El día 24 de Marzo comienza la Semana Santa católica.
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Tomás Luis de Victoria (1548 - 1611) fue un sacerdote católico y célebre compositor polifonista del renacimiento español nacido en Ávila. A la edad de 7 años entró en el coro de la catedral de Ávila, donde sintió su vocación por el sacerdocio y donde recibiría los primeros conocimientos musicales. A la edad de 19 años, se traslada a Roma donde profundiza sus estudios con el ilustre compositor Palestrina. En mayo de 1585, Victoria regresa a España como capellán de la emperatriz María de Austria, y organista del Monasterio de las Descalzas Reales, donde trabajó durante 24 años hasta el día de su muerte. Victoria está considerado como uno de los compositores más relevantes y avanzados de su época, con un estilo innovador que anunció el inminente barroco.
José Ignacio Prieto Arrizubieta (1900–1980) fue un jesuita, compositor y director coral nacido en Gijón, en el seno de una familia de acendrada religiosidad cristiana. La música religiosa de Prieto es una fusión original de tres elementos: el canto gregoriano, la polifonía sacra del Renacimiento y la “apertura a la modernidad” con influencias de Strawinski y Bartok, el impresionismo francés y la música popular española. Durante veinticinco años, realizó en la Universidad Pontificia de Comillas (Cantabria) una compleja actividad musical al frente de la Schola Cantorum de Comillas que alcanzó un grandísimo nivel y reconocimiento internacional. Hoy, al frente de la Schola Cantorum de Comillas, nos ofrece el Responsorio de Tomás Luis de Victoria a cuatro voces graves, O vos omnes.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo (Austria), a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer. Su padre, Leopold le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor prolífico (más de 600 obras escritas desde sus cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales: obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Falleció en Viena a los 35 años.
Così fan tutte, ossia La scuola degli amanti es un drama jocoso en dos actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto en italiano de Lorenzo da Ponte. Così fan tutte es una de las tres óperas de Mozart para las que Da Ponte escribió el libreto. Las otras dos colaboraciones fueron Las bodas de Fígaro y Don Giovanni. La traducción literal del título es "Así hacen todas (las mujeres)"; estas palabras son cantadas por los tres hombres cuando hablan del voluble amor femenino, en el segundo acto, cuadro III, justo antes del Finale. Musicalmente hablando, los críticos destacan la simetría de Così: dos actos, tres hombres y tres mujeres, dos parejas, dos personajes al extremo (Don Alfonso y Despina), prácticamente el mismo número de arias para todos los solistas.
Soave sia il vento. Dentro de esos grupos vocales de Cosí, hoy ofrecemos este delicado trío en versión de la soprano Renée Fleming, la mezzo Susan Graham y el barítono Thomas Hampson. "Que sea suave el viento, tranquilas las olas, y que todos los elementos benignos respondan a nuestros deseos."
Gabriel Fauré (1845-1924) fue un compositor, pedagogo, organista y pianista francés, considerado como uno de los compositores franceses más destacados de su generación; su estilo musical influyó en muchos compositores del siglo XX. Entre sus obras más conocidas destacan la Pavana, el Réquiem, los Nocturnos para piano y las canciones Après un rêve y Clair de lune. Entre sus mentores se encontraba Camille Saint-Saëns, quien se convirtió en su amigo de por vida. Cuando alcanzó el éxito, ocupó los importantes cargos de organista de la iglesia de la Madeleine y director del Conservatorio de París. Su legado ha sido descrito como el enlace entre el final del Romanticismo con el Modernismo del segundo cuarto del siglo XX.
La siciliana (también conocida como sicilienne, en francés) es una forma musical que se popularizó en toda Europa entre finales del siglo XVII y el siglo XVIII. Es una danza lenta que se desarrolla en un compás de 6/8 o 12/8 y que se caracteriza por la presencia de un ritmo trocaico, así como por sus melodías sencillas y armonías claras y normalmente escrita en modo menor. Es una danza similar a la giga en cuanto a ritmo pero mucho más lenta y con carácter melancólico.
