el terrorismo genocida que viene ejerciendo el
Estado de Israel contra el Pueblo Palestino
El 8 de Marzo se celebra el Día Internacional de la Mujer
El Día Internacional de la Mujer (anteriormente denominado Día Internacional de la Mujer Trabajadora) conmemora en cada 8 de marzo la lucha de las mujeres por su participación en la sociedad y su desarrollo íntegro como persona, en pie de igualdad con el hombre. También se usa para hacer referencia a esta conmemoración el numerónimo «8-M» en referencia al día y al mes en que se conmemora. Aunque durante todo el año procuramos dar a la mujer un trato igualitario, que muchas veces no nos es fácil (sobre todo cuando se trata de directoras de orquesta ya que sólo el 10 % de directoras/es del mundo son mujeres) en la celebración del Día Internacional de la Mujer hemos procurado darle un trato preferente y casi exclusivo como denuncia del apartheid que ha sufrido a lo largo de los siglos en el mundo de la música y que desgraciadamente sigue sufriendo en muchos lugares y actividades humanas.
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Bianca Maria Meda (1665-1700) fue una monja benedictina y compositora de música italiana. Aún no se ha encontrado ninguna mención sobre su vida; sólo su nombre, que aparece por primera vez en 1677, en los documentos del convento benedictino de San Martino del Leano en Pavía. Tendría 16 años, edad en la que, según la costumbre de la época, las jóvenes entraban en los conventos. Cuando tenía unos treinta años, según los supuestos anteriores (1691), publicó sus únicas composiciones conocidas: "Mottetti a 1, 2, 3, e 4 voci". Con esta colección, Meda se convirtió en una de las pocas monjas-compositoras en Italia, en ver su obra impresa en el siglo XVII; sólo la siguió Isabella Leonarda, una monja ursulina de Novara.
Cappella Artemisia es un grupo vocal italiano de mujeres que se especializa en la música de los conventos de la Italia del siglo XVII. El grupo fue fundado por la cantante y musicóloga estadounidense, pero residente en Italia, Candace Smith. Smith también es coeditora, con su esposo, el cornetista Bruce Dickey , de ediciones de esta música a través de Artemisia Editions. El repertorio principal del grupo se centra en las propias monjas compositoras; aunque el conjunto también interpreta obras de compositores masculinos - algunos monjes, algunos seglares - que dedicaron obras a los conventos.
Louise Farrenc (1804-1875) fue una compositora, pianista y profesora francesa, que realizó sus estudios de piano con Anne Soria, luego con Antoine Reicha, profesora del Conservatorio de París, quien le enseñó escritura musical (armonía, contrapunto) y más tarde con Ignaz Moscheles y Johann Nepomuk Hummel. Farrenc enseñó piano en el Conservatorio de París, donde terminó recibiendo un salario igual al de sus compañeros varones. Por otra parte, recibió el apoyo de los mejores músicos de su tiempo, como el violinista Joseph Joachim y recibió dos veces el Premio Chartier del Instituto de Francia, destinado a recompensar las mejores composiciones de música de cámara, en 18618 y 1869. Falleció el 15 de septiembre de 1875 y fue enterrada en el cementerio de Montparnasse.
Catálogo de las obras de Farrenc. Sus obras vienen clasificadas por su número de Opus (del latín opus 'obra') que es un término que se utiliza en música para catalogar las obras de la mayoría de compositores. Desde el siglo XVII, se comenzó a utilizar esta forma de catalogación cada vez que se publicaba una obra, precediendo la palabra Opus, o su abreviatura Op., al número de orden de la misma.
Klavierquintett nº 1. De los dos quintetos para piano que Farrenc escribió, hoy tenemos el gusto de ofrecerles el Tercer movimiento del nº 1, Scherzo. Presto, escrito en La menor y en forma ternaria (A_B_A), con una sección de "Trío" (B) en La mayor. Compuesta entre 1839 y 1842, esta pieza en cuatro movimientos está escrita para piano, violín, viola, violonchelo y contrabajo. La sección que hoy presentamos es un movimiento muy vivo, rápido y lleno de energía ("presto"), con intercambios dinámicos entre el piano y la cuerda, movimiento que destaca por su brillantez rítmica y el equilibrio virtuoso entre piano y cuerdas. Un claro ejemplo del talento de Farrenc para combinar el virtuosismo instrumental con la estructura clásica y expresividad romántica.
