el terrorismo genocida que viene ejerciendo el
Estado de Israel contra el Pueblo Palestino
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Jean-Philippe Rameau (1683-1764) fue un compositor, clavecinista y teórico musical francés, muy influyente en la época barroca, reemplazando a Jean-Baptiste Lully como el compositor dominante de la ópera francesa. La obra lírica de Rameau constituye la mayor parte de su contribución musical y marca el apogeo del Barroco francés con su obra más conocida, la ópera-ballet Les Indes galantes. A pesar de todo, sus obras líricas fueron olvidadas hasta mediados del siglo XX al beneficiarse del movimiento de redescubrimiento de la música antigua; sus obras para clavecín, sin embargo, siempre estuvieron presentes. Rameau es generalmente considerado como el músico francés más importante anterior al siglo XIX; falleció en 1764 a los 81 años.
Piezas de clavecín en conciertos de Jean-Philippe Rameau, publicadas en 1741, constituyen el único ejemplo de música de cámara del compositor y fueron compuestas en plena madurez; son muy posteriores a sus obras para clavecín solo, a su música religiosa y vienen después sus primeras obras maestras líricas. En el prefacio, Rameau especifica: “Estas piezas interpretadas sólo con clavecín no dejan nada que desear: ni siquiera se sospecha que sean capaces de cualquier otro placer.»
La Lapoplinière, que hoy presentamos, es la primera pieza del Tercer Concierto de las Piezas de clavecín en conciertos escrita para clavecín (Béatrice Martin), violín (Patrick Cohën-Akenine) y viola de gamba (Nima Ben David).
Johannes Brahms (1833-1897) nacido en Viena donde pasó la mayor parte de su vida, fue el compositor del romanticismo más conservador frente a la corriente progresista capitaneada por Liszt y Wagner. Su música está firmemente arraigada en las estructuras y técnicas de composición de los maestros clásicos y sus estructuras formales siguen fielmente los patrones del clasicismo, aunque utiliza parte del colorido del romanticismo y de la música popular. La naturaleza diligente y altamente construida de sus obras fue un punto de partida y una inspiración para una generación de compositores posteriores; pues, incrustados dentro de sus meticulosas estructuras, hay motivos profundamente románticos. De carácter eminentemente perfeccionista, escribió para piano, conjuntos de cámara, orquesta sinfónica, para voces solistas y para coro. Fue Hans von Bulow quien propuso lo de “las tres B” refiriéndose a Bach, Beethoven y Brahms como los tres pilares principales de la Historia de la música.
Catálogo de las obras de Brahms. Sus obras vienen clasificadas por su número de Opus (del latín opus 'obra'; op. abreviatura) que es un término que se utiliza en música para catalogar las obras de la mayoría de compositores desde el siglo XVII.
Las Danzas Húngaras de Brahms son un conjunto de veintiún alegres danzas, basadas su mayoría en temas húngaros, compuestas en 1869, aunque las danzas 11, 14 y 16 son originales; su duración oscila entre uno y cuatro minutos. Brahms originalmente las compuso para piano a cuatro manos, y luego arregló diez de ellas para piano solo, y algunas otras (números 1, 3 y 10) para orquesta. Varios compositores, han orquestado el resto; en especial, Antonín Dvořák, quien por otra parte, se inspiró en las mismas para componer su serie de Danzas eslavas.
Hoy ofrecemos una original versión de la danza nº 5 con el virtuoso del silbido Tamás Hacki acompañado por la Sinfónica de Múnich conducida por el maestro madrileño Carlos Nieto.
Leonard Bernstein (1918 - 1990), fue un compositor, pianista y director de orquesta estadounidense. Fue el primer director de orquesta nacido en USA que obtuvo fama mundial, célebre por haber dirigido la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por sus Conciertos para jóvenes en la televisión entre 1958 y 1972 y por sus múltiples composiciones, entre ellas West Side Story (1957) y Candide. También fue una figura esencial en el resurgir moderno de la música de Gustav Mahler, el compositor que más apasionadamente le interesaba. Como compositor escribió música para piano, música de cámara, música coral, música religiosa, numerosas obras escénicas para ballet, cine, ópera y musicales, además de abundante obra orquestal.
