el terrorismo genocida que viene ejerciendo el
Estado de Israel contra el Pueblo Palestino
El día 5 de Abril se celebra el Domingo de Resurrección y el Aberri Eguna
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Leonard Cohen (1934-2016) fue un poeta, novelista y cantautor canadiense que en sus canciones tocó temas muy diversos, pero centrados una y otra vez en el amor y en la religión. En 1967 Cohen se trasladó a USA para comenzar una carrera como cantautor folk. Su canción «Suzanne» fue un notable éxito de la mano de Judy Collins, y durante muchos años fue su canción más versionada; tras lo que realizó innumerables grabaciones y giras exitosas por todo el mundo. Su voz profunda y grave se ajusta perfectamente a su pesimismo existencial. Fue introducido en el Salón de la Fama del Rock and Roll de USA y en el Salón de la Fama Musical de Canadá; y en 2011 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Letras.
El Hallelujah (1984) de Leonard Cohen, es una canción que costo varios años en ser escrita, pues se dice que Cohen llegó a componer más de 80 versos antes de decidir cuáles incluir; canción que puede ser considerada como una de las canciones más emblemáticas y reinterpretadas de la historia moderna de la música gracias a su tono melancólico, espiritual y poético, que combina referencias bíblicas (David, Sansón, Dalila) con reflexiones sobre el amor, la pérdida y la redención. Cohen explora la idea de que incluso en el sufrimiento, el deseo y el error, hay algo sagrado —una especie de “aleluya roto”.
Hoy nos la ofrece el Orfeón Donostiarra desde la Plaza de la Constitución de Donostia/San Sebastiàn
Jean-Baptiste Lully (1632-1687) fue un compositor francés de origen italiano (nació en Florencia) y naturalizado francés a los 21 años (su verdadero nombre era Giovanni Battista Lulli). Pronto destacó como violinista y bailarín y a los veinte años entró a formar parte del servicio de Luis XIV como director musical de la familia real; a partir de entonces, su importancia en el desarrollo del ballet clásico ha sido primordial. En 1672 consiguió el puesto de director de la Academie Royale de Musique renovando la esencia de la ópera con una mayor solemnidad en su puesta escénica, una decidida incidencia en la claridad del texto y una cuidada elaboración en los ballets y coros de la misma. En 1685 estalló un escándalo; se llegó a saber que Lully mantuvo una relación con un joven paje de la Capilla llamado Brunet; el compositor perdió entonces su crédito ante el rey. Su producción musical se basa fundamentalmente en tres pilares: la ópera, los ballets y la música religiosa.
Le Bourgeois Gentilhomme (en español, El burgués gentilhombre) es una comédie-ballet - una mezcla de teatro, música y danza- creada en colaboración por Jean-Baptiste Lully (música) y Molière (texto). Es una de las obras más célebres del siglo XVII francés y un ejemplo perfecto del gusto cortesano bajo el reinado de Luis XIV. Su argumento se centra en Monsieur Jourdain, un rico burgués que aspira a comportarse como un noble; su deseo de ascender socialmente lo lleva al ridículo: toma clases de baile, esgrima, filosofía y música para adquirir modales aristocráticos, pero solo logra ser objeto de burlas. Para este argumento Jean-Baptiste Lully compuso una música vibrante, elegante y humorística que refleja el tono de la comedia combinando sátira social, teatro, música y danza de manera innovadora; la obra fue estrenada por la compañía de Molière el 14 de octubre de 1670 en la corte de Luis XIV en el castillo de Chambord.
Hoy ofrecemos la Marcha para la ceremonia de los turcos interpretada por la Sinfónica de la Radio Frankfurt bajo la batuta de la maestra clavecinista y directora de orquesta especialista en música barroca, Emmanuelle Haïm, que ha tenido actuaciones relevantes al frente de la Filarmónica de Berlín, de la Ópera de Chicago o de los Proms de la BBC, entre otras formaciones.
