el terrorismo genocida que viene ejerciendo el
Estado de Israel contra el Pueblo Palestino
Del 20 al 26 de Abril se celebra la Feria de Sevilla
El 22 de Abril se conmemora el Día de la Tierra
Sugerencias de iniciación a la música clásica
La noche del lunes, 20 de Abril, comienza la “Feria de Abril” (o Feria de Sevilla) con la “cena del pescaíto”.
La Feria de Abril o Feria de Sevilla es una fiesta de primavera que se celebra anualmente en la ciudad de Sevilla, donde el público se reúne en un gran recinto denominado Real de la Feria, con calles con casetas efímeras, engalanadas con farolillos, por las que circulan jinetes y coches de caballo y por las que pasan diariamente unos 500 000 visitantes. Se celebra una o dos semanas después de la Semana Santa y coincide con los toros en la plaza de la Maestranza. Tiene un gran impacto económico y social en la ciudad y está declarada Fiesta de Interés Turístico Internacional. Sus orígenes se encuentran el 25 de agosto de 1846 cuando dos concejales, Narciso Bonaplata (catalán) y José María de Ybarra (vasco), empresarios asentados e integrados profundamente en la ciudad, redactaron una propuesta que llevaron al Ayuntamiento pidiendo la celebración de una feria agrícola y ganadera.
Los del Río es un grupo musical español integrado por Antonio Romero Monge (1948) y Rafael Ruiz Perdigones (1947) vecinos de la localidad sevillana de Dos Hermanas. Se unieron en 1962, cuando tenían catorce años para participar en el programa "Ronda del Domingo" (Radio Sevilla, Cadena SER) y es en 1965 cuando aparecen por primera vez en la televisión nacional y debutan en Madrid en los tablaos flamencos más populares de la época. Su mayor éxito llegaría en 1993 cuando componen Macarena; la canción se convirtió en todo un fenómeno social que acabaría traspasando fronteras y generaciones batiendo todos los records imaginables.
Hoy Los del Río nos ofrecen la canción Sevilla tiene un color especial compuesta por el cantante y compositor andaluz Romero San Juan (San Juan de Aznalfarache 1948-2005).
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, Austria, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer; aprovechando estas facultades, su padre, Leopold también compositor, le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad, donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles.
En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito. Según Nicholas Till y algunos otros historiadores y críticos musicales, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión. Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años».
Compositor eminentemente prolífico (más de 600 obras escritas desde los cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales; obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Tampoco nos podemos olvidar de su Concierto para clarinete, o de su Requiem que forman parte habitual del repertorio de las mejores orquestas. Desde 1769 a 1781 trabaja para el Arzobispo de Salzburgo; tras el éxito de su ópera Idomeneo de Creta, se le abren las puertas de Viena donde se instala y alcanza una gran fama que le acompañará hasta su muerte a los 35 años.
El catálogo de las obras de Mozart o Catálogo Köchel (Köchel Verzeichnis, en alemán) fue creado por Ludwig von Köchel en 1862 y enumera las obras musicales compuestas por Wolfgang Amadeus Mozart. Cada una de las obras de Mozart está designada por un número precedido de la abreviatura K. o KV.
El Concierto para piano n.º 21 en do mayor, K. 467, de Wolfgang Amadeus Mozart fue completado el 9 de marzo de 1785 y estrenado un día después en el Teatro de la Corte Imperial y Real de Viena, en un concierto promocionado por el mismo Mozart. Es éste uno de los conciertos para piano más populares del compositor; concierto que está estructurado en tres movimientos, de los cuales hoy ofrecemos el segundo, ANDANTE EN FA MAYOR, que se inicia con una figuración de tresillos en el bajo soportando una melodía lánguida. Luego de una exposición reposada de la orquesta, el/la solista retoma la melodía con el conjunto; hay breves momentos de "tristeza", pero en general el tono del movimiento es brillante y calmo.
