán; nació en Eisenach y falleció en Leipzig y su fama de organista traspasó las fronteras europeas. Perteneció a la familia musical más prominente de la historia con más más de 30 compositores famosos en su seno. Empezó a estudiar con su padre y a la muerte de éste continuó con su hermano mayor, Johann Christoph. En 1703 obtiene su primer trabajo como músico de corte del Príncipe de Arndstat y más tarde, como organista; en 1705 obtiene un permiso para trasladarse unos meses a Lübeck a tomar clases de Buxtehude.
En 1707 se traslada a Mülhausen como organista, donde se casa con su prima María Bárbara con quien tiene siete hijos (tres de ellos morirían a muy temprana edad). En 1708 deja Mülhausen para trabajar como concertino y organista de la capilla del duque de Weimar donde compone numerosas obras de teclado y orquestales a la vez que tiene ocasión de transcribir y estudiar diversas obras de Vivaldi. En 1714 es premiado con mejoras económicas, pero obligado a nuevos requerimientos como la creación de una cantata mensual. En 1717 se le ofrece el cargo de Maestro de Capilla del Príncipe de Köthen, que era el cargo musical mejor remunerado en aquel entonces; de aquí surgen los Conciertos de Brandemburgo y numerosas obras profanas.
Tras la muerte de su esposa en 1720, volvió a casarse tras año y medio con María Magdalena con la que tendría otros trece hijos. En 1723 se traslada a Leipzig donde residiría hasta su muerte. Aquí compuso su Oratorio de Navidad, La Pasión de San Mateo, La de San Juan, la Misa en Si menor, numerosas cantatas y las más importantes obras de teclado. Fallece a los 65 años en Leipzig tras un año de ceguera. Prolífico compositor, escribió sonatas, arias, suites, conciertos, cantatas, oratorios, misas y obras de todo tipo de formas musicales de su época; su legado de refinada técnica, está considerado como la cumbre del contrapunto (distintas líneas melódicas que se mueven independiente, aunque armónicamente relacionadas entre sí) y su influencia ha sido notable en Haydn, Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Chopin … y otros muchos renombrados compositores.
El Concierto de Brandemburgo nº 5 es un Concerto Grosso (un pequeño grupo de solistas actúa frente a un grupo de acompañamiento más grande). En el caso presente, el grupo de solistas está representado por el violín, la flauta y el clavecín que hace el doble papel de solista a veces y de acompañante en otras ocasiones. El concierto consta de tres movimientos: I ALLEGRO .-. II AFFETTUOSO .-. III ALLEGRO, de los que hoy ofremos el tercero en versión de Apollo's Fire, The Cleveland Baroque Orchestra, conjunto musical especializado en música antigua, que actúa con instrumentos de época.
El Aberri Eguna («Día de la Patria» en euskera, en referencia a la patria vasca) es una celebración festiva del nacionalismo vasco de derechas y de izquierdas que se convoca anualmente el día del Domingo de Resurrección. Dicha celebración, creada por el Partido Nacionalista Vasco en 1932, se celebra en todo el País Vasco (comunidades autónomas de Euskadi, Navarra y País Vasco en Francia), además de por la diáspora vasca repartida en el mundo. La primera celebración se realizó en Bilbao en 1932; fue prohibida por la dictadura fascista española de 1936 y comenzó a celebrarse de nuevo en 1964.
Gernikako arbola, la canción más conocida de Iparragirre, es un zortziko en homenaje al Árbol de Gernika y a los fueros vascos que representa. La canción fue estrenada en 1853 por José Mª Iparragirre en el Café de San Luis de Madrid, acompañado al piano por el maestro durangarra Juan María Blas de Altuna, organista de Lekeitio. El zortziko se repitió una y otra vez entre los más espontáneos bravos y aplausos y a última hora el Gernikako arbola era cantado en coro por cincuenta, sesenta o más voces, mientras Iparraguirre y Altuna eran objeto de una verdadera ovación. Sobre la autoría de la canción existen serias dudas sobre si fue Iparragirre o si fue Altuna, aunque sin mayores pruebas fehacientes, nosotros seguimos en la atribución tradicional.
