el terrorismo genocida que viene ejerciendo el
Estado de Israel contra el Pueblo Palestino
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Georg Friedrich Haendel (1685-1759) nace en Halle, Alemania; nacionalizado inglés, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del Barroco. De niño comienza a recibir clases de armonía y contrapunto de Friedrich Zachow, organista de Halle, con quien también aprendió a tocar el oboe, violín y órgano. A la edad de 18 años se traslada a Hamburgo donde escribió sus dos primeras óperas. Al cabo de tres años viajó a Florencia y luego a Roma. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde se instala de por vida. A pesar del silencio total con el que protegió su intimidad, parece clara su homosexualidad. De su abundante producción musical, hemos de destacar el Oratorio El Mesías, una de las obras maestras de la Historia. Fallece a los 74 años en su casa.
Ombra mai fu es el aria de apertura de la ópera Jerjes de Händel estrenada en 1738. La ópera fue un fracaso comercial, con sólo cinco representaciones en Londres después de su estreno. En el siglo XIX, aun así, esta aria fue redescubierta y ha llegado a ser una de las piezas mejor conocidas de Händel. Originalmente compuesta para ser cantada por un castrato (en la representaciones modernas de Jerjes es cantada por un contratenor, una contralto o una mezzo-soprano).
En la versión que hoy ofrecemos, el aria está cantada por la artista italiana Cecilia Bartoli, mezzosoprano ligera de depurada técnica, que ha actuado en las principales salas del mundo con los directores más renombrados.
Franz Schubert (1797-1828) fue un compositor austríaco que a los 11 años fue admitido como miembro del Coro de la Capilla Imperial de Viena en la que tuvo como profesor a Salieri. En esa época lo que reportaba dinero era el teatro (la ópera) género en el que nunca logró sobresalir, así que se volcó en los lieder (canciones), entre los que hay que destacar su Ave María y el conjunto de lieder La Bella Molinera. A pesar de morir a los 31 años, dejó escritas más de 1.500 obras entre numerosas piezas de piano y de música de cámara, 8 sinfonías, obras concertantes, música incidental, música sacra (entre otras, 7 Misas, 1 Oratorio y 1 Réquiem), varios singspiel (pequeñas operetas), algo de ópera y más de 600 pequeñas obras vocales, fundamentalmente los lieder citados.
El Nocturno es una pieza de música vocal o instrumental, de melodía dulce y estructura libre. La denominación "nocturno" se le daba, en una primera instancia, en el siglo XVIII, a una pieza tocada en fiestas de noche. En su forma más común (vale decir, como una pieza de un solo movimiento generalmente escrita para un solo de piano), el género fue cultivado principalmente en el siglo XIX. El más famoso exponente de esta música fue Frédéric Chopin, quien escribió 21 obras de ese género.
Hoy ofrecemos el Nocturno en Mib, op. 148, de Schubert interpretado por el AlesiEnsemble conformado por Marco Alesi (piano), Martin Osiak (violín) y Anna Martin-Scrase (chelo).
Bun-Ching Lam nació en Hong Kong en 1954 y desarrolló desde muy joven un profundo interés por la música y la composición. Estudió piano y teoría musical antes de trasladarse a Estados Unidos, donde amplió su formación en composición contemporánea. Su obra combina elementos de la tradición musical china con técnicas occidentales modernas, creando un lenguaje sonoro muy personal y expresivo. A lo largo de su trayectoria ha compuesto piezas orquestales, música de cámara y obras vocales interpretadas en importantes festivales y auditorios internacionales. También ha colaborado con destacados ensembles y solistas especializados en música contemporánea. La sensibilidad poética de sus composiciones y su atención al color instrumental le han otorgado reconocimiento dentro del panorama musical actual. Además de componer, ha participado activamente en proyectos educativos y culturales relacionados con la difusión de la música contemporánea.