Fanny Mendelssohn (1805-1847) fue una compositora y pianista del Romanticismo (1810-1910) temprano. Sus composiciones incluyen un trío para piano, un cuarteto para piano, una obertura orquestal, cuatro cantatas, más de 125 piezas para piano y más de 250 lieder, la mayoría de las cuales se publicaron de forma póstuma. Aunque fue elogiada por su destreza para tocar el piano, rara vez ofreció conciertos en público. Fanny creció en Berlín donde, junto a su hermano menor, Felix Mendelssohn, recibió una educación musical completa de profesores como Ludwig Berger y Carl Friedrich Zelter. Debido a la condición social de la mujer en su época, varias de sus obras fueron publicadas bajo el nombre de su hermano en sus colecciones opus 8 y 9.
El nocturno es una pieza de música vocal o instrumental, de melodía dulce y estructura libre. La denominación "nocturno" se le daba, en primera instancia en el siglo XVIII, a una pieza tocada a momentos, generalmente en fiestas de noche y después dejadas a un lado. En su forma más común (vale decir, como una pieza de un solo movimiento generalmente escrita para solo de piano), el género fue cultivado principalmente en el siglo XIX. Los primeros nocturnos escritos con ese nombre fueron compuestos por John Field, visto como el padre del nocturno romántico, que tiene una característica melodía cantabile con un acompañamiento arpegiado. Sin embargo, el más famoso exponente de esta música fue Frédéric Chopin, quien escribió 21 obras de ese género.
Jure Robežnik (23 de agosto de 1933 - 7 de octubre de 2022) fue un pianista y compositor esloveno que centró su atención, mayormente, en el jazz y la música popular. A pesar de no poseer educación musical, fue autor de más de ciento cincuenta piezas musicales.
Neža Torkar (1990) es una acordeonista eslovena, que realizó sus estudios de música y acordeón en Eslovenia y Alemania, habiendo ofrecido numerosos conciertos por media Europa como solista y como integrante de grupos de cámara. Ha obtenido importantes premios europeos como solista de acordeón.
Hoy le acompaña el grupo vocal femenino esloveno Gallina ensemble.
Sugerencias de música clásica
Francesca Caccini (1587-después de 1641) fue una compositora, cantante, laudista, profesora de música y poetisa italiana de comienzos del Barroco (1600-1750). Nació en Florencia; su padre, Giulio Caccini, era un compositor famoso y popular y pionero en la música monódica; desde muy joven, su padre le enseñó música y composición. Su madre, Lucia Gagnolanti, también era cantante; su hermana menor, Settimia, también se convirtió en compositora y tenía un hermano mayor, Pompeo Caccini, que era cantante y pintor. Recibió una educación humanística: latín, algo de griego, así como lengua y literatura modernas y matemáticas. Fue una de las pocas compositoras del siglo XVII cuyas obras se publicaron.
La liberazione di Ruggiero dall'isola d'Alcina es una ópera cómica en cuatro escenas de Francesca Caccini, que se estrenó el 3 de febrero de 1625 en la Villa di Poggio Imperiale en Florencia, con un libreto por Ferdinando Saracinelli, basado en la obra de Ludovico Ariosto Orlando Furioso. Es la primera ópera escrita por una mujer, y fue durante mucho tiempo considerada la primera ópera italiana que fue representada fuera de Italia. Es la única ópera que se conserva de Francesca; está escrita en el stile moderno; esto es, en el estilo de Claudio Monteverdi, aunque la obra debe posiblemente más a la obra de Jacopo Peri. Usa el nuevo stile recitativo, así como canzonettas en el estilo del Concerto delle donne.
Hoy nos lo ofrecen l@s músic@s del Conservatorio "Antonio Vivaldi" de Alessandria bajo la coordinación del maestro Marco Berrini
Clara Wieck (1819-1896), más conocida como Clara Schumann, fue una pianista, compositora y profesora de piano alemana. Como pianista fue un referente del siglo XIX y personaje clave en la difusión de las obras de su marido Robert Schumann. Nació y creció en Leipzig en una familia de músic@s, donde su madre era cantante de fama y su padre, pianista profesional y profesor de Clara, niña prodigio. Comenzó a darse a conocer en Europa a los once años; se casó con Robert Schumann y la pareja tuvo ocho hijos. Juntos, alentaron a Johannes Brahms y mantuvieron una estrecha relación con él. Como compositora, nos ha dejado un legado de piezas para piano solo, un Concierto para piano, que hoy ofrecemos, música de cámara, obras orquestales, 30 lieder y música coral.