José María Iparragirre (Urretxu, Gipuzkoa,1820- 1881) fue un conocido bertsolari (improvisador de versos) y músico popular, que tuvo una vida bohemia y aventurera; de ahí su apelativo de el bardo vasco, imagen que apoyaba con una inseparable guitarra y la improvisación de cantos y bertsos. Su obra, escrita mayoritariamente en euskera, recoge algunas de las canciones más significativas y populares del País Vasco. Considerado por las autoridades españolas de su tiempo como un peligroso “agitador de masas”, padeció cárcel y destierro, residió durante 19 años en Argentina y Uruguay, y a su vuelta se ganaba la vida con los recitales que ofrecía por todo el País Vasco. Falleció a cusa de una pulmonía en su pueblo natal de Urretxu, donde está enterrado.
El árbol de Gernika es un ejemplar de roble (Quercus robur) situado delante de la Casa de Juntas en la localidad vizcaína de Gernika. Este árbol simboliza las libertades tradicionales de Bizkaia y por extensión las de todo el Pueblo Vasco. La canción de hoy nos la ofrece el Orfeón donostiarra conducido por el maestro Juan Gorostidi.
Antonio Lauro (1917- 1986), fue un guitarrista y compositor venezolano. Su padre, quien tocaba la guitarra y el bombardino, falleció cuando él apenas cumplía 5 años de edad. Los estudios musicales, que los comenzó en Caracas a la edad de 9 años, los culminó en 1947 con las más altas calificaciones, mientras se costeaba sus estudios musicales trabajando como guitarrista acompañante en la emisora de radio Broadcasting Caracas (actual Radio Caracas Radio). En 1935, fundó y fue cantante de Los Cantores del Trópico, donde con su excelente voz de bajo comenzó a destacar como compositor y arreglista. Compuso numerosas obras para guitarra clásica y es considerado como uno de los principales maestros latinoamericanos de la guitarra clásica.
El Joropo es un género musical y danza tradicional de Venezuela y Colombia. Su diversidad se manifiesta en distintas tipologías subregionales. Entre ellas cabe mencionar el joropo oriental, el joropo central (con algunas especificidades como el joropo tuyero, el joropo mirandino o el joropo aragüeño), el joropo andino y el golpe larense en Venezuela; además del joropo llanero y los cantos de trabajo de los llanos en Venezuela y Colombia. En el 2017 la Unesco incluyó los cantos de arreo y ordeño, en la Lista Representativa de Patrimonio Cultural Inmaterial del mundo.
Para los cultores de las zonas rurales, el término joropo designa más a la fiesta o evento bailable, que a la música o la coreografía propiamente dichas. Para designar estos elementos utilizan términos mucho más específicos, como corrido, pasaje, golpe o revuelta en el caso de la música, y valsiao, zapateao o escobillao para el caso de la danza. En los llanos venezolanos son sus sinónimos parrando y cantina, y en los de Colombia, guafa; mientras en las zonas urbanas, con el vocablo joropo se designa una música vivaz con arpa, cuatro y maracas, sin mayor referencia al baile. Aunque algunos autores afirman que el baile del joropo viene del vals, es mucho más seguro que provenga del fandango, término que suplantó para referirse a los mismos tipos de fiesta y música con la cual comparte mayores similitudes.
Hoy el profesor Pablo Garibay nos ofrece el joropo guitarrístico, Seis por Derecho, de Antonio Lauro.
Ennio Morricone (1928-2020) fue un director de orquesta y compositor de más de 500 bandas sonoras de cine y televisión y otras composiciones sinfónicas y corales. De padre músico, siendo niño comenzó a estudiar la trompeta y a los nueve años ingresó en la Academia Nacional de Santa Cecilia. A los 18 años comenzó a escribir para programas de radio y, poco a poco, para películas de cine. El director de cine Sergio Leone, amigo de la infancia, le pidió colaboración en sus películas y así crearon un modelo distinto de western, el Spagetti Western. Sus contratos fueron ampliándose con otros directores hasta llegar a ser considerado como uno de los compositores de bandas sonoras más apreciados. A lo largo de su carrera recibió importantes e innumerables premios avalando su genial trabajo.