La Pipa (en chino, 琵琶; pinyin, pipa; Wade-Giles, p'i2-pa2) es un instrumento de cuerda pulsada tradicional chino parecido al laúd occidental. La Pipa aparece citada por primera vez en textos que datan del siglo II a. C. Han derivado del mismo varios instrumentos tradicionales orientales, el más conocido de los cuales es la Biwa, el vietnamita Dàn tỳ bà y el coreano Bipa, que ya no se utiliza, conservándose sólo algunos instrumentos en museos. La palabra pipa está formada de las dos sílabas chinas "pí" (琵) y "pá" (琶). Se refieren precisamente a las dos maneras más comunes de tocar el instrumento: "pí" significa empujar con el dedo índice de la mano derecha de derecha a izquierda y "pá" significa tirar con el pulgar de la mano derecha de izquierda a derecha, en la dirección correcta.
La Pipa es un instrumento de cuatro cuerdas en las que la caja de resonancia tiene forma de pera. Tiene un mástil corto y curvado que cuenta con treinta trastes que cubren parte de la tapa armónica ofreciendo así una gran extensión. Después de la Dinastía Tang (618-907), la Pipa mantuvo su popularidad como instrumento solista y como instrumento de conjunto musical. En aquel tiempo se tocaba con plectro, pero posteriormente se dejó de utilizar pasando a ser utilizadas las uñas de los dedos. La técnica de ejecución exige una gran destreza que debe permitir la producción de efectos virtuosos y de carácter descriptivo. Se combinan los trémolos que se obtienen rozando con los cinco dedos, los pizzicatos, los juegos de armónicos, los ruidos, etc.
La obra Run de Bun-Ching Lam presenta una estructura breve pero intensamente desarrollada, articulada a partir de la exploración técnica y tímbrica de la Pipa. Formalmente, la pieza se organiza como un proceso de expansión continua: comienza con células rítmicas y gestos aislados que evolucionan hacia secciones de mayor densidad sonora y virtuosismo. El elemento estructural central es el “run” o “lun”, técnica de trémolo cíclico que funciona tanto como recurso expresivo como principio organizador del discurso musical. La textura alterna momentos de tensión acumulativa con pasajes más suspendidos, creando contrastes dinámicos y espaciales. Armónicamente, la obra evita la tonalidad tradicional y se apoya en colores modales y resonancias abiertas. La repetición transformada de motivos genera unidad interna, mientras que la escritura contemporánea amplía las posibilidades idiomáticas del instrumento sin perder referencias a la tradición musical china.
Hoy asistimos a la interpretación ofrecida por la joven virtuosa Zhou Yi.
Joseph Kosma (Budapest, 22 de octubre de 1905-La Roche-Guyon, Francia, 7 de agosto de 1969) fue un compositor nacido en Hungría, pero de nacionalidad francesa desde 1946. Fue alumno de Béla Bartók, con quien estudió en la Academia Liszt de Budapest, donde se graduó en composición y dirección orquestal. En 1928 obtuvo una beca para estudiar en el Conservatorio de Berlín, donde conoció a Lilli Apel, también música, que luego fue su esposa. Nombrado director de la Orquesta de la Ópera de Berlín, abandonó ese puesto para unirse a la compañía de teatro ambulante de Bertolt Brecht. A partir de entonces, compuso música para teatro y canciones cuyos principales intérpretes fueron Yves Montand y Juliette Gréco.
Su canción más conocida es Les feuilles mortes (Las hojas muertas), con letra de Prévert. La melodía de su estribillo se convirtió en un tema clásico de jazz, con el título de Autumn leaves.
Hoy nos la ofrece la Banda de Música Municipal de A Coruña.
Sugerencias de música clásica
Johann Sebastian Bach (1685-1750) Hoy nos encontramos con uno de los tres gigantes de la música occidental junto con Mozart y Beethoven. Fue un violinista, organista, director y compositor alemán, nacido en Eisenach dentro de la familia musical más prominente de la historia. En 1703 obtiene su primer trabajo en Arndstat y en 1707 se traslada a Mülhausen como organista, donde se casa con su prima María Bárbara con quien tiene siete hijos. Tras la muerte de su esposa en 1720, tras año y medio de viudedad, volvió a casarse con María Magdalena con la que tendría otros trece hijos. En 1723 se traslada a Leipzig donde residiría hasta su muerte a los 65 años. Su influencia ha sido notable en Haydn, Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Chopin … y otros muchos renombrados compositores.