Hoy ofrecemos la Siciliana de Fauré en versión flauta y arpa de la mano de Olga Zmanovskaya, flauta y Elizaveta Bushueva, arpa.
John Adams (Worcester, Massachusetts, 1947) es un compositor de música clásica y director de orquesta estadounidense, uno de los más conocidos y más a menudo interpretados en su país. Su creatividad abarca una amplia gama de medios: obras orquestales, óperas, música para danza, música para vídeos y películas, así como obras electrónicas e instrumentales. contemporánea estadounidense. Desde sus primeras obras llevó el minimalismo a un terreno nuevo y fresco, caracterizado por las sonoridades luminosas y por un fuerte y teatral acercamiento a las formas musicales. Como Andrew Porter escribió en «The New Yorker», Adams es el creador de un «nuevo lenguaje, flexible, capaz de producir obras de gran escala atractivas y formalmente fuertes”.
Short Ride in a Fast Machine es una obra orquestal de 1986 de John Adams, a la que el autor aplica la descripción de "fanfarria para orquesta" Como comentario sobre el título, Adams pregunta: "¿Sabes lo que pasa cuando alguien te pide que montes en un fantástico coche deportivo y luego deseas no haberlo hecho?" La obra es un ejemplo del estilo posminimal de Adams; estilo que deriva del minimalismo definido por las obras de Steve Reich, Terry Riley y Philip Glass, aunque procede a "hacer uso de técnicas minimalistas en entornos más dramáticos".
Hoy nos la ofrece la Wind Orchestra Zaragoza conducida por Frank de Vuyst en versión Banda de Música.
Sugerencias de música clásica
Johann Sebastian Bach (1685-1750) fue un violinista, organista, director y compositor alemán; nació en Eisenach dentro de la familia musical más prominente de la historia con más de 30 compositores famosos en su seno. En 1703 obtiene su primer trabajo como músico de corte del Príncipe de Arndstat y en 1707 se traslada a Mülhausen como organista, donde se casa con su prima María Bárbara con quien tiene siete hijos. Tras la muerte de su esposa en 1720, volvió a casarse tras año y medio con María Magdalena con la que tendría otros trece hijos. En 1723 se traslada a Leipzig donde residiría hasta su muerte a los 65 años. Compositor prolífico, está considerado como uno de los principales tres genios de la Historia de la Música junto con Mozart y Beethoven.
La Pasión según San Mateo es un oratorio escrito por Johann Sebastian Bach para voces solistas, doble coro y doble orquesta. Presenta el sufrimiento y la muerte de Cristo según el evangelio de San Mateo y es la obra más extensa del compositor, aunque está dividida en dos grandes partes, entre las cuales tenía lugar el sermón. La narración del texto es cantado literalmente por un Evangelista, el resto de los personajes de la trama (Cristo, Judas, Pedro, etc.) son encarnados por distintos solistas, el texto bíblico se encuentra musicalizado en recitativos, mientras que los ariosos y las arias, presentan nuevos textos que dan un carácter más íntimo a la vida de Cristo.
La versión que hoy presentamos nos la ofrece la Sociedad Bach Holandesa conducida por el maestro también holandés Josephus van Veldhoven (1952).
Franz Liszt (1811-1886) fue un genial pianista y exitoso compositor húngaro, cuyas obras han perdurado a lo largo de los años; obras para piano solo o concertante, además de obras orquestales entre las que cabe destacar sus poemas sinfónicos, forma musical de la que es progenitor. El padre de Liszt, músico aficionado, a los siete años le impartió su primera clase de piano. En octubre y noviembre de 1820, a la edad de nueve años, apareció en conciertos en Sopron y Bratislava. Su padre consiguió que Franz fuera presentado ante la Corte de la Casa de Esterházy como niño prodigio. Fue famoso en toda Europa durante el siglo XIX; sus contemporáneos afirmaban que era el pianista técnicamente más avanzado de su época y el más grande de todos los tiempos.