Nella Fantasia ("En mi fantasía") es una canción cantada en italiano basada en el tema "Gabriel's Oboe" de la película La Misión que combina corales litúrgicas, tambores nativos y guitarras españolas en un intento de captar la variedad de culturas que aparecen en la película. Con la música de Ennio Morricone y letra de Chiara Ferrau, Nella Fantasia es muy popular entre los cantantes clásicos, y fue lanzada originalmente en 1998 por Sarah Brightman. Otros artistas han interpretado la canción también. Hoy la sugerimos con la violín solista Mari Samuelsen y la soprano Sylvia Schwartz.
Sugerencias de música clásica
El Magníficat es un género de música polifónica vocal religiosa, similar a la cantata, pero basado en el pasaje bíblico de Evangelio de Lucas 1:46-55, que comienza «Magnificat anima mea Dominum» (Engrandece mi alma al Señor) y que no pertenece al año litúrgico. El Magníficat era interpretado antes de las misas en festividades religiosas extraordinarias. Este carácter introductorio le confiere una extensión menor a la de las cantatas.
El Magníficat de Johann Sebastian Bach fue escrito en 1723, después de asumir su cargo como Thomaskantor en Leipzig. La obra está articulada en doce movimientos: I (´05´´) MAGNIFICAT .-. II (3´05´´) ET EXSULTAVIT .-. III (5´33´´) QUIA RESPEXIT .-. IV (8´12´´) OMNES GENERATIONES .-. V (9´32´´) QUIA FECIT MIHI MAGNA.-. VI (11´30´´) ET MISERICORDIA .-. VII (14´ 50´´) FECIT POTENTIAM.-. VIII (16´44´´) DEPOSUIT POTENTES.-. IX (18´42´´) ESURIENTES.-. X (21´50´´) SUSCEPIT ISRAEL.-. XI (23´40´´) SICUT LOCUTUS EST.-. XII (25´17´´) GLORIA PATRI ET FILIO. Hoy nos lo expone el Chœur du Concert D’Astrée con la Sinfónica de Radio Frankfurt conducid@s por Emmanuelle Haïm (1962), clavecinista y directora especializada en música barroca.
Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) fue un clavecinista y compositor alemán, segundo hijo del primer matrimonio de Johann Sebastian Bach con quien estudió clavecín, interpretación y composición; fue uno de los fundadores del Clasicismo. En 1738 entró a formar parte de la Corte de Federico el Grande. Al no sentirse suficientemente apreciado, abandonó la Corte para trasladarse a Zittau y más tarde a Leipzig. En 1768, tras la muerte de Telemann, le sucedió a éste en el cargo de Maestro de Capilla de Hamburgo, donde residió hasta su fallecimiento en 1788. A lo largo de su carrera escribió numerosas obras para teclado, unas doscientas obras de cámara, diecinueve sinfonías, quince conciertos para distintos instrumentos, varias canciones e himnos, dos oratorios y veinte pasiones.
Clasicismo es el estilo de la música culta europea desarrollado entre 1750 y 1820 por compositores como C.P.E. Bach, Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven (en su primera época) y otr@s ilustres compositores. Se caracteriza por la claridad de las texturas, la simetría de las frases, la consolidación de la tonalidad plena y el establecimiento de las formas musicales clásicas (sinfonía, sonata, cuarteto, concierto...).
El siglo XVIII fue el de la Ilustración, y su estética se trasladó al estilo musical: gusto por lo natural, lo equilibrado y lo claro; rechazo del artificio y el exceso de sofisticación de la música barroca; imitación de la naturaleza, en forma de estructuras simples y frases simétricas similares a las de la música folclórica; en la ópera, verosimilitud y cercanía al espectador de los argumentos, e integración íntima del drama y la música.