El catálogo de las obras de Bach o Bach-Werke-Verzeichnis, más conocido por sus siglas BWV, consta de un índice numerado de todos los trabajos del compositor ordenado temáticamente por tipo de obra de géneros y según su naturaleza vocal o instrumental y utilizado por los académicos y músicos de todo el mundo. Dicho catálogo fue creado en 1950 por el musicólogo alemán Wolfgang Schmieder.
La English Suite No. 6 de Johann Sebastian Bach parece avanzar como un viaje solemne y luminoso. Desde el PRELUDE (0´03´´) inicial, amplio y virtuoso, la obra despliega un diálogo constante entre energía y elegancia, como si cada danza relatara episodios de una corte imaginaria. La ALLEMANDE (7´56´´) y la COURANTE (10´06´´) mantienen un carácter fluido y contrapuntístico, mientras la SARABANDE (11´18´´) introduce un momento introspectivo y casi meditativo. Las GAVOTTES (14´43´´) aportan contraste rítmico y ligereza antes de una GIGUE (17´08´´) final exuberante, construída con gran impulso motórico. Formalmente, la Suite responde al modelo barroco de sucesión de danzas estilizadas, organizadas en la tonalidad, en este caso, de Re menor y unificadas mediante recursos imitativos y secuencias armónicas. Bach emplea texturas polifónicas complejas, amplias modulaciones y un equilibrio entre rigor estructural y expresividad. La composición destaca por su arquitectura simétrica y por la exigencia técnica que anticipa el virtuosismo del teclado moderno.
Hoy nos la ofrece la pianista suiza Beatrice Berrut.
Piotr Chaikovsky (1840-1893) fue compositor ruso que se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos géneros, aunque donde alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. En 1859 logró un puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia que lo abandonaría a los tres años para poder dedicarse sólo a la música. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis desde la muerte de su madre y por una homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia.
El Concierto para violín en Re mayor, op. 35 de Chaikovsky, uno de los conciertos de violín más reputados y difíciles de ejecutar, deja dos impresiones imborrables: la del virtuosismo inherente a su factura y la de la belleza de sus melodías. EL PRIMER MOVIMIENTO (0´05´´) ALLEGRO MODERATO se inicia con una introducción breve, de carácter lírico al que siguen las melodías que componen el resto del movimiento. EL SEGUNDO MOVIMIENTO (18´32´´) CANZONETTA: ANDANTE. Se inicia con un pasaje en acordes ejecutado por las maderas y las trompas, que dan paso a una melodía tradicional rusa de carácter tranquilo que sirve como puente sin pusa al TERCER MOVIMIENTO (24´40´´) ALLEGRO VIVACISSIMO, inspirado en temas rusos desarrollados mediante múltiples variaciones en la orquestación, el ritmo y la melodía.
Julia Fischer (1983), la solista de hoy, es una de las violinistas más importantes del mundo, una virtuosa alemana del violín y del piano. A los doce años gana el premio de violín Yehudi Menuhin y en 2007 es declarada la “Artista del año” por la revista Gramophon. Para no extendernos con la enumeración de sus numerosos e importantes reconocimientos, diremos que, aunque volcada en el violín, nunca se ha querido alejar del piano. Ha actuado en las principales salas del mundo con los mejores directores como solista de violín, aunque esporádicamente también lo ha hecho como solista de piano. Hoy nos ofrece este Concierto de Chaikovski acompañada por la Orchestre Philharmonique de Radio France conducida por el maestro ruso Vasily Petrenko (1976).
Anton Bruckner (1824-1896) fue un organista y compositor austríaco obsesionado con la perfección hasta el punto de que sus obras eran continuamente revisadas y reformadas, por lo que en la actualidad existen numerosas versiones de sus obras. Tras la muerte de su padre, ingresó como niño cantor en el cercano Monasterio St. Florian, donde recibió clases de música. En 1855 fue nombrado organista de la Catedral de Ignatiuskirche, sin que esto fuera obstáculo para que por distintos caminos prosiguiera con sus estudios de composición. En 1864 empezó a publicar sus primeras composiciones que en adelante se centrarían principalmente en obras religiosas y obras sinfónicas.