La versión de hoy nos la ofrece la pianista coreana Yeol Eum Son.
Franz Schubert (1797-1828) fue un compositor austríaco que a los 11 años fue admitido como miembro del coro de la Capilla Imperial de Viena en la que tuvo como profesor a Salieri. En esa época lo que reportaba dinero era el teatro, la ópera, género en el que nunca logró sobresalir; así que se volcó en los lieder (canciones), entre los que hay que destacar su Ave María y el conjunto de lieder La Bella Molinera. A pesar de morir a los 31 años, dejó escritas más de 1.500 obras entre numerosas piezas de piano y de música de cámara, 8 sinfonías, obras concertantes, música incidental, música sacra (entre otras, 7 Misas, 1 Oratorio y 1 Réquiem), varios singspiel (pequeñas operetas), algo de ópera y más de 600 pequeñas obras vocales, fundamentalmente los lieder citados.
Catálogo de las obras de Schubert. Sus obras se catalogan principalmente mediante la letra D, que proviene del catálogo Deutsch, elaborado por el musicólogo austríaco Otto Erich Deutsch. Cada obra recibe un número añadido a la letra D que indica su posición cronológica aproximada en la producción del compositor. Sin embargo, a veces se usan los números de opus (Op.).
“Die Forelle” (La trucha) de Franz Schubert es una de las canciones (lieder) más célebres y representativas del Romanticismo temprano alemán y una obra maestra de cómo Schubert traduce un texto poético en una experiencia sonora vívida y descriptiva. La obra, escrita para voz y piano, está construìda en forma modificada de estrofa; es decir, la melodía se mantiene reconocible, pero Schubert altera la armonía, el acompañamiento y la dinámica para ilustrar la historia. Esta obra inspiró a Schubert más tarde su Quinteto “La trucha” (Piano Quintet en La mayor, D. 667), donde el cuarto movimiento es una serie de variaciones sobre esta melodía; además, esta obra es uno de los mejores ejemplos de lied narrativo en el que utiliza varios recursos de pintura musical: El movimiento del agua → arpegios rápidos en el piano .-. El pez saltando → saltos melódicos en la voz .-. El enturbiamiento del agua → cambio a modo menor y acordes disonantes .-. La captura de la trucha → detención súbita del movimiento pianístico... etc.
Hoy nos lo ofrece la soprano estadounidense Jessamyn Anderson Frain.
Silvestre Revueltas Sánchez (18991-1940) fue un compositor mexicano modernista de música sinfónica de la primera mitad del siglo XX, violinista y director de orquesta. Nombrado por Carlos Chávez director asistente de la Orquesta Sinfónica de México, le costó dedicarse a la composición debido a su falta de autoestima y a que por causa de sus ideas izquierdistas fue largamente arrinconado por la sociedad mexicana. Viajó a España en plena Guerra civil como apoyo personal al republicanismo y a su regreso escribe Sensemayá. En la actualidad está considerado como uno de los compositores más influyentes de México, por el alcance y originalidad de su música de cámara y de ciertas obras que se han convertido en una parte muy importante del repertorio orquestal.
Sensemayá (canto para matar a una culebra) es un poema sinfónico basado en el poema homónimo del poeta cubano Nicolás Guillén. Con Sensemayá, Revueltas consiguió alcanzar uno de los puntos más altos en su producción musical, en una partitura rítmicamente compleja y llena de texturas ásperas y directas. Todo comienza con un ambiente ondulante, misterioso, como adentrándose al mismo ritual para darle muerte a la serpiente. La tuba se alza vigorosa con la melodía central en una rítmica de 7/8. Más adelante las trompetas con sordina y algunos vientos de madera retoman el discurso de la tuba y la van transportando a diversos rangos de expresión dinámica y rítmica.
Hoy lo podemos disfrutar en versión de Gustavo Dudamel (1981), director de orquesta venezolano. Este joven surgió del Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, donde ingresó a los cuatro años realizando sus estudios de violín, composición y dirección de orquesta. En la actualidad es el titular de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles y de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar y está considerado como uno de los mejores directores del mundo.