Hoy ofrecemos el Concierto para piano en Re M de C.P.E. Bach, interpretado por Anastasia Injushina, pianista rusa que estudió en el Conservatorio de San Petersburgo y que ha realizado notables actuaciones tanto como solista como integrante de pequeños grupos de cámara; además ha sido invitada a importantes Festivales Internacionales.
Jesús Guridi (1886-1961) nació en Vitoria-Gazteiz en una familia musical. Tras trasladarse la familia a Madrid, Guridi ingresó en el Conservatorio; sin embargo, no les fue bien la economía a l@s progenitores/as, por lo que se movieron a Bilbao, donde gracias al mecenas, el Conde de Zubiría, pudo trasladarse a París e ingresar en la Schola Cantorum para estudiar piano, órgano, contrapunto y composición. Tras terminar sus estudios, pasó por Bélgica, Colonia y Munich para profundizar en los mismos. De vuelta a Bilbao, ya con 21 años, se hace cargo, como director, de la Sociedad Coral de Bilbao, trabajo que compagina con el de organista en la Basílica (ahora, Catedral) de Santiago. En 1939 vuelve a Madrid, como director del Conservatorio, donde fallecería a los 75 años.
Las Diez Melodías Vascas fue estrenada el 12 de diciembre de 1941, en el Cine Monumental de Madrid, por la Orquesta Sinfónica de Madrid dirigida por Enrique Jordá; sus diez melodías son: I (0´00´´) NARRATIVA .-. II (1´25´´) AMOROSA .-. III RELIGIOSA (4´00´´) .-. IV (6´33´´) EPITALÁMICA .-. V (7´48´´) DE RONDA .-. VI (8´49´´) AMOROSA .-. VII (12´43´´) DE RONDA .-. VIII (14´08´´) DANZA .-. IX (16´25´´) ELEGÍACA .-. X (19´15´´) FESTIVA . Hoy podemos escucharla en versión de la Orquesta Sinfónica de Euskadi bajo la conducción del maestro granadino Miguel Ángel Gómez Martínez.
Ástor Piazzolla (1921–1992) nació en Mar de Plata, Argentina; a los tres años se trasladó con su familia a Nueva York y los trece años conoce a Carlos Gardel. En su vuelta a Argentina, durante seis años recibe clases de Ginastera mientras acude asiduamente al Café Germinal donde la música del tango era el pan de cada día. Forma parte de distintas formaciones, donde los puristas consideraron sus innovaciones como el “asesinato del tango”. Con cierta dosis de pesimismo se trasladó a París, donde contactó con Nadia Boulanger quien le hizo creer en sí mismo y en la posible conjunción de tango con música clásica. Volvió a Buenos Aires con tal actividad que en 1973 sufre un infarto; a pesar de lo que sigue con sus composiciones y grabaciones hasta que en 1990 sufre en París una trombosis que no lograría superar.
Five Tango Sensations es un conjunto de cinco piezas para bandoneón y cuarteto de cuerda escrito en 1989 por el compositor argentino Ástor Piazzolla. Fue estrenado en Nueva York ese año y grabado inmediatamente después por el Kronos Quartet y el compositor al bandoneón en un álbum que tenía el mismo título de la obra. El disco formaba parte de un conjunto de tres álbumes con tintes internacionales lanzados simultáneamente. Éstos son los cinco movimientos de la suite: I (0´11´´) ASLEEP .-. II (5´32´´) LOVING .-. III (10´44´´) ANXIETY .-. IV (15´36´´) DESPERTAR .-. V (21´43´´) FEAR en interpretación del acordeonista Iñaki Alberdi acompañado por una orquesta de cuerda bajo la batuta del maestro José Luis López Antón.