West Side Story es un musical con libreto de Arthur Laurents, música de Leonard Bernstein y letras de Stephen Sondheim. Basado libremente en Romeo y Julieta de William Shakespeare, el espectáculo sitúa la acción al Upper West Side neoyorquino de mediados de los 50 y explora la rivalidad entre dos bandas juveniles de diferentes etnias: los Jets (de raíces europeas) y los Sharks (de origen puertorriqueño). Todo se complica cuando Tony, un antiguo miembro de los Jets, se enamora de María, la hermana del líder de los Sharks. La producción original de Broadway debutó en 1957, con dirección y coreografía de Jerome Robbins, y fue nominada a seis premios Tony. El tono oscuro de la obra, sus sofisticadas melodías y escenas de baile, y el acercamiento a los problemas sociales de la época marcaron un punto de inflexión en el teatro musical estadounidense. Desde entonces, West Side Story ha sido puesto en escena en numerosas ocasiones a lo largo de todo el mundo y muchas de sus canciones se han convertido en clásicos. En 1961 fue llevado a la gran pantalla bajo la dirección de Robert Wise y el propio Jerome Robbins, con Richard Beymer, Natalie Wood, Rita Moreno, George Chakiris y Russ Tamblyn en los papeles protagonistas. La cinta recibió el aplauso de la crítica y en la 34ª edición de los premios Óscar se impuso en diez categorías, incluyendo mejor película.
Mambo es un ritmo musical y danza oriundo de Cuba. La palabra “mambo” es un afronegrismo, de manera similar a otros términos musicales afroamericanos como conga, milonga, bomba, tumba, samba, bamba, bambulá, tambo, tango, cumbé, cumbia y candombe, que denotan un origen africano, y particularmente congolés. El mambo fue creado a finales de los años 1930 por los hermanos Israel Cachao y Orestes López, cuando formaban parte de la orquesta de Arcaño y sus Maravillas, acelerando el danzón e introduciendo una sincopa en la percusión.
Hoy Banda Sinfónica Juvenil Simón Bolívar conducida por el maestro Sergio Rosales nos ofrece el Mambo de la película West Side Story con música del maestro estadounidense Leonard Bernstein.
Ruth Crawford (1901-1953) fue una compositora estadounidense especialista en música folclórica. Su música fue un destacado exponente de la estética modernista emergente y se convirtió en una miembro central de un grupo de compositores/as estadounidenses conocid@s como l@s "ultramodern@s". Aunque compuso principalmente durante las décadas de 1920 y 1930, Seeger se dedicó a los estudios sobre música folclórica desde finales de la década de 1930 hasta su muerte. Su música influenció a compositoras/es posteriores, particularmente a Elliott Carter.
Piano Study in Mixed Accents. Este virtuoso Estudio para Acentos Mixtos, de ritmo rápido, fue escrito durante el Estudio de Compositoras/es Estadounidenses en Berlín con una Beca Guggenheim. Fue la primera mujer en recibir esta beca, y los resultados de su estudio fueron un lenguaje nuevo y maduro, que contrasta con los Preludios para Piano de Crawford Seeger y otras obras mucho más místicas. En efecto, el estudio juega con acentuaciones “mixtas”, es decir que los acentos no están fijos en un patrón métrico convencional; se utilizan, además, agrupaciones de corcheas (o semicorcheas) con acentos variados. Aunque breve, el estudio es considerado un “tour de force”, mostrando con economía una serie de ideas modernas: irregularidad rítmica, disonancia, control dinámico y estructura nueva.
Sugerencias de música clásica
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo (Austria), a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer, con lo que su padre, Leopold, le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor prolífico (más de 600 obras escritas desde sus cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales: obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Falleció en Viena a los 35 años.