Franz Joseph Haydn (1732-1809), compositor austríaco, cuyo hermano Michael Haydn también fue un notable compositor, fue uno de los pilares principales sobre los que se asentó el clasicismo (1750-1810). Con seis años de edad comenzó sus estudios de clavecín y violín. Con ocho años fue admitido como coralista de la Catedral de San Esteban de Viena donde recibió clases de canto, piano y violín. Tras mudarle la voz, tuvo que sobrevivir desempeñando múltiples trabajos, mientras estudiaba composición analizando las obras de Carl Philipp Emanuel Bach. Asentó las bases principales de la forma sonata, de la estructura formal del cuarteto de cuerdas y de la sinfonía; mantuvo una estrecha amistad con Mozart y fue profesor de Beethoven. Murió a los 77 años en Viena.
El catálogo de las obras de Haydn. Las obras de Joseph Haydn están clasificadas hoy día según el sistema creado por Anthony van Hoboken. Cada obra se identifica con una cifra romana que corresponde a la categoría, que en la mayoría de los casos se asocia con un género. Algunas categorías tienen subdivisiones, cosa que se indica con una letra minúscula y a continuación aparece un número arábigo que se corresponde con el orden de la obra concreta dentro de la categoría. Estas cifras van precedidas de la palabra Hoboken (en memoria del autor del catálogo) y a veces de Hob (su abreviatura).
Concerto no. 1 for Flute, Oboe and Orchestra in C Major- I Mov. El Movimiento del concierto, que hoy presentamos, es en realidad una transposición del Concierto para 2 lire organizzate en Do mayor, cuando la «lira organizzata» era un instrumento de teclado con un mecanismo parecido a la zanfona que gozaba de cierta moda cortesana, especialmente en la corte de Ferdinand IV de Borbón, rey de Nápoles. Como es habitual en la práctica moderna, el concierto se interpreta a menudo no con dos liras, sino con flauta y oboe como solistas, acompañados por una orquesta de cuerdas y dos trompas.
Hoy ofrecemos el Primer Movimiento (“Allegro con spirito”) pleno de energía y brillantez, con las solistas dialogando entre sí y con la orquesta, en versión de las hermanas Maria Steinaa, flauta y Eva Steinaa, oboe.
El Aberri Eguna («Día de la Patria» en euskera, en referencia a la patria vasca) es una celebración festiva del nacionalismo vasco de derechas y de izquierdas que se convoca anualmente el día del Domingo de Resurrección. Dicha celebración, creada por el Partido Nacionalista Vasco en 1932, se celebra en todo el País Vasco (comunidades autónomas de Euskadi, Navarra y País Vasco en Francia), además de por la diáspora vasca repartida en el mundo. La primera celebración se realizó en Bilbao en 1932; fue prohibida tras la guerra civil española de 1936 y comenzó a celebrarse de nuevo en 1964.
Gernikako arbola, la canción más conocida de Iparragirre, es un zortziko en homenaje al Árbol de Gernika y a los fueros vascos que representa. La canción fue estrenada en 1853 por José Mª Iparragirre en el Café de San Luis de Madrid, acompañado al piano por el maestro durangarra Juan María Blas de Altuna, organista de Lekeitio. El zortziko se repitió una y otra vez entre los más espontáneos bravos y aplausos y a última hora el Gernikako arbola era cantado en coro por cincuenta, sesenta o más voces, mientras Iparraguirre y Altuna eran objeto de una verdadera ovación. Sobre la autoría de la canción existen serias dudas sobre si fue Iparragirre o si fue Altuna; aunque sin mayores pruebas fehacientes, nosotros seguimos en la atribución tradicional.
José María Iparragirre (Urretxu, Gipuzkoa,1820- 1881) fue un conocido bertsolari (improvisador de versos) y músico popular, que tuvo una vida bohemia y aventurera; de ahí su apelativo de el bardo vasco, imagen que apoyaba con una inseparable guitarra y la improvisación de cantos y bertsos. Su obra, escrita mayoritariamente en euskera, recoge algunas de las canciones más significativas y populares del País Vasco. Considerado por las autoridades de su tiempo como un peligroso “agitador de masas”, padeció cárcel y destierro, residió durante 19 años en Argentina y Uruguay, y a su vuelta se ganaba la vida con los recitales que ofrecía por todo el País Vasco. Falleció a causa de una pulmonía en su pueblo natal de Urretxu, donde está enterrado.