Catálogo de las obras de Clara Wieck. Sus obras vienen clasificadas por su número de Opus (del latín opus 'obra') que es un término que se utiliza en música para catalogar las obras de la mayoría de compositores. Desde el siglo XVII, se comenzó a utilizar esta forma de catalogación cada vez que se publicaba una obra, precediendo la palabra Opus, o su abreviatura Op., al número de orden de la misma.
Concierto para piano en La menor, op. 7. En enero de 1833, a los 13 años de edad, Clara Wieck (Clara Schumann tras su matrimonio con Robert Schumann) comenzó a componer un Konzertsatz de un único movimiento que ella misma orquestó. En febrero de 1834, su futuro esposo Robert Schumann revisó la orquestación y la niña prodigio de 14 años lo interpretó en varios conciertos. Luego amplió la obra agregando dos movimientos más, utilizando el «Konzertsatz» como tercer movimiento y reorquestando toda la obra ella misma, que terminó de completar el 1 de septiembre de 1835 (aún no había cumplido los 16 años) y la estrenó en noviembre de 1835 con ella misma como solista acompañada por la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig dirigida por Felix Mendelssohn. Este concierto es uno de los primeros conciertos para piano escritos por una mujer y el primero compuesto y estrenado por una adolescente prodigio. Clara Wieck no sólo lo compuso, sino que fue también su primera intérprete, lo que la sitúa como una figura pionera. Es una obra adelantada a su edad, que anticipa el romanticismo maduro con sensibilidad y virtuosismo.
Estructura. El Concierto está estructurado en tres movimientos: I (0´02´´) ALLEGRO MAESTOSO: Movimiento de corte dramático, influenciado por el estilo romántico de Hummel, Mendelssohn y su futuro esposo Robert Schumann, en el que Clara demuestra ya una gran madurez pianística con escritura virtuosística y una clara intención expresiva. El piano y la orquesta dialogan intensamente, con pasajes brillantes para el solista .-. II (6´52´´) ROMANZE. ANDANTE NON TROPPO CON GRAZIA. Movimiento íntimo y lírico, escrito solo para piano y chelo. Muestra la sensibilidad melódica de Clara y su interés por la música de cámara. Movimiento que destaca por su delicadeza emocional .-. III (11´05´´) FINALE: ALLEGRO NON TROPPO – ALLEGRO MOLTO. Movimiento brillante, ágil y bravo en el que Clara retoma la energía del primer movimiento y la lleva a una conclusión alegre y vitalista.
La versión de hoy nos la ofrece la pianista Michal Tal acompañada por la orquesta conducida por la maestra Keren Kagarlitsky.
Alma Deutscher (2005) es una compositora, niña prodigio, inglesa, pianista y violinista . Nació en Basingstoke, Reino Unido, de padres melómanos; a los dos años comenzó a tocar el piano; el violín, a los tres; a los cuatro comenzó a improvisar en el piano y a los cinco comenzó a escribir sus composiciones; a los seis compuso su primera sonata; a los siete, su primera ópera pequeña, The Sweeper of Dreams, a los nueve un concierto para violín y orquesta, a los diez una ópera de duración completa, Cenicienta y a los doce años estrena su primer concierto para piano con la misma compositora al piano. Todo ello mientras recibe instrucción privada instrumental en piano y violín de dos profesores del Yehudi Menuhin School en Surrey, Inglaterra.
El Concierto es una forma musical escrita para uno o más instrumentos solistas acompañados por un conjunto instrumental. Fue Vivaldi quien establece las bases fundamentales de su estructura con tres movimientos (I rápido-II lento-III rápido) y presentado como un diálogo entre l@s solistas y el conjunto instrumental. A partir del clasicismo, sobre todo a partir de las bases creadas por C.P.E. Bach, el primer movimiento se construye siguiendo los patrones de la forma sonata (exposición, desarrollo y reexposición), mientras el segundo y el tercer movimiento adoptan formas libres y puntuales. Frecuentemente, al final del primer y/o tercer movimiento, l@s solistas disponen de una cadencia sin acompañamiento orquestal con la que poder hacer gala de su virtuosismo.