Capriccio alla Turca (sobre temas de “Las ruinas de Atenas” de Beethoven) (1846). Beethoven había utilizado una marcha turca para la música del festival de Kotzebue de 1811, que anteriormente había utilizado como tema para las Variaciones op.76. Liszt utilizó esta marcha como base para su Capriccio. "Con mucha imaginación sonora, un toque perfectamente controlado y un uso preciso del pedal, Evgenia Rubinova deja que florezcan las líneas melódicas...” (Extractado del pie del vídeo)
Evgenia Rubinova (1977) es una pianista nacida en Tashkent, Uzbekistán. A los doce años ganó el Concurso Internacional de Piano de Rusia. Posteriormente se graduó con honores en la Academia y Colegio de Música de Gnessin, prestigiosa escuela de música de Moscú. Asistió a clases magistrales con pianistas como Vladimir Krainev y Alexei Lyubimov, y más tarde a las del profesor ruso-estadounidense Lev Natochenny. Actualmente es profesora de piano en el Centro Leopold Mozart de Augsburgo.
Leonard Bernstein (1918 - 1990), compositor, pianista y director de orquesta estadounidense fue el primer director de orquesta nacido en USA que obtuvo fama mundial, considerado como unos de los mejores directores del mundo y célebre por haber dirigido la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por sus Conciertos para jóvenes en la televisión entre 1958 y 1972 y por sus múltiples composiciones. También fue una figura esencial en el resurgir moderno de la música de Gustav Mahler, compositor que le interesaba apasionadamente. Como compositor escribió música para piano, música de cámara, música coral, música religiosa, numerosas obras escénicas para ballet, cine, ópera y musicales, además de abundante obra orquestal.
West Side Story es un musical con libreto de Arthur Laurents, música de Leonard Bernstein y letras de Stephen Sondheim. Basado libremente en Romeo y Julieta de William Shakespeare, la acción transcurre en un barrio neoyorquino a mediados de los 50 entre dos bandas juveniles de diferentes etnias: los Jets (de raíces europeas) y los Sharks (de origen puertorriqueño). Todo se complica cuando Tony, un antiguo miembro de los Jets, se enamora de María, la hermana del líder de los Sharks. El acercamiento a los problemas sociales de la época marcaron un punto de inflexión en el teatro musical estadounidense. En 1961 fue llevado a la gran pantalla bajo la dirección de Robert Wise.
Tine Thing Helseth (1987) es una trompetista noruega especializada en repertorio clásico. Nacida en Oslo, comenzó a tocar la trompeta a los siete años de edad; entre sus maestros estuvieron Heidi Johanessen y desde 2002, Arnulf Naur Nilsen. Hoy nos ofrece una selección de la banda sonora de Leonard Bernstein, West Side Story, liderando el grupo de metales femenino tenThing Brass Ensemble creado por ella misma con otras nueve amigas y compañeras como un modo de disfrutar activamente de su familia instrumental (viento-metal) y de paso reivindicar y demostrar su capacidad para dichos instrumentos habitual y mayoritariamente tocados por hombres. Tres trompetas, un fliscorno, una trompa, cuatro trombones y una tuba son las integrantes del ensemble.
Witold Lutosławski (1913-1994) fue uno de los compositores europeos más importantes del siglo XX. Posiblemente es el compositor polaco más importante después de Chopin, y el músico más eminente de su país en las tres últimas décadas del siglo. En vida obtuvo una gran cantidad de premios internacionales, incluyendo el de ser nombrado caballero de la Orden del Águila Blanca, el honor más alto de Polonia. Estudió piano y composición en Varsovia, y sus primeras obras estuvieron marcadamente influidas por la música folclórica polaca. A partir de finales de los años 1950 incorpora sus propios métodos compositivos con armonías de pequeños grupos de intervalos musicales y el uso de procesos aleatorios, en los que la coordinación rítmica de las diversas partes está sujeta al azar.
Livre pour Orchester (Libro para Orquesta) fue escrito en 1968 para la Orquesta Hagen de Westfalia y dedicado a su director, Bertold Lehmann. La obra está organizada en cuatro 'capítulos' separados por tres interludios (breves fragmentos melódicos 'ad libitum' y no dirigidos). Lutoslawski ha dicho que la música de estos interludios es deliberadamente insignificante y sirve simplemente como puntos de relajación para el público. Cada interludio dura unos veinte segundos; el primero está compuesto para tres clarinetes, el segundo para dos clarinetes y arpa, y el tercero para arpa y piano.