El árbol de Gernika es un ejemplar de roble (Quercus robur) situado delante de la Casa de Juntas en la localidad vizcaína de Gernika. Este árbol simboliza las libertades tradicionales de Bizkaia y por extensión las de todo el Pueblo Vasco. La canción de hoy nos la ofrece el Orfeón donostiarra conducido por el maestro Juan Gorostidi.
Sugerencias de música clásica
Georg Friedrich Haendel (1685-1759) nace en Halle, Alemania; nacionalizado inglés, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del barroco. De niño comienza a recibir clases de armonía y contrapunto de Friedrich Zachow, organista de Halle, con quien también aprendió a tocar el oboe, violín y órgano. A la edad de 18 años se traslada a Hamburgo donde escribió sus dos primeras óperas. Al cabo de tres años viajó a Florencia y luego a Roma. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde se instala de por vida. A pesar del silencio total con el que protegió su intimidad, parece clara su homosexualidad. De su abundante producción musical, hemos de destacar el Oratorio El Mesías, una de las obras maestras de la Historia. Fallece a los 74 años en su casa.
El catálogo de las obras de Georg Friedrich Händel se conoce con las siglas HWV y significan Handel Werke Verzeichnis (en alemán, Catálogo de obras de Händel) no está ordenado cronológicamente, sino temáticamente por tipo de obra de géneros y según su naturaleza vocal o instrumental. Abarca 612 obras más 25 suplementos y obras dudosas y perdidas, siendo elaborado entre 1978 y 1986 en tres volúmenes. El número exacto de composiciones es por tanto difícil de precisar. Su autor es el musicólogo Bernd Baselt.
La Resurrección, que hoy proponemos, es un Oratorio de Haendel escrito en dos partes sobre un libreto de Carlo Sigismondo Capece, poeta en la corte de la reina María Casimira de Polonia que entonces estaba exiliada en Roma. La primera interpretación tuvo lugar en el palacio Bonelli de Roma, el Domingo de Pascua el 8 de abril de 1708, gracias al apoyo del fastuoso marqués Francesco Maria Marescotti Ruspoli que daba alojamiento al músico. La obra narra los acontecimientos que suceden del Viernes Santo al Domingo de Pascua, al modo de una ópera; pero sin representación escénica. Comprende recitativos que hacen progresar la acción y arias da capo que permiten la expresión de los sentimientos y de las reflexiones suscitadas por los misterios de la Pasión y de la Resurrección de Cristo. Los personajes son Lucifer (bajo), María Magdalena (soprano), un ángel (soprano), el apóstol San Juan (tenor) y María, mujer de Cleofás (contralto). Hoy el Oratorio está conducido por el maestro checo Václav Luks
Franz Schubert (1797-1828) fue un compositor austríaco que a los 11 años fue admitido como miembro del coro de la Capilla Imperial de Viena en la que tuvo como profesor a Salieri. En esa época lo que reportaba dinero era el teatro, la ópera, género en el que nunca logró sobresalir; así que se volcó en los lieder (canciones), entre los que hay que destacar su Ave María y el conjunto de lieder La Bella Molinera. A pesar de morir a los 31 años, dejó escritas más de 1.500 obras entre numerosas piezas de piano y de música de cámara, 8 sinfonías, obras concertantes, música incidental, música sacra (entre otras, 7 Misas, 1 Oratorio y 1 Réquiem), varios singspiel (pequeñas operetas), algo de ópera y más de 600 pequeñas obras vocales, fundamentalmente los lieder citados.
Catálogo de las obras de Schubert. Sus obras se catalogan principalmente mediante la letra D, que proviene del catálogo Deutsch, elaborado por el musicólogo austríaco Otto Erich Deutsch. Cada obra recibe un número añadido a la letra D que indica su posición cronológica aproximada en la producción del compositor. Sin embargo, a veces se usan los números de opus (Op.).