La versión que hoy presentamos del Concierto para violín y orquesta en Sol menor de Alma Deutscher, se realizó en el Carintischer Sommer Festival con Alma como solista (cuando sólo contaba 12 años de edad) acompañada por la Vienna Chamber Orchestra conducida por el maestro japonés Joji Hattori. El concierto está estructurado en tres movimientos: I (0´22´´) ALLEGRO MAESTOSO (cadenza 12´24´´) .-. II (15´39´´) ROMANZA .-. III (24´35´´) ALLEGRO SCHERZANDO (cadenza 32´14´´).
Sofia Gubaidulina (1931) es una compositora rusa nacida en Tartaristán. Estudió piano y composición en el Conservatorio de Kazán; en 1954 se trasladó a Moscú donde siguió con sus estudios hasta graduarse en 1963. Su música fue criticada por la exploración de afinaciones alternativas, aunque Shostakovich le animó a seguir buscando su propio camino. Su concierto para violín, Ofertorium, interpretado por Gidon Kremer le abrió las puertas al reconocimiento de la crítica. Es una mujer profundamente religiosa como así lo atestigua su catálogo de obras y sobre todo su Johannes Passion. En el año 2002 recibió el Premio de Música Polar, concedido por la Real Academia de Suecia de Música.
Quasi Hoquetus es una obra de Sofia Gubaidulina compuesta en 1984‑85 (editada por Hans Sikorski) que muestra varios rasgos típicos de su estilo maduro: la unión de tradición y experimentación, el simbolismo espiritual, la atención al timbre y al silencio, y una cierta tensión entre lo fraccionado y lo continuo. La palabra Hoquetus alude al “hocket” medieval, técnica que consiste en fragmentar una melodía y repartir estos fragmentos entre varias voces, de forma entrecortada (“a saltos”), produciendo un efecto de interrupción/intercalado. En Quasi Hoquetus, Gubaidulina no se limita a aplicar el hoquetus sobre la melodía, sino que extiende la idea también al ámbito de la armonía y el timbre.
Textura y desarrollo: La obra comienza con fragmentos dispersos que “saltan” entre los instrumentos, generando una textura filtrada, casi filigrana; con el paso del tiempo ese tejido se va consolidando hasta formar algo más continuo: una especie de línea musical unificada. Como en otras obras de Gubaidulina, hay un trasfondo espiritual y simbólico. Se mencionan figuras numéricas como el siete y el trece como importantes en esta obra, hay referencias formales/harmónicas que recuerdan a la tradición (incluso a Bach); pero esos elementos tradicionales conviven con técnicas modernas (clusters, armónicos, polifonía muy fragmentada, etc.). Se usan armónicos en la viola, paradas en el fagot, clusters de piano... Estos recursos no sólo agregan color, sino que participan del discurso estructural y contrastan con la “fragmentación”, con los espacios de silencio y con la concentración sonora en los pasajes más densos. (Extracto de la respuesta dada por ChatGPT basada grandemente en textos aparecidos en El Argonauta).
Sugerencias de música para todos los gustos
Esperanza Emily Spalding (Portland, 18 de octubre de 1984) es una cantante, contrabajista y bajista estadounidense de jazz. En el 2011, ganó el Premio Grammy a la Artista Revelación, y fue la primera artista de jazz que recibió dicho reconocimiento. Comenzó a tocar música profesionalmente en su infancia, actuando como violinista en la Sociedad de Música de Cámara de Oregon a los cinco años. Más tarde fue autodidacta y se ejercitò en varios instrumentos, incluida la guitarra y el bajo. Su talento le valió becas académicas para la Universidad Estatal de Portland y el Berklee College of Music, a los cuales asistió estudiando música.
Lanzó su primer álbum, Junjo, en 2006, a través del sello español Avya Musica, después de lo cual firmó con el sello independiente estadounidense Heads Up, que lanzó su álbum homónimo en 2007. Su tercer álbum de estudio, Chamber Music Society (2010), fue un éxito comercial, ubicándose en el número 34 en el Billboard 200, y derivó en que Spalding ganara su primer premio Grammy como Mejor Artista Nuev@; fue también el/la primer/a artista de jazz en ganar en esta categoría. A partir de entonces fueron continuos sus numerosos premios y éxitos.