Sugerencias de música clásica
Johann David Heinichen (1683 - 1729) fue un compositor alemán del Barroco y teórico de la música, que realizó estudios en Venecia y fue contratado en la corte de Augusto II de Polonia en Dresde. Nació en la pequeña ciudad de Krössuln, cerca de Weissenfels; de joven recibió clases de órgano y clave del compositor Johann Kuhnau y en 1710 se trasladó a Venecia, donde escribió dos óperas para el Teatro de San Angelo, Mario y Le passioni per troppo amore; ambas se estrenaron en 1713 con éxito. En esta ciudad entró además en contacto con muchos músicos y compositores, como Antonio Vivaldi, Antonio Lotti y Francesco Gasparini. Permaneció en Italia hasta 1716, cuando se le ofreció el puesto de maestro de capilla en la corte de Dresde que tenía una de las capillas musicales mejores de Europa. Durante este período compuso mucha música, pero su salud empeoró como consecuencia de la tuberculosis y murió de forma prematura, a los 46 años.
Arimaz Kamera Orkestra. Esta Agrupación musical se creó hace más de una década a la sombra de la Musika Eskola de Tolosa, con el fin de completar la formación de l@s estudiantes de instrumentos de cuerda. Compuesta por alumn@s y ex –alumn@s de la Escuela, cuenta con la participación activa de l@s Profesoras/es del Centro y ha ofrecido numerosos conciertos en diversos festivales como el Festival Barroco Aire, Ciclo de Musica Sacra de San Sebastián, Semana musical de Lasarte, Ciclo de Música Sacra de Hondarribi, Ciclo Internacional de Órgano Romántico de Azkoitia… abordando programas de los más variados. La temporada pasada además de participar por tercera vez en el Festival Barroco Aire de Ordizia, representó en el teatro Leidor de Tolosa la ópera de Mozart “Basiten und Bastiene”. (Artículo extractado de la Página de Legazpiko Udala)
Hoy esta agrupación nos ofrece el Concierto para oboe en Sol menor de Heinichen con Itziar Lujanbio como oboe solista y el maestro Kepa Martinez de Albeniz a la batuta; concierto articulado en tres movimientos: I (0´03´´) ALLEGRO .-. II (5´15´´) PIZZICATO .-. III (7´25´´) VIVACE.
Mauro Giuliani (1781-1829 fue un compositor y guitarrista italiano hijo de Michele Giuliano y Antonia Tota; tuvo un hermano, Nicola, compositor de ópera y profesor de canto en San Petersburgo. Mauro empezó estudiando contrapunto y violonchelo, aunque la guitarra de seis cuerdas se convirtió en su principal instrumento a temprana edad. Comienza a componer siendo muy joven, destacando la Misa que escribe con solo 16 años. En 1806 Giuliani se instala en Viena y pronto se hace famoso como guitarrista y compositor. En abril de 1808 estrena con gran éxito su Concierto para guitarra y orquesta op. 30. A partir de este momento se convierte en un referente de la guitarra clásica en Viena, enseñando, dando conciertos y componiendo más de 200 obras para guitarra. Muere en 1829 con 47 años.
Catálogo de las obras de Giuliani. Sus obras vienen clasificadas por su número de Opus (del latín opus 'obra'; op. abreviatura) que es un término que se utiliza en música para catalogar las obras de la mayoría de compositores desde el siglo XVII.
Tatyana Ryzhkova nació en 1986 en Bielorrusia, y es una de la guitarristas de música clásica más prometedoras en la actualidad mundial. En YouTube ya se ha hecho un espacio en la cabecera de guitarristas clásicos. A sus espaldas hay más de 500 conciertos alrededor del globo y su número de fans aumenta constantemente, recompensándolos con una intensa puesta en escena, mezcla de pasión, virtuosismo y peculiar entretenimiento. Junto al repertorio clásico, Tatyana se ha desarrollado como canta-autora: su propia melodía, letra y voz convergen maravillosamente en un regalo para los sentidos.