El catálogo de las obras de Mozart o Catálogo Köchel (Köchel Verzeichnis, en alemán) fue creado por Ludwig von Köchel en 1862 y enumera las obras musicales compuestas por Wolfgang Amadeus Mozart. Cada una de las obras de Mozart está designada por un número precedido de la abreviatura K. o KV; número que designa el orden cronológico de su creación y que es realmente válido para la mayoría de las obras; sin embargo aparecen, en su primera edición, obras de otros autores atribuidas erróneamente a Mozart, y omite otras auténticas que aún no habían sido descubiertas.
El Concierto es una forma musical escrita para uno o más instrumentos solistas acompañados por un conjunto instrumental. Fue Vivaldi quien establece las bases fundamentales de su estructura en tres movimientos (I rápido-II lento-III rápido) y presentado como un diálogo entre l@s solistas y el conjunto instrumental. A partir del clasicismo, sobre todo a partir de las bases creadas por C.P.E. Bach, el primer movimiento se construye siguiendo los patrones de la forma sonata (exposición, desarrollo y reexposición), mientras el segundo y el tercer movimiento adoptan formas libres y puntuales.
La trompa es un instrumento de viento-metal que tiene un carácter muy versátil y abarca una tesitura muy amplia. Además, este instrumento puede emitir tanto sonidos suaves y dulces como ásperos y duros. Existen ciertos recursos técnicos que permiten a la trompa conseguir efectos tímbricos especiales: sordina, bouché, apagador y cuivré. Su antepasado es el cuerno de caza. La trompa está formada por un tubo estrecho y largo. Este tubo cónico de metal se enrolla y acaba en un pabellón o campana abierto (en forma de trompa) y empieza en el denominado tudel (el inicio de cuerpo del instrumento) en el cual se coloca la boquilla. El sonido se produce por la vibración de los labios en el interior de la boquilla, por acción de la presión del aire: éste se va refinando hasta llegar al pabellón, donde se emite hacia el exterior. En tiempos de Mozart, la trompa no tenía válvulas (como las actuales); era una trompa natural, que requería gran virtuosismo por parte del intérprete para tocar con precisión las notas fuera de la serie armónica.
Concierto para trompa n.º 3 en mi bemol mayor, K. 447 de Wolfgang Amadeus Mozart. Este concierto es una de las obras más destacadas del repertorio para trompa y una de las más interpretadas por trompistas en todo el mundo. Fue compuesto alrededor de 1784–1787; aunque la fecha exacta no está del todo clara.
Como los otros conciertos para trompa de Mozart, fue escrito para Joseph Leutgeb, un amigo del compositor y virtuoso de la trompa.
Estructura del concierto. Sigue la forma clásica en tres movimientos: I (0` 00``) ALLEGRO, brillante y jovial, con un estilo típico del clasicismo vienés; la trompa se integra con elegancia en el diálogo con la orquesta .-. II (7`14``) ROMANZE (LARGHETTO). Melodía lírica, suave y cantabile, que muestra la calidez del timbre de la trompa natural. Aquí, Mozart explora más el lado expresivo del instrumento .-. III (11`32``) ALLEGRO (RONDO) .-. Movimiento final alegre y en forma de rondó.
Es el más popular del concierto, con un tema pegajoso y juguetón, utilizado a menudo como ejemplo del “humor” de Mozart en su música instrumental.