Además de escribir e interpretar música, Spalding también ha trabajado como instructora, primero en Berklee College of Music, a partir de los 20 años. En 2017, fue nombrada profesora de Práctica de la Música en la Universidad de Harvard. En 2018 recibió un doctorado honorario en música de su alma mater, Berklee College of Music.
Vanesa Martín (Málaga, 14 de noviembre de 1980) es una cantante y compositora andaluza. A los seis años su padre le regaló su primera guitarra y a partir de ahí comenzaría su afición por la música. Más tarde, decide iniciar su formación en guitarra, a través de coros rocieros, y poco después empezaría a escribir sus primeras canciones. Ya a los quince años actúa en numerosos locales malagueños y aparece en televisiones y programas de radio locales. A finales del año 2003, tras realizar los grados de Magisterio y Pedagogía en la Universidad de Málaga, se afincó en Madrid, donde realizaría sus primeros conciertos en el Bar El Taburete. Su primera aparición en un disco fue en el CD llamado El búho real. Su primer álbum se tituló Agua, el cual salió en 2006. En 2009, ficha por la multinacional Warner Music. Hasta la fecha ha editado ocho álbumes de estudios, ha vendido miles de copias en España y Latinoamérica y realizado gran cantidad de conciertos por toda la geografía española.
Camélia Jordana (15 de septiembre de 1992, Toulon, Francia) es una cantante y actriz francesa. Saltó a la fama con dieciséis años después de participar en el programa de televisión Nouvelle Star en 2009, la versión francesa de Pop Idol, donde quedó en tercer lugar. Su primer álbum, Camélia Jordana, salió en 2010, seguido por Dans la peau en 2014 y Lost en 2019. Este mismo año, recibe un premio en los Victoires de la musique para Lost, en la categoría música del mundo. Su música mezcla el pop y la chanson francesa, con toques de world music, R&B, y con una sensibilidad muy personal derivada de su compromiso social con el feminismo, la herencia cultural y la justicia social. Además ha aparecido en varias películas y ha grabado varios álbumes musicales. En 2018, recibió el César a la mejor actriz revelación para su actuación en la pelìcula Le Brio. Ha realizado también otros trabajos cinematográficos como Bird People, Curiosa, Sœurs d'armes, Les Choses qu’on dit, les choses qu’on fait ...
Yvonne Catterfeld (1979) es una cantante y actriz alemana. A la edad de 15 años comienza a tocar piano y flauta, mientras simultáneamente toma clases de danza y voz. Al término de la escuela secundaria estudia pop y jazz en la academia de música en Leipzig durante dos años. Después de sus estudios, Catterfeld participa en un concurso de canto Stimme 2000 y en 2001 lanza su primer sencillo oficial, "Bum", un cover del track homónimo All Saints, pero no logra entrar en las listas de éxitos. Fueron tres singles "Komm Zurück Zu Mir", "Niemand Sonst" y "Gefühle" los que le ayudaron a abrir la popularidad de Catterfeld. Impulsando su presencia en TV Yvonne finalmente encuentra gran éxito con su cuarto sencillo "Für Dich", que fue hit #1 en Alemania, Austria y Suiza. Su primer álbum Meine Welt obtuvo éxito similar llegando a Platino. Un año más tarde es capaz de repetir la hazaña con "Du Hast Mein Herz Gebrochen" y su álbum segundo Farben Meiner Welt. En 2005 relanza su primer sencillo en inglés, "Where Does The Love Go", en colaboración con el cantante Eric Benet y en 2006 lanza su cuarto studio album, Aura. Durante todos estos años compagina su trabajo de cantante con el de actriz, participando en distintas series de televisión y películas de diverso género.
Sugerencias de videos peculiares
Jocelyn Pook (1960) es una violista, pianista y compositora británica. Estudió viola en el Guildhall School of Music and Drama en Londres. En sus proyectos experimenta con una amplia variedad de géneros, lo que la dota de una gran versatilidad y originalidad musical. Pook ha compuesto música para teatro, televisión y cine, medio éste en el que debutó con la banda sonora del filme de Stanley Kubrick Eyes Wide Shut (1999). A partir de entonces ha continuado con la composición de música para películas.