Hoy nos ofrece la Sonata C-Dur, op.15, de Mauro Giuliani.
Joaquín Turina (1882-1949) fue un pianista, compositor y director de orquesta nacido en Sevilla y autor de las obras más relevantes del Impresionismo español junto a Falla y Albéniz. Desde niño, considerado “prodigio”, improvisaba virtuosamente al acordeón; aunque comenzó sus estudios de piano a la par que el bachillerato. En 1903 mueren sus padres y se traslada a París donde estudia composición con Vincent D’Indy ganándose el sustento con sus actuaciones pianísticas. En 1913 al estallar la Primera Guerra Mundial vuelve a Madrid donde fija definitivamente su residencia. Fue nombrado académico de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; también Hijo predilecto de Sevilla, además de recibir otros importantes galardones como la Gran Cruz de Alfonso X el Sabio.
La Sinfonía sevillana es una sinfonía de Joaquín Turina, compuesta del 5 de abril al 3 de julio de 1920 y estrenada el 30 de marzo de 1921 en el Teatro Real de Madrid a cargo de la Orquesta Sinfónica de Madrid dirigida por Fernández Arbós. Es una de sus obras orquestales más representativas y una de las partituras que mejor sintetizan su estilo: colorido, evocación andaluza y una escritura sinfónica muy cuidada; es considerada la primera pieza importante de este género producida en España en el siglo XX y aunque se llama sinfonía, su estructura y carácter se acercan más al poema sinfónico, ya que cada movimiento describe un aspecto de Sevilla. Ganó el primer premio del concurso de Composición del Gran Casino de San Sebastián.
Estructura. La obra está articulada en tres movimientos: I (0´24´´) PANORAMA. Evoca una vista general de Sevilla con una música luminosa, amplia y con un tema principal muy cantable, que mezcla líneas amplias con colores impresionistas .-. II (8´27´´) POR EL RÍO GUADALQUIVIR. Movimiento más lírico y poético, que sugiere el fluir del río, con un ritmo ondulante y una atmósfera nocturna; posiblemente el movimiento más evocador y “pintoresco” .-. III (16´02´´) FIESTA EN SAN JUAN DE AZNALFARACHE. Movimiento vivo y rítmico, inspirado en una fiesta popular de un pueblo cercano, en el que utiliza marcadamente elementos folclóricos, como ritmos de baile y giros melódicos andaluces, cerrando la obra con un carácter brillante y festivo.
Hoy la ofrecemos en versión de la Orquesta de RTVE conducida por el maestro valenciano Enrique García Asensio.
Gustav Mahler (1860-1911) fue un compositor y director de orquesta austríaco nacido en Kaliště, actualmente Chequia, considerado como uno de los compositores mas eminentes del posromanticismo. Su trabajo creativo lo centró en la sinfonía, en el lied (canción lírica) y en la conjunción de ambos conceptos; a ello hay que añadir la diversidad de elementos con los que trabajaba (melodías populares, militares, fanfarrias de diversos tipos…) las disonancias manifiestas a las que el público no estaba acostumbrado y la larga duración de sus sinfonías; si a esto añadimos que tuvo enfrente a determinada prensa antisemita debido a sus orígenes judíos, no es de extrañar que sus composiciones no tuvieran el éxito merecido en vida.