Hoy nos lo ofrece la trompista surcoreana Hae-Ree Yoo acompañada por la Gunpo Prime Philharmonic Orchestra conducida por el maestro Yun-Sung Jang
Robert Schumann (1810-1856) compositor alemán considerado como uno de los pilares del romanticismo. Hijo de un librero, siempre mantuvo una estrecha relación con la literatura, hasta el punto que estuvo a punto de dedicarse a ella. Estudió piano con Friedrich Wieck, aunque debido a una lesión incurable en la mano derecha, dejó su prometedora carrera pianística para centrarse únicamente en la composición; se casó con Clara Wieck (“Clara Schumann”), hija del que fuera su profesor, también compositora y prodigiosa pianista; ambos mantuvieron una cercana relación de amistad con Brahms. Desde los 23 años sufrió varios episodios depresivos y alucinaciones auditivas que fueron multiplicándose a través del tiempo con un intento de suicidio en 1854. Internado en un psiquiátrico por voluntad propia, murió a los dos años. Hasta los 30 años sólo escribió obras para piano y lieder (breves canciones líricas); pero a partir de su matrimonio y animado por su esposa, se atrevió con obras de mayor peso y así escribiría varias obras corales, obras de cámara, obras orquestales entre las que cabe destacar sus cuatro sinfonías, un poema dramático, Manfred, y una ópera.
La Sinfonía nº 1, “Primavera” fue compuesta en sòlo cuatro días (enero de 1841) y orquestada en menos de un mes. El estreno fue dirigido por Felix Mendelssohn el 31 de marzo de 1841, en Leipzig. Antes de haber compuesto esta sinfonía, Schumann era extensamente conocido por sus obras para piano y voz. Clara lo motivó para escribir música sinfónica. El título "Primavera" fue otorgado, según el diario de Clara, por los poemas de primavera de Adolph Boettger; sin embargo, el propio Schumann expresó que la sinfonía está meramente inspirada en Liebesfrühling (Primavera de amor), colección de 12 lieder escrita por el matrimonio Schumann.
Estructura general. La sinfonía está escrita en cuatro movimientos, siguiendo la forma clásica tradicional, aunque con un fuerte carácter romántico e innovaciones propias del estilo de Schumann. I (0`7``) ANDANTE UN POCO MAESTOSO – ALLEGRO MOLTO VIVACE. Este movimiento, escrito en Si bemol mayor y en forma sonata, comienza con una introducción lenta y majestuosa; el tema principal del Allegro es vibrante y optimista e inspirado, según Schumann, en un verso de un poema de Adolf Böttger sobre la llegada de la primavera. El desarrollo es animado, con tratamiento rítmico distintivo y juego de motivos; mientras la reexposición es clara con una coda enérgica .-. II (9`22``) LARGHETTO. Escrito en Mi bemol mayor y en forma ternaria (A–B–A’), es un movimiento lírico y melancólico, con una atmósfera íntima, conformado por frases largas, que contrastan con una sección central algo más agitada antes de regresar al tema inicial .-. III (16`07``) SCHERZO: MOLTO VIVACE. Movimiento en forma de Scherzo con doble trío (A–B–A–C–A) pleno de energía rítmica donde el primer trío es más lírico, mientras que el segundo tiene un carácter más danzante .-. IV (21`42``) ALLEGRO ANIMATO E GRAZIOSO. Escrito en Si bemol mayor en forma sonata, aunque libremente tratada, es un movimiento alegre, luminoso y festivo, que combina elegancia (grazioso) con impulso rítmico, reafirmando el carácter positivo de la sinfonía, que cierra con fuerza optimista.
Su realización hoy nos la ofrece la Philharmonie Südwestfalen conducida por el maestro holandés Gerard Oskamp.
Alexander Borodin (1833-1887) fue un doctor, químico y compositor ruso perteneciente al grupo de Los Cinco y defensor acérrimo de los derechos de la mujer, impulsor de la educación en Rusia y fundador de una escuela de Medicina para mujeres. Hijo ilegítimo del príncipe ruso Luká Stepánovitch Gedevanishvili, tuvo una juventud cómoda y con buena educación; estudió por cuenta propia piano, chelo y flauta y a los 15 años se inscribe en la Facultad de Medicina especializándose en Química, profesión que ejercería en vida. A los 30 años empieza a estudiar composición con Balakirev y como amateur escribe música de cámara y alguna obra religiosa, tres sinfonías, el poema En las Estepas del Asia Central y la ópera El príncipe Ígor a la que pertenecen las Danzas Polovtsianas que hoy las podemos visionar bajo la dirección de Donald Neuen.