La Sinfonía n.° 8 en si menor de Franz Schubert, D. 759 (a veces renumerada como Sinfonía n.° 7), comúnmente conocida como la Sinfonía Incompleta, es una composición musical que Schubert comenzó en 1822 pero que, aunque el compositor vivió otros seis años, se quedó con solo dos movimientos: I (0´35´´) ALLEGRO MODERADO .-. II (17´01´´) ANDANTE CON MOTO. También sobrevive un scherzo, casi terminado en una reducción para piano pero con sólo dos páginas orquestadas. Una posible razón por la que Schubert dejó la sinfonía sin terminarla es el predominio de la misma métrica (compás ternario); caso que se da en el primer y segundo movimiento, así como en el citado scherzo, que podría ser el germen del tercer movimiento.
Hoy asistimos a la versión ofrecida por la maestra polaca Małgorzata Sapiecha-Muzioł.
Jesús Guridi (1886-1961) nació en Vitoria-Gazteiz en una familia musical. Tras trasladarse la familia a Madrid, Guridi ingresó en el Conservatorio; sin embargo, no les fue bien la economía a l@s progenitores/as, por lo que se movieron a Bilbao, donde gracias al mecenas, el Conde de Zubiría, pudo trasladarse a París e ingresar en la Schola Cantorum para estudiar piano, órgano, contrapunto y composición. Tras terminar sus estudios, pasó por Bélgica, Colonia y Munich para profundizar en los mismos. De vuelta a Bilbao, ya con 21 años, se hace cargo, como director, de la Sociedad Coral de Bilbao, trabajo que compagina con el de organista en la Basílica (ahora, Catedral) de Santiago. En 1939 vuelve a Madrid, como director del Conservatorio, donde fallecería a los 75 años.
Las “Diez melodías vascas” es una de las obras orquestales más conocidas y queridas del compositor vasco Jesús Guridi (1886–1961) y un excelente ejemplo de cómo Guridi supo combinar el folclore vasco con una escritura orquestal refinada y sinfónica, muy influida por la tradición romántica europea. La obra se compuso tras su regreso al País Vasco, después de la Guerra Civil, en una época de búsqueda de identidad cultural. Con ella, Guridi quiso rendir homenaje a las raíces musicales de su tierra usando el lenguaje sinfónico que había asimilado durante sus estudios en París, Bruselas y Colonia. La obra fue estrenada el 12 de diciembre de 1941, en el Cine Monumental de Madrid, por la Orquesta Sinfónica de Madrid dirigida por Enrique Jordá.
Las Diez melodías vascas proceden, en su mayor parte, del cancionero popular recopilado por el filólogo y musicólogo vasco Resurrección María de Azkue (1864-1951), protector y compañero de Guridi en sus años de estudiante en París. Lo que hace el compositor, en palabras del propio Guridi, es “comunicar su alma infundiéndole todo su aliento emocional”. Es también el trabajo de alguien que conoce muy bien la historia de la música, pues hay momentos en los que nos llegan ecos del canto gregoriano o del concerto grosso barroco. Encuentro además en ella evocaciones del romanticismo, del nacionalismo musical o del impresionismo, que solo puede crear un músico con un dominio de la orquestación comparable al de Rimski-Korsakoff, Strauss o Ravel. (Extractado del artículo de Antonio R. Rubio Plo publicado en la Web de la Familia Guridi)
I (0'04'') NARRATIVA .-. II (1'20'') AMOROSA .-. III (3'41'') RELIGIOSA .-. IV (6'06'') EPITALAMICA .-. V (7'22'') DE RONDA .-. VI (8'25'') AMOROSA .-. VII (12'27'') DE RONDA .-. VIII (13'39'') DANZA .-. IX (15'56'') ELEGÍACA .-. X (18'59'') FESTIVA.
Hoy podemos escucharla en versión de la Orquesta Sinfónica de RTVE bajo la conducción del maestro valenciano Enrique García Asensio.