Das Lied von der Erde (La Canción de la Tierra) es una de las obras más personales, profundas y singulares de Gustav Mahler, compuesta entre 1908 y 1909. A menudo se la considera una “sinfonía en todo menos el nombre”, y algunos la llaman incluso su “sinfonía número 9 oculta”, debido al temor supersticioso de Mahler hacia la “maldición de la novena”, una idea que surgía del hecho de que Beethoven, Bruckner y otros grandes compositores murieron tras escribir su novena sinfonía. La pieza combina la estructura sinfónica con el lied, creando una forma híbrida única: una sinfonía para dos voces solistas y orquesta, que nos habla de la fragilidad de la vida, de la naturaleza como refugio y espejo del alma, del anhelo de eternidad y de la aceptación de la muerte. Y es que Mahler estaba pasando por un periodo extremadamente difícil cuando la compuso: la muerte de su hija María y su salida de la Ópera de Viena
Estructura. La obra está articulada en seis movimientos: I (0´00´´) DAS TRINKLIED VON JAMMER DER ERDE (El brindis por el dolor de la tierra). Un canto a la fugacidad de la vida .-. II (8´12´´) DER EINSAME IM HERBST (El solitario en otoño). Uno de los movimientos más contemplativos y nostálgicos de Mahler .-. III (17´39´´) VON DER JUGEND (Sobre la Juventud). Ligero y colorido, con matices orientales .-. IV (20´52´´) VON DER SCHÖNHEIT (Sobre la Belleza). Comienza con serenidad pastoral y culmina en un estallido de energía .-. V (27´36´´) DER TRUNKENE IM FRÜHLING (El borracho en Primavera). Humor y evasión ante la realidad que duele .-. VI (31´59´´) DER ABSCHIED (La despedida). El movimiento más largo y trascendental; una meditación sobre la muerte y la eternidad. Finaliza con el famoso y repetido “Ewig… ewig…” (“Eternamente…”), uno de los momentos más conmovedores de toda la música de Mahler.
Hoy la ofrecemos en versión del tenor Clay Hilley y del barítono Samuel Hasselhorn con la Sinfónica de Radio Frankfurt conducidos por el maestro francés Alain Altinoglu.
Sugerencias de música para todos los gustos
Michael Jackson (1958- 2009) fue un cantante, compositor, productor y bailarín estadounidense, apodado el «Rey del Pop», sus contribuciones y reconocimiento en la historia de la música y el baile durante más de cuatro décadas, así como su publicitada vida personal, lo convirtieron en una figura internacional en la cultura popular. Su música incluye una amplia acepción de géneros como el pop, rhythm and blues (soul y funk), rock, disco y dance, y es reconocido como el «artista musical más exitoso de todos los tiempos» por los Guinness World Records. Comenzó su carrera artística, junto con algunos de sus hermanos, en la agrupación musical The Jackson 5 con diez álbumes publicados e iniciando su carrera en 1971 como solista, aunque siguió perteneciendo al grupo.
Earth Song (La Canción de la Tierra) es una canción de Michael Jackson para su noveno álbum de estudio, HIStory: Past, Present and Future, Book I lanzado el 7 de noviembre de 1995. "Earth Song" es una balada que incorpora elementos de blues, gospel y ópera y que fue la primera canción en la que Jackson habló abiertamente sobre el medio ambiente y el bienestar animal. Fue acompañado por un lujoso vídeo musical filmado en cuatro regiones geográficas, centrado en la destrucción y el renacimiento de la Tierra, y que recibió una nominación al Grammy en 1997 y alcanzó el número uno en la Navidad de 1995 del Reino Unido. También encabezó las listas en Alemania, Islandia, Escocia, España, Suecia y Suiza, mientras que alcanzó el puesto número dos en Francia, Irlanda y Países Bajos.
Astrud Gilberto (1940-2023) fue una cantante brasileña muy reconocida, especialmente famosa por su papel en la difusión internacional de la bossa nova, un género que fusiona samba y jazz con un estilo suave y melódico. De padre alemán y madre brasileña, su nombre de soltera era Astrud Weinert, apellido que cambió a los 19 años cuando se casó con João Gilberto, quien le acercó al mundo de la música. La canción de Tom Jobim The Girl from Ipanema le elevó a la cumbre de las cantantes brasileñas de la época, dándose a conocer en todo el mundo en lo que sería una exitosa carrera musical. Su voz, delicada, íntima y sin artificios, se convirtió en sinónimo del sonido sofisticado, melancólico y elegante de la bossa nova; lo que dio a sus interpretaciones una sensación de naturalidad y encanto. Grabó numerosos discos en inglés, portugués, español, francés e italiano y fue una de las grandes embajadoras de la música brasileña en el mundo, especialmente en Estados Unidos.