La Sinfonía n.º 4 en Mi bemol mayor (WAB 104) es una de las composiciones más populares de Anton Bruckner. Fue escrita en 1874 y revisada sucesivas veces hasta 1888. Su estreno tuvo lugar en Viena, con dirección de Hans Richter y con gran éxito. El subtítulo de Romántica fue utilizada por el propio compositor, y se refiere al concepto de romance medieval, tal y como se refleja en Lohengrin o Siegfried, de Wagner. La Sinfonía está estructurada en cuatro movimientos: EL PRIMER MOVIMIENTO (1´10´´), BEWEGT, NICHT ZU SCHNEL, evoca un amanecer alpino en forma sonata, cuyo motivo inicial de trompa genera gran parte del material.-. El SEGUNDO MOVIMIENTO (22´36´´), ANDANTE, QUASI ALLEGRETTO, está concebido como una sentida plegaria y alterna una marcha fúnebre con episodios de coral melancólico.-. EL TERCER MOVIMIENTO (40´39´´), SCHERZO: BEWEGT - TRIO: NICHT ZU SCHNELL. KEINESFALLS SCHLEPPEND, es un enérgico scherzo, que representa una animada escena de caza y su cuerno tradicional, contrastando con un apacible trío de danza rústica.-. IV (51´39´´) FINALE: BEWEGT, DOCH NIGHT ZU SCHNELL. El último movimiento fusiona magistralmente los temas anteriores y evoluciona en una compleja forma sonata que culmina en un gran clímax.
Sergiu Celibidace (1912-1996) fue un director de orquesta rumano cercano a las doctrinas del budismo zen que, además de sus estudios musicales, estudió filosofía y matemáticas. Fue director principal de la Filarmónica de Berlín, trabajó con orquestas de Estocolmo, Stuttgart y París hasta que en 1979 fue nombrado titular de la Filarmónica de Munich con la que estuvo unido hasta su fallecimiento; en reconocimiento de su labor, recibió importantes galardones de la República Federal de Alemania, a pesar de que fue reacio a las grabaciones, alegando que en ellas no se refleja la totalidad de los matices. Celibidace es para muchos críticos, el mejor director de orquesta de la historia, especializado en Bruckner, por el que sentía una atracción especial.
Gabriela Ortiz Torres (Ciudad de México, 20 de diciembre de 1964) es una compositora y profesora mexicana cuya obra abarca música orquestal, de cámara y solista, además de escribir también para danza teatro y cine. Ha sido interpretada en festivales internacionales, como el Festival Internacional Cervantino, el Festival de Bourges en Francia, Electrifying Exotica y Plugged Festival en Londres, entre otros. Es miembro del Colegio Nacional de México desde 2022. En 2025 fue distinguida con tres Premios Grammy: Mejor compendio clásico, Mejor interpretación orquestal y Mejor composición clásica contemporánea por el ballet Revolución diamantina.
Gabriela pertenece a la generación creciente de mujeres compositoras nacidas en la segunda mitad del siglo XX. Estudió piano en la Escuela Ollin Yoliztli de la Ciudad de México, y más tarde con Robert Saxton en la Guildhall School of Music and Drama y se doctoró en Composición y Música Electroacústica en The City University de Londres bajo la supervisión de Simon Emmerson (1992). Desde su producción temprana, destaca su capacidad de sintetizar un estilo sincrético en su música, en la que "se juntan la tradición europea, los recursos nuevos propios de la música contemporánea y del jazz mezclados con elementos mexicanos, procedentes incluso del México prehispánico". En febrero de 2019 ingresó en la Academia de Artes de México.