Ruth Crawford Seeger, de soltera Ruth Porter Crawford (1901-1953) fue una compositora estadounidense especialista en música folclórica. Su música fue un destacado exponente de la estética modernista emergente y se convirtió en un miembro central de un grupo de compositoras/es estadounidenses conocid@s como l@s "ultramodern@s". Aunque compuso principalmente durante las décadas de 1920 y 1930, Crawford se dedicó a los estudios sobre música folclórica desde finales de la década de 1930 hasta su muerte. Su música influenció a compositores/as posteriores, particularmente a Elliott Carter.
El Quinteto de viento es un grupo de cinco instrumentistas (mayormente flauta, oboe, clarinete, trompa y fagot). Se llama también de esta manera a las obras compuestas para esta agrupación. Al contrario que el cuarteto de cuerda, cuyo color sonoro es muy homogéneo, los instrumentos del quinteto de viento se diferencian entre ellos considerablemente por su timbre y técnica. El quinteto moderno surge del grupo patrocinado por José II de Habsburgo en el siglo XVIII en Viena: 2 oboes, 2 clarinetes, 2 trompas y 2 fagotes. Los quintetos compuestos por Anton Reicha, y por Franz Danzi establecieron definitivamente el género: flauta, oboe, clarinete, trompa y fagot. Aunque decayeron durante la segunda mitad del siglo XIX, recobró fuerza a partir del siglo XX.
La Seeger Suite (1954) de Ruth Crawford Seeger es una obra compuesta en 1952 cuando Crawford ya estaba enferma (murió en 1953) y publicada póstumamente en 1954. La obra combina su temprano lenguaje modernista, disonante y experimental (de los años 1920–30, cuando Crawford era parte del círculo ultramoderno de Nueva York junto a Cowell y Ruggles), con una mayor simplicidad y lirismo de su etapa posterior, influenciada por su trabajo en la recopilación y armonización del folklore norteamericano. Son de destacar el uso del serialismo libre y contrapunto disonante, además de la superposición de texturas contrapuntísticas independientes; además, se percibe una dimensión más íntima y tonalmente referencial que no estaba presente en sus obras más radicales de los años 30. Con todo ello, la obra mantiene un equilibrio entre rigor estructural y lirismo expresivo y representa una síntesis del modernismo y el humanismo musical que definieron la carrera de Ruth Crawford Seeger.
La suite esta estructurada en tres movimientos: I () ANDANTE .-. II (5`30``) ALLEGRO DECISO .-. III (6`50``) ADAGIO-ALLEGRO-ADAGIO- ALLEGRO e interpretada en la presente ocasión por Emblems Quintet, quinteto de viento conformado por Merryl Neille flauta, Alex Hayashi oboe, Clarissa Osborn clarinete, Caroline Steiger trompa y Brandon Rumsey fagot.
Sugerencias de música para todos los gustos
Mikel Laboa (1934-2008) fue uno de los más importantes cantautores en euskera del final del siglo XX. Considerado como el patriarca de la música vasca, su música ha influido en las generaciones más jóvenes. Su álbum Bat-Hiru fue elegido en el Diario Vasco por votación popular como el mejor álbum vasco de la historia. Nacido en Donostia/San Sebastián, pasó dos años de su niñez en la localidad vizcaína de Lekeitio. Estudió Medicina y Psiquiatría en Iruña/Pamplona y combinó siempre su carrera artística con la de médico. Su música puede ser definida como una combinación de tradición, poesía y experimentalismo, al estilo de los cantautores de las décadas de los 60 y 70, pero dotado de un fuerte toque personal y una voz muy particular.
Txoria txori es un poema vasco escrito por Joxean Artze en 1957 y musicalizado por Mikel Laboa en 1968. “Si le hubiera cortado las alas habría sido mío, no se me habría escapado. Pero así, habría dejado de ser pájaro”. Artze tenía 25 años cuando escribió este poema que trata sobre la libertad y sobre la posesión, el dominio y el respeto entre las personas y animales.
Hoy nos lo ofrece el propio autor de la música acompañado por el Orfeón Donostiarra.