Sadhana Sargam (cuyo nombre verdadero es Sadhana Purushottam Ghanekar, naciò el 7 de marzo de 1974 en Dabhol, Maharashtra) es una cantante de playback india, una de las artistas más reconocidas en la industria del cine. Su carrera abarca tres décadas, con un mayor reconocimiento de la crítica. Aparte de dedicarse a la música cinematográfica, es bastante conocida por sus temas musicales devocionales, música clásica, ghazals, canciones regionales de cine y álbumes de género pop. Sadhana Sargam tiene un récord por interpretar temas musicales cantados en 33 idiomas. Ella ha cantado en casi en todas las lenguas indígenas, como el hindi, marathi, konkani, urdu, el sánscrito, tamil, telugu, Sinhali, kannada, Malyalam, Tulu, bengalí, Assamassi, Dogri, Oriya, nepalí, ahirani, Maithili, Avadh, Kumaowni, Rajastán, Dharwadi, Marwadi, Bhojpuri, Gujarathi, Punjabi, Sindhi, Manipur, Kashmiri, Aagri, Santhali, Bodo y Garhwali. Sadhana ha sido ganadora del Premio Nacional de Cinematografía y premios del Sur Filmfare Premios. Obtuvo una gran felicitación con el más alto honor del "Premio Lata Mangeshkar", otorgado por el Gobierno de Madhya- Pradesh. También ha ganado otros 4 premios "Maharashtra Times", conocidos como 'MA TA Sanman', equivalentes a los premios "Filmfare" por "Times of India". Sadhana Sargam es popularmente conocida como "La Reina melodiosa", por la industria del cine indio.
Hoy ofrecemos este álbum con las “50 Mejores Sevillanas”, que en realidad son 47. 1. Los Amigos - A bailar a bailar 2. Los Griffis - Candela, candela 3. Isabel de Mérida - Cántame 4. Los Amigos - Tócala, tócala 5. Los Amigos - Poderío 6. Manolo Esocbar - La minifalda 7. Los Amigos - El abuelo 8. Amantes de Andalucía - Amigo invidente 9. Los Griffis - Yo quiero vivir 10. Manolo Escobar - Sevillanas del pío pío 11. Amantes de Andalucía - Andalucía Rociera 12. Alma flamenca - Andalucía viva 13. Amigos de Ginés - Se me enamora el alma 14. Los del Río - Sevillanas de las cruces 15. Requiebros - La niña que está bailando 16. Chiquetete - Yo la vi, yo la vi 17. Chiquetete - Te acordarás de mis besos 18. Juanito Valderrama y Dolores Abril - Chiquitillo y embustero 19. Los rumberos sevillanos - Sevillanas del adiós 20. Manolo Escobar - No hables mal de las mujeres 21. Amigos de Ginés - 25 primaveras 22. Andaraje - Mulatita 23. Chiquetete - Contigo me equivoqué 24. Luces de bohemia - Cantaremos 25. Luces de bohemia - Déjala 26. Amigos de Ginés - Estrella valiente 27. Requiebros - La pasión se llama Triana 28. Embrujo de Sevilla - Virgen de la cigarrera 29. Conchita Bautista - Sevilla es una rosa 30. Los manzaneros de Gelves - Al nacimiento de DIos 31. Requiebros - Mujer 32. Embrujo de Sevilla - Sevilla es la reina 33. Albahaca - Dale al tambor 31. Albahaca - Pasa la vida 32. Requiebros - La alegría del real 33. Los Griffis - A la puerta de Toledo 34. Embrujo de Sevilla - Amor de papel 35. Andaraje - Mi pequeño Manolillo 36. Amigos de Ginés - Génesis del Rocío 37. Chiquetete - Recuerdo la primera vez 38. Requiebros - Cuando quiera la señora 39. Los del Ríos - La playa y el rocío 40. Albahaca - Olivares rociera 41. Los Amigos - Amanecer del camino 42. Hermanos Toronjo - Viva la blanca paloma 43. Los del Río - Mi casa en el rocío 44. Carmen Sevilla - Sevillanas en la feria 45. Niña de la Puebla - Sevillanas bíblicas 46. Perlita de Huelva - Suenan las campanas 47. Amigos de Ginés - Gracias rocío