Iñaki Alberdi. Es un acordeonista guipuzcoano que ha colaborado estrechamente con diversos compositores de la actualidad y ha estrenado obras de Sofia Gubaidulina, Karlheinz Stockhausen, Luis de Pablo, Joan Guinjoan, Gabriel Erkoreka, Ramon Lazkano, Jesús Torres, Alberto Posadas y José María Sánchez-Verdú. Como solista, es invitado habitual de orquestas como la Royal Liverpool Philharmonic, Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfónica de RTVE, Real Filharmonía de Galicia, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Orquesta Sinfónica de Bilbao, Orquesta Filarmónica de Montevideo, Orquesta Sinfónica de Euskadi y Orquesta del Ministerio de Cultura de Rusia, entre otras. Ha sido nominado al premio Gramophone Editor’s Choice y ha obtenido el Disco Excepcional de Scherzo y el Melómano de Oro.
(Extractado de la revista Contrapunto)
Sugerencias de música para todos los gustos
El caso de Bach es único en la historia de la música: ningún otro compositor ha dejado en las generaciones siguientes una huella tan profunda en el estilo, tan prolongada en el tiempo y tan apreciable en los oyentes. El dominio sin parangón del contrapunto y el carácter atemporal y abstracto que emana su música han sido fuentes inagotables de inspiración. Hasta el extremo de que, como pocos otros autores, Bach ha traspasado las fronteras estilísticas para alentar reinterpretaciones en clave de jazz, con el carácter libre e improvisado que caracteriza a esta música. El siglo XX (y el XIX, y también el XXI) fue el siglo de Bach. La omnipresencia de Bach también afectó al ámbito del jazz, y diversos intérpretes convirtieron sus partituras en standard jazzísticos. (Fundación Juan March 17-11-18)
Hoy el trío de jazz formado por Jacques Loussier – piano, Dunoyer de Segonzac – bajo y André Arpino – batería, nos ofrecen una pequeña antología de obras de Bach en formato de jazz con algún recuerdo a Satie y Ravel: I (0´10´´) Präludium Nr. 1 C-dur ...... II (5´55´´) Pastorale c-moll .-. ..... III (20´44´´) Air .-. IV ..... (25´11´´) Brandenburgisches Konzert Nr. 5 D-dur, I Satz ...... V (39´28´´) Brandenburgisches Konzert Nr. 5 D-dur, II Satz ...... VI (44´58´´) Brandenburgisches Konzert Nr. 5 D-dur, III. Satz ....... VII (58´04´´) Gymnopédie Nr. 1 .......VIII (1h 3´45´´) Boléro ....... IX (1h 17´13´´) Cembalokonzert D-dur, III Satz.
Anari es una cantante y compositora vasca nacida en Azkoitia (Gipuzkoa) en 1970. Sus primeros pasos en la música los dio como batería en el grupo Psych Out (junto a miembros de Akauzazte). En solitario ha editado cinco discos y un disco en colaboración con el músico navarro Petti. Sus discos han recibido excelentes críticas, y se le ha comparado con PJ Harvey (la «PJ Harvey vasca»), Cat Power o Nick Cave. En 2004 la revista musical catalana Rockdelux le concedió el puesto número 77 en la lista de los 100 mejores discos nacionales del siglo XX. En 2018 se convierte en la primera mujer que recibe el premio Adarra, reconocimiento otorgado por el Ayuntamiento de Donostia/San Sebastián, siendo la persona más joven premiada hasta el momento.
Bob Marley (1945- 1981) fue un cantante y compositor jamaicano. Durante su carrera musical fue el líder, compositor y guitarrista de las bandas The Wailers y Bob Marley & The Wailers. Aún hoy Marley sigue siendo el más conocido y respetado intérprete de la música reggae y es acreditado por ayudar a difundir tanto la música de Jamaica como el movimiento rastafari (del que era un miembro comprometido) a una audiencia mundial. El álbum recopilatorio Legend, lanzado por Island Records en 1984, 3 años después de su muerte, es el álbum de reggae más vendido de la historia con 15 discos de platino en los Estados Unidos y más de 25 millones de copias en todo el mundo. Marley ha registrado cerca de 75 millones de discos vendidos, siendo de los artistas musicales con mayores ventas.