En el PRIMER CAPÍTULO (0´27´´), predominan las cuerdas con glissandi quejumbrosos e interrogantes que enmarcan un episodio para metales y percusión. EL CAPÍTULO II (4´45´´ ) es más dinámico: comienza con los brillantes sonidos de las cuerdas pulsadas y la percusión afinada, seguidos de contribuciones más largas y locuaces del viento y los metales. El CAPÍTULO III (7´58´´) incorpora aspectos de los dos capítulos anteriores. Sólo gradualmente uno se da cuenta de que el tercer interludio, lejos de ser insignificante, se está convirtiendo en algo mucho más grande: en el capítulo final, que emerge cuando el interludio es en el que los instrumentos (arpa y piano) comienzan a atraer aquellas sonoridades con las que comenzó el segundo capítulo. CAPÍTULO IV (10´09´´). Hay una lenta liberación de energía, con la orquesta principal tomando gradualmente el control y la textura se abre en abanico hacia afuera. Los bloques individuales se vuelven más cortos y más activos, hasta que toda la textura se convierte en una breve y palpitante broma justo antes del clímax. Pero el clímax no tiene la última palabra: mientras continúa, se abre una puerta a un mundo nuevo (16´49´´). Quizás esta coda lírica para dos flautas, acompañada de un coral de cuerdas, sea la "pregunta sin respuesta" de Lutoslawski.
La obra hoy nos la presenta la Orquesta de Radio Televisión Española conducida por el maestro alemán Gunther Herbig.
Sugerencias de música para todos los gustos
Esbjörn Svensson Trio (también conocido como E.S.T.) fue un grupo musical sueco cuyo estilo principal fue el jazz. Se fundó en 1993 y estuvo formado por el líder Esbjörn Svensson (piano), Dan Berglund (bajo) y Magnus Öström (batería). E.S.T. eran conocidos por su innovador estilo y tuvieron un gran reconocimiento mundial, tanto entre la crítica y expertos como en ventas. A pesar de que su nombre hace referencia al nombre del pianista y fundador, el grupo se definió a sí mismo como "una banda de pop que toca jazz". Además, rompió con la tradición de tener un líder en la banda a favor de la igualdad entre sus miembros. Actuaban en locales de jazz, así como en escenarios típicos de bandas de rock, empleando efectos con humo e iluminación.
Camila Cabello (1997) Es una cantautora cubana que perteneció al grupo vocal femenino Fifth Harmony hasta que en Diciembre de 2016 se salió del mismo, actuando en adelante como solista y lanzando al mercado distintos álbumes; se ha caracterizado por su labor humanitaria en favor del igualitarismo femenino, de la protección a la infancia y otros problemas sociales. El álbum que hoy ofrecemos, Camila, lo sacó a la venta en enero de 2018, debutando en el número 1 en Canadá y en el Billboard 200 en Estados Unidos.
Betagarri fue un grupo vasco de ska que comenzó su trabajo en 1993, aunque su primer disco no llegó hasta 1997. Sus giras habituales eran por Europa; aunque también actuaron en Japón, USA y Argentina. En 2007 crearon la canción Garenaren Jostun que fue la canción oficial del Araba Euskaraz que ese año se celebraba en La Puebla de Arganzón. En 2009 su canción Ongi etorri lagun fue la canción que se corearía oficialmente a lo largo de la Korrika por todo el País Vasco. En 2017 el grupo se deshizo tras 24 años de carrera.