Sugerencias de videos peculiares
Igor Stravinsky (1882-1971) fue un pianista, director de orquesta y compositor ruso; para muchos críticos, el más importante del siglo XX. En su larga vida se adentró en distintos estilos y géneros musicales desde el posromanticismo al serialismo o el jazz . Estudió, entre otros, con Rimski Korsakov y trabajó para distintos géneros y formaciones musicales; pero tras conocer a Serguei Diaghilev, fundador de los Ballets Rusos, colaboró estrechamente con él. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos y géneros desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz, alcanzando gran fama no sólo como compositor, sino también como pianista y director. La revista Time le consideró como una de las personalidades más influyentes del siglo XX.
Firebird (L'Oiseau de feu, El pájaro de fuego) es un ballet en un acto y dos escenas con coreografía y libreto de Michel Fokine, escenografía de Aleksandr Golovín, figurines de Golovín y Léon Bakst y música de Ígor Stravinski. Fue estrenado por los Ballets Rusos de Diáguilev en la Ópera de París el 25 de junio de 1910, durante su segunda temporada en la capital francesa.
Sinopsis del Ballet. El reino encantado de Koschei, Crepúsculo. Un poderoso jinete, la Noche, aparece a lo lejos... Amanece y en los árboles brillan luces misteriosas: son manzanas mágicas. Aparece el Pájaro de fuego. Mientras baila, como una llama, esbelta y hermosa, no se da cuenta del Príncipe Iván, quien salta la cerca para atraparle. Èl intenta escapar, volar y le ruega que le devuelva la libertad. Iván cede a sus súplicas a cambio de una pluma. El Pájaro de fuego se va e Iván ve a unas chicas que bajan de la fortaleza. Son princesas tomadas como rehenes por Koschei el Inmortal. Ivan quiere unirse a las chicas, pero tienen miedo. Sin embargo, su buena apariencia y su audacia los conquistan, y la Primera Princesa le cuenta con confianza la triste historia de su secuestro. Ivan anhela liberar a las niñas. Amanece y un Jinete blanco pasa por el jardín encantado. Las chicas se despiertan y se van, porque están sometidas a la brujería de Koschei. Cuando Iván intenta seguirlas, los sirvientes, guardias y monstruos de Koschei aparecen por todos lados. Por fin aparece Koschei. Antes de que Iván pueda escapar, los guardias lo apresan. Las chicas ruegan en vano. La ira de Koschei hacia aquellos que se atreven a entrar en su reino es terrible y el príncipe Iván debe morir (como muchos héroes valientes antes que él, se convertiría en piedra). De repente Iván recuerda la pluma que le regaló el Pájaro de fuego y la convoca. Todos los sirvientes de Koschei (y las muchachas) se dejan llevar por su baile, e incluso el propio Koschei comienza a bailar, sin poder parar. El baile se hace cada vez más rápido hasta que Koschei y todos sus sirvientes caen exhaustos. Antes de que despierten, Ivan toma posesión del enorme huevo que contiene el alma de Koschei (para horror de Koschei). Rompe el huevo; Koschei y su ejército mueren tan pronto como el huevo se rompe, liberando a las niñas y a todos los que antes se convirtieron en piedra, y todo termina en un regocijo general. (Extractado del pie del vídeo).