Rastafari es un movimiento espiritual de origen jamaicano influenciado por corrientes de pensamiento locales, de tipo filosófico y espirituales, tales como el panafricanismo, el afroamericano, el hinduismo, la tradición judeocristiana, y tradiciones de raíz africana como la Kumina procedente del Congo, entre otras, con un claro enfoque Afrocéntrico y una fuerte concepción de diáspora.
El reggae es un género musical originado en Jamaica en los años 60. Este se suele dividir en ska (1960-1966), rocksteady (1966-1968), reggae (1969-1983) y dancehall (desde mediados de los años 1980 en adelante, aunque pueden considerarse su inicio a finales de los años 70 como un proceso gradual en el que los deejays ganaron popularidad a los cantantes tradicionales). En sentido estricto, el reggae es la música desarrollada entre 1969 y 1983, un período de mayor diversidad musical que las anteriores en la que el bajo eléctrico asumió un papel más central y conforme fue pasando el tiempo del período aumentó la influencia del movimiento Rasta en las letras y el sonido.
El Reggae suele asociarse a la corriente rastafari, cuyos seguidores creen que Haile Selassie I (Último emperador de la nación etíope) es la reencarnación de Dios. De acuerdo a este movimiento, las personas de raza negra y sus descendientes serán guiados a la tierra prometida denominada Monte Zion.
El uso de trenzas, rastas o Dreadlocks, que muchas veces se cubren con un gorro tejido llamado tam; la vestimenta con colores de la bandera de Etiopía (Verde, Amarillo y Rojo), y el consumo de la marihuana forman parte de la idiosincrasia rastafari y del propio reggae.
Marinella (1938) es una de las más célebres cantantes griegas; nacida en Salónica, comenzó su carrera profesional en 1957. Desde el comienzo de su carrera, ha publicado 66 álbumes personales (con varios discos de platino) y ha participado en álbumes de otros cantantes y músicos. Se casó con el cantante Stelios Kazantzidis; juntos lograron convertirse en el mejor dúo de Grecia y cantaron las obras de los mejores compositores de esta época. En 1974 representó a Grecia en el Festival de la Canción de Eurovisión; el 29 de agosto de 2004 encabezó la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Atenas.
Sugerencias de videos peculiares
Concierto de Brandeburgo n.º 3 en sol mayor, BWV 1048. Bach prescinde de los instrumentos de viento para dar todo el protagonismo a las cuerdas. I (0´6´´) ALLEGRO MODERATO. Construído a partir de unas células rítmicas, base de los distintos temas melódicos, contrapuntísticamente trabajados. II (5´48´) ADAGIO originariamente consta únicamente de dos acordes, uno inicial y otro final, que forman una semicadencia frigia; es probable que estos acordes estuvieran destinados a dejar un espacio libre a la improvisación del intérprete, tal como hoy ofrecemos. III (6´20´´) ALLEGRO La danza parece adueñarse de la partitura, como si se tratara de un tiempo de suite. Es el único movimiento de concierto de Bach en utilizar una forma binaria de danza en dos secciones, conforme al estilo de la giga.
Saburo Teshigawara es un coreógrafo y bailarín japonés que nació en Tokio y se hizo conocido por fundar una compañía llamada Karas junto con Kei Miyata en 1985. Actualmente trabaja como profesor en el departamento de Diseño de Escenografía, Drama y Danza de la Universidad de Arte de Tama en Tokio, centro considerado como una de las mejores escuelas de arte de Japón.
Rihoko Sato, originaria de Tokio, se formó en Gran Bretaña y luego en Estados Unidos; en 1995 participa en los talleres de Saburo Teshigawara en Tokio antes de incorporarse a su compañía, Karas, al año siguiente, convirtiéndose en su primera asistente y una de sus intérpretes más emblemáticas.