La obra Antrópolis de Gabriela Ortiz presenta una estructura flexible basada en la superposición de células rítmicas y contrastes tímbricos inspirados en la vida nocturna urbana de Ciudad de México. Formalmente, la composición se organiza en secciones encadenadas que alternan acumulación y distensión sonora, evitando un esquema clásico cerrado. El ritmo constituye el eje principal del discurso musical: patrones sincopados, ostinati y acentos irregulares generan una sensación constante de movimiento y energía colectiva. En el plano estructural, Ortiz emplea capas instrumentales progresivas que amplían la densidad sonora hasta alcanzar clímax de gran intensidad. La percusión desempeña un papel articulador, mientras los metales y las maderas aportan colores contrastantes. La obra combina recursos de la música contemporánea con referencias a géneros populares y electrónicos, creando una identidad sonora dinámica y urbana.
Sugerencias de música para todos los gustos
Bill Evans (1929-1980), fue un pianista y compositor estadounidense de jazz. Su obra abarca el cool, el post-bop y la música modal. Es considerado uno de los pianistas de jazz más importantes de la historia por su uso impresionista de la armonía, sus interpretaciones del repertorio tradicional del jazz, su adopción del estilo de acordes en bloque, y sus características líneas melódicas rítmicamente independientes. Su influencia se puede percibir en numerosos y reconocidos pianistas, como Brad Mehldau, Chick Corea, Keith Jarrett y Herbie Hancock. Muchas de las composiciones de Evans, como "Waltz for Debby" y "Time remembered" se han convertido en estándares del jazz, tocados y grabados por innumerables artistas. Evans recibió 31 nominaciones a los Premios Grammy y 7 premios, y fue incluido en el DownBeat Jazz Hall of Fame.
La Niña de La Puebla (Dolores Jiménez Alcántara: 1908-1999) fue una actriz y una de las cantaoras más grandes de flamenco que ha habido. A los tres días de nacer perdió su vista por un desgraciado accidente. Con ocho años comenzó a recibir enseñanza especial y musical. Según sus propias declaraciones decidió dedicarse al cante profesional cuando oyó cantar al Niño de Marchena. A los 20 años actuó por primera vez en un festival de Morón de la Frontera, tras lo que su carrera empezaría plena de éxitos. Estuvo casada con otro notable cantaor, Luquitas de Marchena (1913-1965) y de este matrimonio nacieron otros dos conocidos artistas del folklore andaluz: Adelfa Soto y Pepe Soto. Realizó numerosas giras por todo el estado con espectáculos que variaban anualmente.
Genesis es un grupo de rock británico creado en 1967. A partir de la década de 1980, la música de Genesis vería un cambio fundamental de estilo, del rock progresivo hacia el pop-rock, coincidiendo con la época de mayor éxito comercial y con Phil Collins como su líder más visible. Al no conseguir los éxitos esperados, Genesis se separó definitivamente en 1998. Sin embargo, en 2007 realizaron una exitosa gira de conciertos por Europa y USA y en el 2020 se anunció su regreso a los escenarios. Con aproximadamente 155 millones de álbumes vendidos Genesis se encuentra entre los treinta grupos más exitosos en ventas de todos los tiempos. Durante su trayectoria han recibido 4 nominaciones y 1 Premio Grammy, 3 nominaciones y 1 Premio American Music y nominaciones a los Premios Brit.
Taeyeon (Jeonju, 9 de marzo de 1989) es una cantante surcoreana, icono legendario del K-pop, que ha sido reconocida como una de l@s artistas más influyentes de Corea del Sur. Saltó a la fama en 2007, tras debutar como líder y vocalista principal del grupo femenino Girls' Generation. En 2015, debutó como solista con su primer Miniálbum I, el cual llegó al primer puesto en la lista Billboard World Albums de USA y que incluía un sencillo del mismo nombre, que se ubicó en el primer puesto de la lista Gaon Singles Chart en Corea del Sur. Habiendo vendido más de 1,3 millones de álbumes físicos y más de 20 millones de sencillos digitales, es una de l@s artistas solistas más vendid@s de Corea del Sur. En 2022, fue la solista más vendida en la historia de Gaon Album Chart.
Sugerencias de videos peculiares
Piotr Chaikovsky (1840-1893) es un compositor ruso que se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos y variados géneros musicales, aunque donde su fama alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. Por desgracia su vida personal estuvo plagada de continuas crisis personales a partir los 14 años, en que murió su madre, y a consecuencia también, de una homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y actualmente está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia.