Hoy ofrecemos el Ballet con el siguiente reparto: Firebird- Nina Ananiashvili .-. Prince Ivan- Andris Liepa .-. Princess- Ekaterina Liepa .-. Koschei- Sergey Petukhov .-. Cuerpo de baile y Orquesta del Teatro Bolshoi .-. Conductor Andréy Chistiakov
Kresala Danza Taldea creado en 1968 por el bailarín y coreógrafo Gene Yurre y dirigido desde 1993 por Faustino Aranzabal, es un conjunto pionero en el País Vasco en la búsqueda de nuevos caminos de la danza vasca. Hoy Kresala nos presenta la proyección del futuro “Haize Hegoa” (Viento Sur), que dará una nueva mirada a las obras de nueva creación y a las piezas emblemáticas en una propuesta escénica contemporánea singular. Es la noche de un programa de baile formado por dos partes: la noche y el día, el norte y el sur, los negros y los blancos, o los dos lados de la luna. 1· En la primera parte, se presentará el drama coreográfico astral “Zeruko”, una obra nórdica que abarca los vientos y el mar del Océano Atlántico. 2· Por el contrario, en la segunda parte, se llevará a cabo el significativo “Balanceo”, de carácter mediterráneo con viento sur de Europa meridional, que culminará en una noche caliente y sugerente que será irrepetible.
En definitiva, “Haize Hegoa” combina una visión renovada de la danza: dramaturgias y poéticas visuales, trenzando formas de danza pre-clásicas que dan un nuevo sentido a la disciplina escénica. Esta fascinante tarea ha cumplido los últimos 50 años en una actividad fronteriza y eterna, con la regeneración de un patrimonio coréutico construido críticamente. (Extractado del pie del vídeo presente)
Se conoce como Adelitas o soldaderas a las mujeres que participaron en la Revolución mexicana, en los contingentes militares de grupos revolucionarios como soldados, cocineras, enfermeras o ayudantes. Adela Velarde Pérez fue la mujer cuyo nombre representaría a todas las enfermeras que prestaron sus servicios no sólo para cuidar de los enfermos y heridos durante la Revolución Mexicana, sino para cargar armas, encargarse de los alimentos e incluso participar en batallas si así se requería. Distintas fuentes historiográficas y periodísticas coinciden en señalar a Adela Velarde Pérez, enfermera oriunda de Ciudad Juárez, como la persona que inspiró el corrido popular «Adelita». En 1914, Adelita atendió al soldado herido Antonio del Río Armenta, quien le compuso la famosa canción-marcha. Adelita atendía a los heridos villistas de la División del Norte, como parte de la Brigada de la Cruz que formó la señora Leonor Villegas de Manón. Al concluir la lucha armada, Adela Velarde Pérez, perfectamente identificada, recibió años después un homenaje como veterana de guerra. Cada 20 de noviembre, muchas niñas se disfrazan de adelitas como parte de las actividades para la celebración del día de la Revolución mexicana.
Las sevillanas, antiguamente llamadas seguidillas sevillanas, son una música y danza típicas de Andalucía, sobre todo de Sevilla Huelva y Cádiz, bailadas en parejas y de carácter festivo. La música tiene su origen en la seguidilla manchega, de la cual hereda la estructura pero que, debido al contacto con otras músicas de Andalucía, su sonido se ha ido “aflamencando”. En cuanto a la danza, que se agregaría después, toma sus movimientos de la escuela bolera. No son un palo del flamenco propiamente dicho, porque su baile está coreografiado y su lírica se ha simplificado para acompañar al baile, aunque sí que aglutina diversos elementos estéticos del flamenco. Las sevillanas siempre se interpretan en series de cuatro y se componen de una seguidilla simple de cuatro versos y de un estribillo de tres.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia e informaciones puntuales de la Inteligencia Artificial.
Los textos de Videomusicalis están realizados en euskera, castellano e inglés.