Jacques Offenbach (1819-1880) fue un chelista y compositor francés de origen alemán pasado al catolicismo para poder casarse con la católica Herminia de Alcain. Comenzó sus estudios musicales con su padre, profesor de música; a los 14 años su familia se trasladó a París donde prosiguió sus estudios con Cherubini. En 1855 fundó el teatro Bouffes Parisiens, donde llevó a escena sus propias obras, que reflejan la alegría de vivir de su época. También presentó divertidas adaptaciones de otros genios de la música como G. Rossini. Su ascendencia alemana le granjeó enemigos después de la guerra franco prusiana; enemigos que reflejó con ironía representándolos en sus operetas. Máximo exponente de la opereta francesa (escribió cientos de ellas), sus restos reposan en el cementerio de Montmartre.
Le Papillon (La mariposa) es un ballet fantástico, en dos actos (cuatro escenas) de 1860, con coreografía de Marie Taglioni y música de Jacques Offenbach, con libreto de Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges.
El ballet está ambientado en Circasia. Después del Preludio, el primer cuadro del acto 1 comienza con la vieja y malvada hada Hamza tratando a su sirviente con rudeza. Hamza una vez secuestró a Farfalla, la hija del emir, que ahora es su sirvienta. Al mirarse en el espejo, Hamza sólo desea volver a ser joven y ser elegible para casarse, pero para ello debe ser besada por un joven príncipe.
Descansando de una cacería, entran el príncipe Djalma y su séquito. Todos disfrutan de la comida y el vino, y el príncipe baila una mazurca con Farfalla y le agradece con un beso. La borracha Hamza es molestada por los demás y se enfurece, atrae a Farfalla a una caja y, usando su muleta mágica, cuando la caja se abre de nuevo, emerge una hermosa mariposa.
Hoy nos lo ofrece Sara Nieto con el Cuerpo de baile de su ballet.
Fandango eta Arin-arin Dentro de lo que es la Danza Vasca, el fandango vasco de ritmo ternario y el arin-arin de ritmo binario forman el conjunto de danzas más habituales en las fiestas del País Vasco. Ambas danzas bailadas por parejas mixtas tienen cierta semejanza con otras danzas similares del estado y con la pavana binaria y la gallarda ternaria que ya se bailaban en el Renacimiento. Hoy día, el fandango vasco tiene ritmo ternario, escrito en compás de 3/8, y presenta frases cuadradas, organizadas en módulos de ocho compases. El arin arin, es la otra danza a la que que nos hemos referido; danza de ritmo binario, estructuralmente similar al fandango con frases cuadradas compuestas por módulos de ocho compases. (Textos extractados de Auñamendi Eusko Entziklopedia)
Alkartasuna Dantza Taldea (Grupo de Danzas Alkartasuna) Después de la guerra civil, en la década de los 50 el número de grupos de danza vasca se incrementó de manera significativa en el País Vasco; de modo que, teniendo en cuenta la situación política de la década de los 70, la danza vasca fue una de las herramientas más poderosas para expresar el sentimiento vasco tan reprimido por el Régimen fascista. Así nació Alkartasuna Dantza Taldea, cuando en el año 1976 una cuadrilla de amigos del Instituto de Bermeo, Bizkaia, decidió organizar una actuación con el fin de recaudar dinero para su viaje de estudios; actuación que debido al éxito obtenido les animó a seguir con la tarea iniciada. Hoy asistimos a una actuación del grupo dentro de las Fiestas de la Semana Grande de Bilbao.
Derviches Tourneurs (Derviches giradores) o Mevleví es una orden de derviches de Turquía, fundada por los discípulos del gran poeta sufí Jalal al-Din Muhammad Rumi en el siglo XIII. Se les conoce como derviches giradores o giróvagos porque tienen una ceremonia de danza-meditación, llamada Sama, que consiste en una danza masculina acompañada por música de flauta y tambores. Los danzantes giran sobre sí mismos con los brazos extendidos, simbolizando "la ascendencia espiritual hacia la verdad, acompañados por el amor y liberados totalmente del ego". La ceremonia se originó entre los místicos de la India y los sufís turcos. El Sama, como ceremonia mevleví, fue proclamado en 2005 e inscrito en 2008 en la Lista representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad de la Unesco.
Sugerencias de música para niñ@s
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