Dust (Polvo) es un ballet contemporáneo de un acto sobre la Primera Guerra Mundial , con coreografía de Akram Khan y música de Jocelyn Pook , creado para el English National Ballet . Fue la primera vez que Khan trabajó con una compañía de ballet y se estrenó el 2 de abril de 2014 en el Barbican Centre de Londres. La obra de Akram Khan, Dust, fue un encargo para el programa mixto del Ballet Nacional Inglés, Lest We Forget, que trata sobre la Primera Guerra Mundial y fue uno de los primeros encargos de la directora artística Tamara Rojo.
Khan afirmó que el ballet está "dominado por mujeres". La primera parte trata sobre la guerra de trincheras; Khan comentó que le intrigaba, ya que los soldados morirían al abandonar las trincheras; pero seguían construyéndolas. La sección central, interpretada por 12 bailarinas, presenta a estas mujeres trabajando en fábricas, mientras sus seres queridos luchaban, y las armas que fabricaban probablemente se usarían para matar a los seres queridos de otros. La tercera y última parte es un dueto creado por Khan y Rojo. Según Khan, trata sobre la relación entre las mujeres y "sus seres queridos en el frente". Khan optó por que las bailarinas bailaran en puntas , porque necesitaba "conocer más a fondo el vocabulario del trabajo en puntas, para descubrir qué quería transmitir".
Música. El ballet utiliza una composición original de Jocelyn Pook , quien ya había colaborado con Khan en dos proyectos anteriores. Para la sección final, escribió una canción con la letra del poema " In Flanders Fields ", cantada por el contratenor Jonathan Peter Kenny y también utilizó una grabación del soldado de la Primera Guerra Mundial Edward Dwyer describiendo la guerra y cantando "estamos aquí porque estamos aquí" con la melodía de " Auld Lang Syne ".
Ludwig Minkus (1826-1917) fue un violinista y compositor austriaco de música para ballet. Estudió en el Conservatorio de Viena; en esa época a la vez que compuso música para ballet, actuó como solista de violín y fundó una orquesta que haría la competencia a la del joven Johann Strauss. En 1846, Minkus se muda a París y ese mismo año se estrena el ballet Paquita, con música de Édouard Deldevez ayudado por Minkus. Finalmente, en 1847 el Ballet de San Petersburgo pone en escena una versión en donde dan los créditos de la música a Minkus y en 1881 con coreografía de Marius Petipa, crea unas partes nuevas (un Pas de trois y el Grand pas de deux) para la nueva versión de Paquita. En 1853, ya instalado en Rusia, trabajó como director de orquesta; en 1861, ingresa en la Orquesta del Teatro Bolshói como violinista; un año más tarde, como director y dos años después es nombrado compositor del Ballet Bolshói. Aunque radicado definitivamente en Rusia, mantiene sus lazos con París y en 1866 viaja a la capital francesa para componer el nuevo ballet La Source.
Marius Petipa (1818-1910) fue un coreógrafo, maestro de ballet y bailarín francés, radicado en la Rusia imperial; con él se dio por terminada la época del ballet romántico para inaugurar la del grand ballet ruso. Entre sus obras destacadas se cuentan El lago de los cisnes, La bella durmiente, El cascanueces, Raymonda, Don Quijote, Paquita y La Bayadère
La Bayadère es un ballet creado por el coreógrafo francés Marius Petipa con música de Ludwig Minkus, originalmente representado en cuatro actos y siete cuadros, aunque actualmente la cantidad de actos varía según la compañía y la versión coreográfica; lo que hace que en unas ocasiones se bailen dos actos y en otras, tres. El compositor austriaco Minkus puso música a un libreto escrito por Serguéi Judekov y Paipa basado en dos dramas del poeta indio Kālidāsa. El ballet se estrenó en el Teatro Bolshói Kámenny de San Petersburgo el 23 de enero de 1877 con Lev Ivánov en el papel de Solor, mientras el personaje de Nikiya fue bailado por Ekaterina Vázem. En la actualidad La Bayadère está considerada como una de las obras básicas del repertorio de ballet clásico.
El Grand pas es un conjunto de danzas que sirve como obra maestra para l@s bailarines/as principales, para l@s bailarines/as demi-solistas y, en algunos casos, para el cuerpo de ballet. Por lo general, consiste en una entrada (introducción), un gran adagio, a veces un baile para el cuerpo de ballet, variaciones (bailes solistas) opcionales para los demi-solistas, variaciones para la bailarina principal o el bailarín, o ambos, y una coda (a veces denominada coda générale o grand coda), con la que concluye la suite.