Ayliva ( 4 de abril de 1998, Recklinghausen , Alemania ) es una cantante y música alemana. Su primer sencillo llegó a las listas alemanas de éxitos en 2021, y su éxito ha continuado desde entonces, incluyendo su segundo álbum, Schwarzes Herz, que encabezó las listas alemanas en 2023. Ayliva tiene raíces turcas y creció en Recklinghausen con una hermana mayor y un hermano menor. Aprendió a tocar la guitarra, el teclado y el violín, y comenzó a componer canciones a los 10 años. Tras graduarse del bachillerato, estudió filosofía y estudios alemanes en la Universidad del Ruhr de Bochum con el objetivo de convertirse en profesora y, posteriormente, en trabajadora social. Finalmente, dejó la universidad para centrarse en su carrera musical.
A partir de octubre de 2020, Ayliva publicó samples de canciones en Instagram, siendo Deine Heimfahrt el primero.. También comenzó a publicar samples en TikTok. Su primer sencillo Deine Schuld (Tu culpa) alcanzó el número 16 en Alemania. Su primer álbum Weißes Herz (Corazón blanco) fue lanzado en junio de 2022 y alcanzó el número 6 en las listas alemanas de álbumes, y el sencillo Bei Nacht (De noche) alcanzó el número 13. En enero de 2023, lanzó Sie weiß (Ella sabe) con el rapero alemán Mero , que reinó en el número 1 en las listas alemanas durante dos semanas y se mantuvo entre los tres primeros durante nueve semanas más; fue la canción número 3 del año 2023 en las listas alemanas. Su segundo álbum, Schwarzes Herz (Corazón Negro), se lanzó en agosto de 2023 y alcanzó el número 1 en las listas de éxitos de Alemania, Austria y Suiza, además de batir récords de streaming para una artista femenina en Alemania. La canción "Hässlich " (Fea) del álbum también alcanzó el número 1 en Alemania , y otras canciones alcanzaron el top 10. Ganó el premio Bambi a la artista femenina más exitosa del año en 2023. En 2025, Ayliva se convirtió en entrenadora de la decimotercera temporada de The Voice Kids .
Wes Montgomery (1923 - 1968), hermano del pianista y vibrafonista Buddy Montgomery y del bajista Monk Montgomery, fue un guitarrista estadounidense de jazz, dentro del estilo hard bop (estilo musical del jazz que cronológicamente, sigue al cool y precede a las vanguardias jazzísticas). Comienza a tocar en el Club 440 de su ciudad natal, así como con la banda de sus hermanos llamada The Montgomery Brothers, hasta que es llamado por Lionel Hampton; tocó luego con el Sexteto de John Coltrane. La realización de su disco The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, publicado por el sello Riverside en 1960, le llevó a la fama dentro del mundo del jazz. Montgomery ejerció una gran influencia en guitarristas posteriores, como Pat Martino, Emily Remler o George Benson.
Paloma Mami (Manhattan, Nueva York; 11 de noviembre de 1999) es una cantante y compositora chileno-estadounidense, que alcanzó popularidad en 2018 tras sacar su primer sencillo «Not Steady», luego de pasar por el programa de talentos Rojo. En marzo de 2021, publicó su primer álbum de estudio Sueños de Dalí. Cursó sus estudios en su país natal y a la edad de 8 años comenzó a incursionar en la música, grabando y tocando el piano eléctrico, además de tomar talleres de pintura y dibujo, todo esto hasta los 16 años, cuando se trasladó a Chile. Fue en la etapa de secundaria donde adquirió su nombre artístico «Paloma Mami». En enero de 2019 alcanzó 3.2 millones de oyentes mensuales en Spotify, convirtiéndose en la cantante chilena más escuchada en esa plataforma, superando la marca anterior de 3.1 millones de Mon Laferte. Su estilo musical es principalmente R&B latino y soul, que incorpora elementos de pop urbano con una mezcla de trap latino.