Príncipe Igor (Князь Игорь / Knyaz' Igor') es una ópera de Alexander Borodin, inspirada en la campaña del príncipe Igor de Kyiv contra los polovtsy o cumanos de Khan Kontckak, según un poema épico del siglo XII, "El cuento de la campaña de Igor ". Ópera inconclusa cuando Borodin murió en 1887, fue completada por Nikolai Rimsky-Korsakov y Alexander Glazunov y estrenada el 4 de noviembre de 1890 en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo.
Las Danzas polovtsianas son una suite de danzas orientales incluidas en el Segundo Acto de la ópera. Representan una espectacular escena coreográfica ofrecida por el líder polovtsiano, Khan Konchak, para entretener al príncipe Ígor, quien ha sido capturado. Estas danzas son una de las partes más conocidas de toda la ópera y un brillante ejemplo del exotismo musical que caracteriza a ciertos compositores rusos del siglo XIX.
Hoy nos lo ofrecen los coros Angeles Chorale y UCLA Chorale con la UCLA Philharmonia conducid@s por el maestro Donald Neuen
Reena Esmail (1983) es una compositora indo‑estadounidense nacida en 1983 en Estados Unidos, hija de inmigrantes de la India, que une de manera creativa la música clásica occidental con la tradición musical indostaní del norte de la India. Estudió composición en The Juilliard School (BM, 2005) y luego en la Yale School of Music, donde obtuvo varios grados hasta su doctorado. En 2011‑2012 recibió una beca Fulbright‑Nehru para estudiar música indostaní en India; entre sus maestros indostanís están figuras como Srimati Lakshmi Shankar y Saili Oak.
La compositora trabaja deliberadamente entre tradiciones: busca unir y dialogar entre la música clásica occidental (orquestal, coral, cámara) y la música clásica del norte de la India (ragas, taals, elementos improvisatorios). Le interesa no sólo la mezcla estética, sino también la equidad cultural: construir espacios musicales en los que músic@s de distintas trayectorias, estilos y formaciones culturales, puedan colaborar y aprender un@s de otr@s. Algunas de sus composiciones usan lenguas como la inglesa, el sánscrito, regionales de India, etc., y combinan instrumentos occidentales y de tradición india (tabla, sitar…).
Nota del pie del vídeo: En la música indostánica, Malhaar se refiere a una familia de raags (esquema melódico) que atraen la lluvia. Según cuenta la leyenda, los grandes músicos podían provocar un diluvio incluso en los cielos más áridos con el poder de su canto. Ésta es la inspiración para Malhaar: Un Réquiem por el Agua. A medida que la sequía empeoraba en el sur de California, anhelaba una manera de procesar el pánico creciente. La obra entrelaza textos de la tradicional Misa de Réquiem en latín con la obra de Wendell Berry y William O'Daly, además de hindi intercalado. Traza una trayectoria de belleza y asombro ante el agua, el miedo y la devastación que rodean su pérdida, una respuesta a una súplica de expiación y, finalmente, la promesa de un nuevo ciclo de vida, a medida que el agua regresa a los cielos. Este es un Réquiem esperanzador. Si bien, la pérdida colectiva ha sido tan tremenda, aún podemos mantener la esperanza de que si cambiamos nuestra relación con la tierra, podamos atraer la lluvia de regreso.
Estructura. I (0`00``) HOLY WATER .-. II (5`43``) II REQUIEM AETERNAM .-. III (12`15``) SKEPTICAL BELL .-. (15`51``) INTERLUDE: SAKHI NEER BHARAN .-. IV (21`26``) LACRIMOSA .-. (27`31``) INTERLUDE: SAKHI NEER BHARAN II .-. V (30` 25``) AGNUS DEI .-. VI (36`34``) QUESTIONS FOR GOD .-. VII (39`14``) THE DREAM OF THE WATERFALL/IN PARADISUM.
