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Antonio Vivaldi (1678-1741) fue un sacerdote, violinista y compositor italiano conocido como el cura rojo (“il prete rosso”). Nació en Venecia y de niño aprendió a tocar el violín con su padre; a los 15 años ingresó en el Seminario y una vez ordenado sacerdote, apenas podía atender a sus obligaciones religiosas debido a sus problemas de salud; de modo que fue nombrado profesor de violín en un orfanato en el que impartía clases teóricas y de instrumento. A los 40 años es nombrado Maestro de Capilla en Mantua donde escribió sus famosas  Cuatro estaciones. De allí se trasladó a Milán, luego a Roma; más tarde, de nuevo a Venecia y por último, a Viena donde fallecería. A lo largo de su vida  compuso casi 800 obras, de las que la mitad fueron conciertos, 40 óperas, 60 obras religiosas y numerosas sonatas.

Las cuatro estaciones, la obra más conocida de Vivaldi, es un grupo de cuatro conciertos para violín y orquesta (cada concierto está dedicado a una estación: Primavera, Verano, Otoño y Invierno). Aunque inusualmente para la época, Vivaldi publicó los conciertos con unos poemas de acompañamiento  que describían lo que quería representar en relación a cada una de las estaciones. La obra proporciona uno de los ejemplos más tempranos y detallados de lo que después se llamaría música programática o descriptiva, música con un elemento narrativo.

Otoño: I (0´5´´) ALLEGRO “Celebra el rústico, con bailes y cantos la feliz vendimia y el alegre placer del licor de Baco; abusa tanto que terminan en el sueño su gozo”.-. II (4´45´´) ADAGIO MOLTO. “Todos deben tocar bailes y cantos. El aire templado da placer y bienestar, y la estación invita a tantos al bello gozo de un dulcísimo sueño”.-. III (7´14´´) ALLEGRO. “Al alba sale el cazador a la caza con cuernos, escopetas y perros. Huye la fiera, y la rastrean. Ya sorprendida y agotada por el gran ruido de escopetas y perros; herida, harta de huir y vencida, abrumada muere” (Dice Vivaldi).

Hoy nos lo ofrece Julia Fischer como solista, acompañada por la Academy of St Martin in the Fields.

Carlos Vicente Guastavino (Santa Fe, 5 de abril de 1912 - ibídem, 29 de octubre de 2000) fue un compositor y pianista argentino. Nació y falleció en Santa Fe, ciudad capital de la homónima provincia argentina. Su niñez transcurrió en el seno de una familia amante de la música; espontaneidad e intuición musical fueron las primeras experiencias lúdicas de Carlos, el tercero de aquellos seis hermanos, que apenas con cuatro años de edad, siendo discípulo de la pianista Esperanza Lothringer, debutó en el Teatro Municipal. Establecido en Buenos Aires, tras un paso fugaz de unos pocos meses por el Conservatorio Nacional de Música, continuó estudios en forma privada con el compositor y pedagogo Athos Palma. Con él sistematizó, en un lapso de tiempo intensamente breve, su bagaje de conocimientos empíricos previos, en especial en las disciplinas de armonía, morfología y contrapunto.

Una vida de viajes e intensas experiencias artísticas fue la que llevó durante la década de los años 40’ y 50’.  Itinerarios por países limítrofes de Argentina, dos estancias en Londres y algunos meses de gira por la Unión Soviética y China en 1956, fueron cimentando su fama de compositor-pianista destacado en el ámbito de su propio repertorio vocal de cámara y pianístico de corte nacionalista. Su producción es extensa en el campo del repertorio de cámara y solístico: incluye piezas vocales con piano, obras corales a capela, para grupos instrumentales, piano y guitarra. Algunas alcanzaron tanta difusión que necesitaron ser reiteradamente reeditadas (los casos de las canciones "Pueblito, mi pueblo", "Se equivocó la paloma" y "Bailecito" fueron y siguen siendo los más notables en este sentido). Reconocidos intérpretes clásicos y populares han abordado su música en conciertos y grabaciones a lo largo del siglo XX y XXI.

Hoy, en versión para guitarra, presentamos el Bailecito de Carlos Guastavino interpretado por Silvia Costanzo.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo (Austria), a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer, con lo que su padre, Leopold, le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor prolífico (más de 600 obras escritas desde sus cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales: obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro  están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Falleció en  Viena a los 35 años.