Sugerencias de videos peculiares
Ludwig Minkus (1826-1917) fue un violinista y compositor austriaco de música para ballet. Estudió en el Conservatorio de Viena; en esa época a la vez que compuso música para ballet, actuó como solista de violín y fundó una orquesta que haría la competencia a la del joven Johann Strauss. En 1846, Minkus se muda a París y ese mismo año se estrena el ballet Paquita, con música de Édouard Deldevez ayudado por Minkus. Finalmente, en 1847 el Ballet de San Petersburgo pone en escena una versión en donde dan los créditos de la música a Minkus y en 1881 con coreografía de Marius Petipa, crea unas partes nuevas (un Pas de trois y el Grand pas de deux) para la nueva versión de Paquita. En 1853, ya instalado en Rusia, trabajó como director de orquesta; en 1861, ingresa en la Orquesta del Teatro Bolshói como violinista; un año más tarde, como director y dos años después es nombrado compositor del Ballet Bolshói. Aunque radicado definitivamente en Rusia, mantiene sus lazos con París y en 1866 viaja a la capital francesa para componer el nuevo ballet La Source.
Don Quijote es un ballet con prológo y cuatro actos de Ludwig Minkus y coreografía y libreto de Marius Petipa, que sería estrenado en 1869 en el Teatro Bolshói, con enorme éxito tanto de la crítica como del público; ballet cuyo argumento se basa en la novela de Miguel de Cervantes y en particular en las «bodas de Camacho» (Gamache en el ballet), episodio narrado en el capítulo XIX de la segunda parte, en el que se relata el romance entre el barbero Basilio y la joven Quiteria (Kitri en el ballet).
La Agrupación Cultural Mayib' K'Astajib'al de Guatemala es una agrupación constituida por jóvenes oriund@s de Santo Tomás Chichicastenango que a través de la danza fomentan la cultura de su pueblo, dando énfasis a la promoción y difusión de las manifestaciones artísticas culturales en toda la nación guatemalteca, resaltando así nuestras costumbres y tradiciones.
La danza que hoy nos presentan se le ha denominado "Saq Po't Chu Nin Pol" (Güipil de fondo blanco) donde se da a conocer una de las indumentarias antiguas de la mujer chichicasteca, así mismo el lugar de la presentación realizada en Chupol, una de las áreas más grades del municipio y en el mirador de la comunidad de Chuguexá II donde se puede apreciar el lago de Atitlán. (Extractado del texto del pie del vídeo)
Las Danzas Chinas tienen un amplio abanico de expresiones artísticas por sus coloridos, por sus estudiados movimientos, por sus orígenes tan diversos y por las circunstancias en la que se desenvuelven; se representan desde danzas populares hasta actuaciones de ópera y ballet, y pueden ser realizadas durante celebraciones públicas, rituales y ceremoniales. De los 56 grupos étnicos reconocidos en China, cada grupo tiene sus propios bailes folclóricos y momentos de representarlos; además de que en la actualidad existe un resurgimiento y un movimiento de recuperación de danzas chinas tradicionales y de danzas adaptadas a nuestros tiempos en las que son de resaltar el colorido, la coordinación de movimientos corporales y la variedad de músicas y danzas.
Dentro de lo que es la Danza Vasca, el Fandango de ritmo ternario y el Arin-Arin de ritmo binario forman el conjunto de danzas más habituales en las fiestas del País Vasco. Ambas danzas bailadas por parejas mixtas tienen cierta similitud con otras danzas similares del estado y con la pavana binaria y la gallarda ternaria que ya se bailaban en el Renacimiento.
El fandango vasco tiene ritmo ternario, escrito en compás de 3/8, y presenta frases cuadradas, organizadas en módulos de ocho compases. Cada paso se extiende por dieciséis compases, y las frases musicales se organizan conforme a ellos, siendo a veces de dieciséis compases, muchas de ocho compases repetidos, y casi siempre organizadas en antecedente y consecuente. Normalmente se bailan tres pasos diferentes, pero en Navarra es muy corriente realizar también un cuarto paso.
Hoy nos lo ofrece el conjunto formado por Kukai Dantza Konpainaia, Oreka Tx y Amaren Alabak.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia e informaciones puntuales de la Inteligencia Artificial.
Los textos de Videomusicalis están realizados en euskera, castellano e inglés.