Hoy nos lo ofrece la vocalista Saili Oak con los coros Angeles Chorale y UCLA Chorale acompañados por el ensemble de la UCLA Philharmonia conducid@s por el maestro Donald Neuen.
Sugerencias de música para todos los gustos
Betty Carter (1929 - 1998) fue una cantante estadounidense de jazz. Se trata probablemente de la vocalista más innovadora de la historia del jazz, vinculada casi permanentemente a la vanguardia jazzística y con una tendencia constante a la improvisación y a la transgresión de los límites armónicos y melódicos de las canciones. Incluso de joven, Carter llevó un nuevo estilo vocal al jazz. La respiración de su voz era una característica que rara vez se escuchaba antes de su aparición en la escena musical. También era conocida por su pasión por el canto de scat (tipo de improvisación vocal, generalmente con palabras y sílabas sin sentido). En 1997 fue galardonada con la Medalla Nacional de las Artes por el presidente Bill Clinton; este premio fue uno de miles, pero Carter consideró esta medalla como la más importante que recibió en su vida.
Ken Zazpi es un conjunto vasco de música pop-rock creado en 1996 en Gernika (Bizkaia). Cantan principalmente en euskera, aunque también han versionado en catalán algunas de sus canciones. En 1996 sacaron a la calle el tema Bi eta bat y ese mismo año grabaron una maqueta en Muxika (Bizkaia) con la ayuda del guitarrista José Alberto Bátiz (entonces en Fito & Fitipaldis). Su disco acústico, Gelditu denbora ("Detén el tiempo") les llevó a una gira de conciertos por la Comunidad Autónoma Vasca, Navarra y Cataluña.
Hoy proponemos el concierto ofrecido en el Palacio Euskalduna de Bilbao el 5 de Diciembre de 2013 acompañados por la Sinfónica de Euskadi bajo la batuta del maestro Fernando Velázquez.
Natasha Bedingfield (1981) Es una cantante inglesa que debutó en 1990, con sólo nueve años, como miembro de un grupo cristiano de dance/electrónica; a lo largo de esa década realizó distintas grabaciones para instituciones religiosas. En 2004 lanzó su primer álbum, Unwritten, álbum que hoy presentamos, con una venta de más de dos millones de ejemplares y que le valió un Premio Grammy. Durante estos años ha realizado distintas giras por Europa y USA y lanzado distintos sencillos, mientras sigue preparando su cuarto álbum.
Los Tucu Tucu fue un conjunto folclórico argentino considerado como uno de los más importantes grupos de la historia de la música folclórica de Argentina. Su primera formación estuvo integrada por Ricardo Benjamín, Santiago Jerez y Héctor Hugo , adoptando el nombre de Trío Los Ases. Poco después cambiaron el nombre por Las Voces del Surco y se incorporó al grupo Carlos Ángel "el Chango" Paliza. Sin embargo el director discográfico de RCA Víctor los persuade de volver a cambiar su nombre, sugeriéndoles Los Tucu Tucu para acentuar su identidad tucumana. El 9 de septiembre de 2007, mientras el grupo se trasladaba en automóvil, sufrieron un accidente al ser arrollados por un tren; en el choque murieron Ricardo Romero y Héctor Bulacio; la tragedia puso fin a la existencia del conjunto.
Sugerencias de videos peculiares
El Conjunto Académico Estatal de Danza Folclórica Igor Moiseyev, también conocido como el Ballet de Igor Moiseyev, es una compañía rusa de danza folclórica de renombre mundial fundada en 1937 por el coreógrafo Igor Moiseyev. La compañía es famosa por su brillantez técnica, su interpretación de danzas folclóricas de todo el mundo y por crear un estilo de danza que fusiona elementos folclóricos con técnicas de ballet clásico.