El catálogo de las obras de Mozart o Catálogo Köchel (Köchel Verzeichnis, en alemán) fue creado por Ludwig von Köchel en 1862 y enumera las obras musicales compuestas por Wolfgang Amadeus Mozart. Cada una de las obras de Mozart está designada por un número precedido de la abreviatura K. o KV; número que designa el orden cronólogico de su creación y que es realmente válido para la mayoría de las obras; sin embargo aparecen, en su primera edición, obras de otros autores atribuidas erróneamente a Mozart, y omite otras auténticas que aún no habían sido descubiertas.  

La Sonata en un principio era una composición de varias secciones (generalmente tres o cuatro) escrita para ser tocada o «sonada» por algún o algunos instrumentos musicales, como la cantata lo era para ser “cantada” por una o varias voces. A partir del clasicismo (1750-1810) su definición se ajusta a una obra estructurada generalmente en tres movimientos (rápido-lento-rápido) y a veces cuatro,  con una pequeña introducción o sin ella. No hay que confundirla con la forma sonata, que es un modelo compositivo que consta de tres secciones sin interrupción: a) exposición de los dos temas principales y contrastantes, b) desarrollo de ambos temas, c) reexposición o recapitulación.

La Sonata para piano n.º 11 en la mayor, K. 331 es la más célebre de las sonatas para piano de Mozart, particularmente por su tercer movimiento que ha tenido innumerables transcripciones y versiones y que constituye desde hace muchos años, uno de los "caballos de batalla" de los pianistas. Muchos musicólogos (entre ellos Saint Fiux) sostienen que esta sonata sería en realidad la décima de la colección mientras que la precedente en Do mayor tomaría el puesto de undécima. Pero, sin embargo Alfred Einstein recuerda una carta datada el 9-12 de junio de 1784 dirigida por Mozart a su padre, en la que éste indica claramente las tres sonatas en Do mayor, La mayor y la próxima en Fa mayor. La sonata consta de tres movimientos: I (O´OO´´) ANDANTE CON VARIACIONES: Tema (0´03´´); Variación 1 (0´51´´); Variación 2 (1´33´´); Variación 3 (2´21´´); Variación 4 (3´16´´); Variación 5 (3´59´´); Variación 6 (5´48´´) .-. II (6´54´´) MINUETO .-. III (10´23´´) RONDÓ ALLA TURCA (movimiento popularmente conocido como Marcha turca de Mozart).

Hoy sugerimos visionar la sonata completa en interpretación de la pianista letona Olga Jegunova (1984).

Felipe Gorriti y Osambela (1839-1896) fue un compositor navarro cuyos primeros conocimientos musicales los adquirió de su padre, organista de la villa navarra de Huarte-Araquil, y luego, de Mariano García, maestro de capilla de la catedral de Pamplona. Años más tarde, continuó sus estudios en el Conservatorio de Madrid, con Jimeno de Lerma e Hilarión Eslava. En 1867, ganó por oposición, la plaza de organista de la villa de Tolosa alcanzando gran renombre y confiriendo prestigio a la capilla de la parroquia tolosana, a donde se dirigían, dos o tres veces por semana, numerosos organistas y estudiantes para recibir lecciones del maestro. Compuso con afán numerosas obras de carácter religioso de muy variada índole: misas solemnes y de Réquiem, motetes, nocturnos, misereres, etc. Hasta un total de 300 obras.

Miserere. Ignacio Mocoroa escribió que tras la última guerra carlista, quedó en Tolosa y permaneció bastantes años, «una guarnición militar con su banda de música”. Circunstancia que aprovechó Felipe Gorriti para formar, con la orquesta de cuerda de la parroquia y con los elementos de la banda militar, una orquesta completa que, bajo la dirección de Milpager, dio a conocer sus 'Misereres' en las funciones de Semana Santa entre los años de 1885 al 95. Álvaro Milpager es considerado como una de la figuras de la música militar de la segunda mitad del siglo XIX. Hoy presentamos el Miserere nº 7 de Felipe Gorriti con la soprano Nerea Castellot, el tenor Víctor Castillejo, el barítono Silvano Baztán, el Orfeón Pamplonés y la Sinfónica de Navarra conducid@s tod@s ell@s por el maestro Igor Ijurra

Autumn Leaves es una versión de la canción Les feuilles mortes (Las hojas muertas) de Jacques Prévert y Joseph Kosma, una canción francesa de 1945 popularizada más tarde por Yves Montand; la música del estribillo se convirtió en un estándar del jazz, con el título de «Autumn leaves» (Hojas de otoño). Gran parte del atractivo armónico para los músicos de jazz estriba en que las estrofas presentan una típica progresión siguiendo un ciclo de cuartas y el estribillo utiliza una escala húngara menor de manera fluida.

La versión de hoy es obra de Chet Baker (trompeta), Paul Desmond (saxo alto), Hubert Laws (flauta), Bob James (teclado), Ron Carter (contrabajo) y Steve Gadd (batería).