Hoy ofrecemos el Gran Pas d'Action del Acto II de La Bayadère en versión del Bolshoi Ballet.
Alkartasuna Dantza Taldea (Grupo de Danzas Alkartasuna) Después de la guerra civil, en la década de los 50 el número de grupos de danza vasca se incrementó de manera significativa en el País Vasco; de modo que, teniendo en cuenta la situación política de la década de los 70, la danza vasca fue una de las herramientas más poderosas para expresar el sentimiento vasco tan reprimido por el Régimen. Así nació Alkartasuna Dantza Taldea, cuando en el año 1976 una cuadrilla de amigos del Instituto de Bermeo, Bizkaia, decidió organizar una actuación con el fin de recaudar dinero para su viaje de estudios; actuación que debido al éxito obtenido les animó a seguir con la tarea iniciada.
Soka Dantza. En su obra de 1754 Corografía de Gipuzkoa, Manuel de Larramendi realizó una defensa apasionada de las tradiciones y danzas guipuzcoanas. El ilustre jesuita escribió su apología en el marco de un intenso debate que estalló en el siglo XVIII en torno a los supuestos perjuicios que las danzas acarreaban a la moral religiosa de hombres y mujeres. Larramendi sostenía que las danzas tradicionales de Gipuzkoa no solamente eran lícitas sino incluso saludables. No obstante, a fin de evitar problemas estableció algunas condiciones para garantizar su idoneidad, entre ellas la de que, a la hora de formar la cuerda de la soka-dantza, hombres y mujeres se dieran la mano utilizando un pañuelo que impidiera el contacto físico entre ambos sexos. El carácter plural de la soka-dantza queda reflejado en la denominación que utilizó el propio Larramendi para designar a este conjunto de danzas: “(…) carricadanzas, escudanzas y otros nombre que tienen los bailes o danzas comunes de Guipùzcoa”.
Juan Ignacio Iztueta distinguió numerosas modalidades de soka-dantza según el perfil de los dantzaris que la bailaran. Amén de la gizon-dantza (danza de hombres), Iztueta menciona la gazte-dantza (danza de jóvenes), la etxeandre-dantza, (danza de amas de casa), la galaien esku-dantza (esku-dantza de galanes), la neskatxen esku-dantza (esku-dantza de señoritas) y la edate o karrika-dantza (danza de la bebida o danza callejera).
Hoy asistimos a la actuación de Alkartasuna Dantza Taldea dentro de las Fiestas de la Semana Grande de Bilbao. (Extractado del articulo Soka Dantza de la Revista Gipuzkoako dantzak)
"Shiva Shambho" es un mantra (palabra, frase o sonido que se repite con el objetivo de concentrar la mente), que en el hinduismo invoca al dios Shiva, el transformador y regenerador del universo, en su forma benévola y auspiciosa. "Shiva" se refiere a la deidad principal, el principio de destrucción y renovación, mientras que "Shambo" (o Shambhu) significa "el benévolo" o "el dador de alegría". Por lo tanto, el mantra se traduce como "Shiva, el auspicioso" o "Shiva, el benévolo", invitando a la paz, la sanación y la transformación espiritual.
Bharatanatyam es una danza clásica india originaria de Tamil Nadu (Estado del Sur de India), reconocida por su combinación de bhava (expresión), ragam (música), tala (ritmo) y natyam (danza). Esta antigua tradición de danza, originaria de los templos hindúes, utiliza un intrincado juego de pies, gestos simbólicos con las manos (mudras) y expresivos movimientos faciales para narrar temas religiosos y espirituales, particularmente relacionados con el hinduismo.
IndianRaga, conjunto protagonista de hoy, reúne a los mejores músicos y bailarines de 60 ciudades internacionales para colaborar en producciones de video de alta calidad, vistas por millones de personas en todo el mundo. Trabajamos con géneros como la música carnática (música clásica del Sur de la India), la música indostánica (música clásica del Norte de la India), la música semiclásica, la música contemporánea y occidental, el bharatanatyam, el kuchipudi, el odissi, el mohiniattam, el kathak, el ballet, el tap, la danza contemporánea y una amplia gama de instrumentos, como el mridangam, la tabla, el sitar, el violín, la flauta/bansuri, la veena, el ghatam, y categorías new age como el arreglo y la producción musical.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia e informaciones puntuales de la Inteligencia Artificial.
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