Lata Mangeshkar (1929-2022)1 fue una cantante india reconocida como dobladora musical en las películas de Bollywood. Fue la hermana mayor de los cantantes Asha Bhosle, Hridaynath Mangeshkar, Usha Mangeshkar y Meena Khadikar. Entrenada desde los cinco años de edad por su padre, el cantante clásico Deenanath Mangeshkar, su carrera se inició en 1942. En siete décadas de carrera, cantó en más de mil películas en cerca de veinte lenguas de la India, principalmente hindi y marathi. Por haber interpretado canciones también en bengalí y urdú, fue extremamente popular en Bangladés y en Pakistán. Recibió las más altas condecoraciones artísticas indias y apareció en el Libro Guinness de los récords desde 1974 hasta 1991 como la cantante más grabada del mundo.
Sugerencias de videos peculiares
Johann Strauss (hijo) (1825-1899) fue un compositor austríaco hijo de Johann Strauss y hermano de los compositores Josef Strauss y Eduard Strauss; conocido en vida como “el rey del vals”, fue factor esencial en la evolución y sofisticación del mismo pasando de ser una danza campesina a una danza de entretenimiento de la Corte Imperial. Es el más conocido de la familia por sus valses, sus polcas y sus marchas; compositor, además, de varias operetas. Su padre quería evitar que su hijo pasase por las estrecheces de vida de un músico, por lo que fue su madre quien le ayudó y animó a centrarse en la música. Su obra constituye la base del repertorio que se ofrece anualmente en el Concierto de Año Nuevo de la Orquesta Filarmónica de Viena.
La Chauve-souris (El murciélago, en castellano; Die Fledermaus título original en alemán) es una opereta cómica en tres actos con música de Johann Strauss (hijo) y libreto en alemán de Carl Haffner y Richard Genée. Se estrenó el 5 de abril de 1874 en el Theater an der Wien en Viena. La obra se basa en una comedia alemana de Julius Roderich Benedix llamada Das Gefängnis (La prisión), que a su vez se basa en un vodevil, Le Réveillon, de Henri Meilhac y Ludovic Halévy. Hoy ofrecemos una escena de la mencionada opereta en versión coreografiada por Roland Petit y protagonizada por Alessandra Ferri (1962), considerada como la más grande bailarina italiana desde Carla Fracci), y Massimo Murru (etoile del Teatro de la Scala de Milán).
Las Legényes son danzas masculinas, muy típicas de la región de Kalotaszeg en Transilvania. Este tipo de bailes suelen ser realizados por hombres jóvenes, pero los hombres mayores también pueden bailarlos. Son bailes de estilo libre, que se caracterizan por saltos, carreras y taconeo. Hasta el día de hoy, las legényes siguen siendo una de las danzas más populares del campesinado húngaro. A veces, las mujeres también participan, en forma de filas laterales y cantando versos mientras el hombre baila.
La Morenada es una danza folclórica altiplánica cuyo origen se encuentra en debate. Este baile se practica principalmente en Bolivia, así como en Perú y en los últimos años, con la inmigración boliviana o peruana, en Chile, Argentina y otros países. La danza se remonta a la época colonial y se inspira en la trata de esclavos, traídos por los conquistadores españoles para que trabajasen como laboreros en las minas de plata en el Virreinato del Perú, probablemente iniciado por los aimaras disfrazados de negros y representando personajes como el caporal y la tropa de negros. Nació justamente en las cofradías de esclavos llegados de África que se mofaban de los bailes de los señores blancos. Hoy nos la ofrece el Elenco Nacional de Folclore del Perú.
El Pueblo Bereber (“amazigh”) es un conjunto de etnias autóctonas de África del norte, que se distribuyen desde las Islas Canarias y la costa atlántica continental hasta el oasis de Siwa, en Egipto. Su cultura se remonta más de 4.000 años en el tiempo, siendo los bereberes habitantes anteriores a la llegada de los árabes. Desde épocas remotas los Imazighen (plural de Amazigh), cuyo nombre significa “los Libres” luchan por su intocable libertad, y lo hacen hasta el extremo. A pesar de la opresión conservan sus tradiciones y las practican con orgullo; desde su gastronomía o sus diversos idiomas hasta sus trajes y tatuajes, su música y sus bellísimas danzas. Su Música y sus danzas, alegres, rítmicas, coloridas y colectivas, nos cuentan una historia de amor por la Tierra y la alegría de vivir en tribu.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia.
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