Jason Derulo (Miramar, Florida; 21 de septiembre de 1989) es un cantante, compositor, bailarín y actor estadounidense de ascendencia haitiana. Tras producir canciones para varios artistas, y escribir canciones para Cash Money Records, Derulo firmó contrato con el sello discográfico Beluga Heights. Después de que Beluga Heights se convirtiera en parte de la Warner Music Group, lanzó su primer sencillo «Whatcha Say» en mayo de 2009. El sencillo tuvo un gran éxito en descargas digitales, vendiendo más de 2 millones de copias en Estados Unidos, llegando al número uno en el Billboard Hot 100 y otros países. Derulo lanzó su segundo sencillo, «In My Head» en diciembre de 2009. Su álbum debut, Jason Derulo, se estrenó el 2 de marzo de 2010. Su principal influencia ha sido el cantante Michael Jackson. El álbum debut de Derulo estilizado con una diéresis como Jason Derülo , se lanzó el 2 de marzo de 2010. Jason Derulo apareció por primera vez en la lista de los diez álbumes más populares de Reino Unido e Irlanda a principios de marzo de 2010. El tercer sencillo del álbum es Ridin Solo que se lanzó en todo el mundo el 26 de abril de 2010. En julio, el sencillo llegó al número nueve en el Billboard Hot 100.

Serguéi Prokófiev (1891-1953) fue un compositor, pianista y director de orquesta soviético, considerado como uno de los principales compositores del siglo XX y creador de numerosas obras maestras en distintos géneros musicales. Sus obras incluyen obras tan populares como la marcha de El amor de las tres naranjas, la suite El teniente Kijé, el ballet Romeo y Julieta, Pedro y el lobo... Dentro de las formas y géneros establecidos en los que trabajó, creó siete óperas completas, siete sinfonías, ocho ballets, cinco conciertos para piano, dos conciertos para violín, un concierto para violonchelo y nueve sonatas para piano completadas. Tras su muerte, Arthur Honegger proclamó que Prokófiev «seguirá siendo para nosotros la figura más grande de la música contemporánea».

Romeo y Julieta es un ballet basado en la obra homónima de William Shakespeare y estructurado en tres actos divididos en trece escenas, incluyendo prólogo y epílogo. Es una de las obras más apreciadas del compositor, sobre la base de la alta inspiración melódica, la gran variedad rítmica y el carácter memorable de los temas principales. La dificultad de la partitura impidió el disfrute del compositor del éxito que años después tendría su pieza; fue criticado por la falta de lirismo y la naturaleza sinfónica, al igual que le sucedió a Chaikovski.

Hoy presentamos el ballet entero en versión del Ballet de la Ópera Nacional de París con Monique Loudières (Juliet), Manuel Legris (Romeo) Charles Jude (Tybalt) y Lionel Delanoe (Mercutio) en los papeles principales con la Orquesta de la Ópera de París conducida por el maestro estonio Vello Pähn.

El Pasodoble (también, marcha redoblada) es una marcha ligera de origen español utilizada en los desfiles militares, adoptada como paso reglamentario de la infantería, con una característica especial que hace que la tropa pueda llevar el paso ordinario: 120 pasos por minuto. La música que acompaña esta marcha posee compás binario y movimiento moderado y fue introducida en las corridas de toros. También se denomina pasodoble al baile que se ejecuta al compás de esta música.

Parece ser que el pasodoble, como baile, procede de la tonadilla escénica, que era una composición que en la primera mitad del siglo XIX servía como conclusión de los entremeses y los bailes escénicos y que luego, desde mediados del mismo siglo, era utilizada como intermedio musical entre los actos de las comedias. Entre las características que definen al pasodoble, se destacan: la influencia del flamenco en su formulación, tanto el bailarín de pasodoble como el bailarín de flamenco zapatean siguiendo patrones rítmicos como parte de su actuación; la composición de 1923 del compositor español Pascual Marquina Narro "España cañí", una canción de construcción lenta sobre un ritmo de marcha de 2⁄4, es la que más se asocia con el pasodoble. La mayoría de las canciones de pasodoble, incluidas las modernas, presentan variaciones de la estructura del pasodoble "España cañí", los pasos de pasodoble representan una corrida de toros, con la pareja masculina, el matador, a la cabeza y la pareja femenina detrás. Sus movimientos son firmes y seguros, con la cabeza y el pecho erguidos.

Hoy el Ballet Alhambra nos ofrece una Fantasía coreográfica del Pasodoble escenificada en base a un popurrí de pasodobles populares.