La Compañía fue creada en 1937 por Igor Moiseyev, exbailarín principal y coreógrafo del Ballet Bolshoi. Su estilo combina el vigor y la energía de la danza folclórica con la disciplina y la técnica del ballet clásico, mientras escenifica una amplia gama de danzas folclóricas de diversas culturas. El conjunto es considerado como una de las compañías de danza folclórica más importantes del mundo, habiendo viajado por más de 60 países.
Hoy el Conjunto Académico Estatal de Danza Folclórica Igor Moiseyev nos ofrece un potpurrí de danzas rusas conformado por fragmentos del Ballet en un acto "Noche en el Monte Pelado" y con fragmentos de algunas danzas folklóricas rusas.
“Tari Saman” es una danza tradicional de Indonesia, originaria del pueblo Gayo, en la región de Aceh. Se atribuye a Syekh Saman, un religioso islámico, quien la desarrolló como medio de difusión de valores religiosos y morales. Fue inscrita por la UNESCO en 2011 como patrimonio cultural inmaterial que necesita protección urgente. Tradicionalmente la danza la realizaban en un principio sólo hombres, aunque en la actualidad también participan mujeres. L@s participantes se sientan de rodillas sobre el suelo, con los talones apoyados si es posible; no hay desplazamientos grandes, sino movimientos del torso, brazos, cabeza, y varios tipos de palmadas. Se emplean palmadas en las manos, palmadas al pecho, palmadas en los muslos, movimientos coordinados del cuerpo. El ritmo puede variar: a veces lento, otras veces muy rápido. La danza es un medio de integración social: Reúne a la comunidad, fomenta la disciplina, el trabajo en equipo y la cohesión social y los versos que se recitan tienen contenido moral, espiritual, de alabanza y enseñanza religiosa.
Comentario del pie del vÍdeo. Mucha gente pregunta el nombre de la canción: "Cavalos do Câo" (Caballos del Perro), una magnífica composición de Ze Ramalho, de Paraíba, que nos llena de orgullo. La interpreta aquí el grupo musical Pisada do Sertão, que también cuenta con otras maravillosas obras de danza e investigación que vale la pena ver. Gracias a tod@s. Disfruten siempre de nuestra auténtica cultura brasileña sin moderación.
Moon Dogs fue creada en 2007 por Hervè Koubi, descrita como un “ensayo” en el que el coreógrafo mezcla “escritura contemporánea y gestual hip‑hop” para investigar un nuevo lenguaje coreográfico. La creación se produjo tras una “revisión” de otra obra (Les Heures Florissantes) al mismo tiempo que Koubi exploraba esta fusión de estilos (contemporáneo + hip‑hop) en su trabajo. La unión de la danza contemporánea con movimientos propios del hip‑hop es un rasgo distintivo: Koubi está explorando lo urbano, lo popular, y lo lleva al terreno del “escenario de danza contemporánea” lo que refleja su voluntad de romper barreras estilísticas; también sugiere una estética visual y coreográfica que tiene componentes cinematográficos y pictóricos.
Hervé Koubi. Con raíces en Argelia, el doctor farmacéutico Hervé Koubi decidió centrarse en una carrera como bailarín-coreógrafo y en sus estudios en Aix-Marsella. En 2000 creó su primer proyecto, Le Golem. Desde entonces, colabora con Guillaume Gabriel. En 2006, trabajó con Laetitia Sheriff; en 2007, revisó un espectáculo en movimiento, Les Heures Florissantes, a lo largo de la famosa Croisette en Cannes, creado en 1997. Durante el mismo año, fusionando movimientos contemporáneos y de hip hop por primera vez, creó Moon Dogs, que hoy tenemos el gusto de presentar. Desde 2010, Koubi ha reunido a un equipo de una docena de argelinos y burkineses, en un camino marcado por varias creaciones.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia e informaciones puntuales de la Inteligencia Artificial.
Los textos de Videomusicalis están realizados en euskera, castellano e inglés.