La Bella Durmiente, uno de los ballets más representados del repertorio clásico, es un cuento de hadas/ballet estructurado en un prólogo y tres actos, cuya música la escribió Chaikovsky en 1889 con coreografía de Marius Petipa y libreto de Iván Vsévolozhsky y el propio Petipa; el argumento lo basaron en el cuento La Bella Durmiente del bosque, que es una joven princesa condenada a dormir eternamente hasta que le llegue a su vida el verdadero amor.
Hoy ofrecemos el ballet entero coreografiado por Rudolf Nureyev con Roberto y Diana Vishneva como protagonistas acompañad@s por el Cuerpo de Baile del Teatro de La Scala.
La Poulido de Gèmo es un grupo folklórico provenzal de la localidad de Gémenos, en el Sur de Francia, cerca de Marsella. Fue fundado en 1982 con el objetivo de preservar y difundir las tradiciones de la Provenza: danza, música, canto, trajes tradicionales y lengua provenzal. El nombre “La Poulido de Gèmo” significa aproximadamente “La Bella de Gémenos” en provenzal. El grupo reúne a personas de distintas edades y participa en festivales nacionales e internacionales representando la cultura provenzal con danzas tradicionales acompañadas por música folklórica en vivo, para lo que se ocupan de la conservación de vestimentas históricas y de talleres culturales y lingüísticos, además de la organización del “Festival des Cultures du Monde de Gémenos”. También están vinculados al CIOFF France, una organización asociada a la UNESCO dedicada a la preservación del folklore y patrimonio cultural inmaterial.
Las danzas tradicionales de la Provenza francesa se caracterizan por su ritmo alegre, sus movimientos elegantes y su fuerte vínculo con las celebraciones populares y rurales. Suelen bailarse en grupo, acompañadas por instrumentos como el tambor provenzal y la flauta. Destacan coreografías circulares y pasos sencillos que favorecen la participación colectiva. Los trajes típicos, con colores vivos y detalles regionales, reflejan la identidad cultural y el legado histórico de esta región del Sur de Francia.
La danza Stories of Singapore representa un recorrido artístico por la historia y la diversidad cultural de Singapur, combinando tradición y modernidad en una puesta en escena dinámica y colorida. A través de movimientos coordinados y cambios rítmicos, l@s bailarinas/es evocan las influencias malayas, chinas, indias y occidentales que forman la identidad del país. El espectáculo destaca por el uso de vestuarios brillantes, música multicultural y coreografías que alternan momentos suaves y ceremoniales con secuencias rápidas y enérgicas. Además, la iluminación y los elementos visuales ayudan a crear ambientes que simbolizan distintas etapas históricas y sociales. La danza transmite valores de convivencia, progreso y unión entre culturas, mostrando cómo Singapur ha construido una sociedad moderna sin perder el vínculo con sus raíces tradicionales.
El Huaylarsh o Huaylas es una música folclórica peruana. Es una danza festiva de siembra o cosecha de la parte meridional de los Andes centrales peruanos. Posiblemente se originó durante el Virreinato (1532-1824) para efectos de las trillas de cereales o de los cultivos de papas, que involucran el sentido del amor y verdor. Según el vocabulario elaborado por Diego González Holguín en el año 1608, podría provenir de los siguientes vocablos quechuas: Waylla: prado verde, buen pasto; Waylluy: amar con ternura. En el diccionario elaborado por Rodolfo Cerrón Palomino de 1976 ya se hace mención del término Huaylash: baile típico del Sur de Huancayo; Huaylas: baile de competencia entre hombres y mujeres.
La danza Huaylas es una expresión folklórica de la Sierra central del Perú, especialmente de Junín. Se caracteriza por su ritmo alegre y dinámico, acompañado de música andina interpretada habitualmente con arpa, violín, saxofón e instrumentos de percusión. L@s bailarinas/es realizan zapateos rápidos y movimientos enérgicos que representan el trabajo agrícola y el cortejo amoroso. Además, sus coloridos trajes reflejan la identidad cultural y festiva de las comunidades andinas.
Sugerencias de música para niñ@s
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