el terrorismo genocida que viene ejerciendo el
Estado de Israel contra el Pueblo Palestino
El 7 de Mayo de 1833 nace Johannes Brahms
El 7 de Mayo de 1840 nace Piotr Ilich Chaikovsky
El 9 de Mayo se celebra el Día de Europa
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido el 16 de diciembre de 1770 en Bonn, su padre de origen flamenco, intentó exhibirle como un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde pudo estudiar con Haydn y Salieri. Sin embargo su profesión de excelente pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad.
European Anthem es uno de los cuatro símbolos oficiales de la Unión Europea, junto con el lema, la bandera, y el Día de Europa. El himno tiene su origen en la Oda a la Alegría (An die Freude en alemán), escrita por Friedrich von Schiller en 1785 y en la composición realizada por Ludwig van Beethoven para su Novena Sinfonía. Así pues, el Himno Europeo es un extracto de su cuarto movimiento adoptado oficialmente en 1985 en una versión adaptada por Herbert von Karajan.
Hoy nos la ofrece la EUYO (Joven Orquesta de la Unión Europea) conducida por la maestra estadounidense Marin Alsop.
Piotr Chaikovsky (1840-1893) fue un compositor ruso que se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos y variados géneros musicales, aunque donde su fama alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. Por desgracia su vida personal estuvo plagada de continuas crisis personales a partir los 14 años, en que murió su madre, y a consecuencia, también, de una homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. A pesar de las claras manifestaciones de su facilidad para la música, su educación estuvo encaminada a lograr obtener algún puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia, cosa que logró en 1859. Sin dejar su trabajo, se matriculó en composición; a los tres años, sin embargo, abandonó su trabajo para dedicarse exclusivamente al estudio musical. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y actualmente está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia.
La Obertura Solemne 1812, Op. 49 es una obertura romántica escrita por el compositor ruso Piotr Ilich Chaikovski en 1880. La pieza fue escrita para conmemorar la victoria de la resistencia rusa en 1812 frente al avance de la Grande Armée de Napoleón Bonaparte. Se estrenó en Moscú el 20 de agosto de 1882, dirigida por Ippolit Al'tani y más tarde, en 1891 dirigida por el propio Chaikovski, en la inauguración del Carnegie Hall de Nueva York. El clímax final, en la partitura original, incluye una salva de disparos de cañón y repique de campanas. La obertura se ha convertido en un acompañamiento común en las exhibiciones de fuegos artificiales en el Día de la Independencia de USA; además, la Obertura 1812 es en una de las obras más populares de Chaikovski.
Hoy ofrecemos la primera parte de la Obertura interpretada por la Orquesta y el Coro del Maggio Musicale Florentino con la participación de la Banda Militar de la Guarda di Finanza con el maestro indio Zubin Mehta como director musical.
Johannes Brahms (1833-1897) nacido en Viena, donde pasó la mayor parte de su vida, fue el compositor del romanticismo más conservador frente a la corriente progresista capitaneada por Liszt y Wagner. Su música está firmemente arraigada en las estructuras y técnicas de composición de los maestros clásicos y sus estructuras formales siguen fielmente los patrones del clasicismo, aunque utiliza parte del colorido del romanticismo y de la música popular. De carácter eminentemente perfeccionista, escribió para piano, conjuntos de cámara, orquesta sinfónica, para voces solistas y para coro. Fue Hans von Bulow quien propuso lo de “las tres B” refiriéndose a Bach, Beethoven y Brahms como los tres pilares principales de la Historia de la música.
Las Danzas Húngaras de Brahms son un conjunto de veintiún alegres danzas, basadas su mayoría en temas húngaros, compuestas en 1869, aunque las danzas 11, 14 y 16 son originales; su duración oscila entre uno y cuatro minutos. Brahms originalmente las compuso para piano a cuatro manos, y luego arregló diez de ellas para piano solo, y algunas otras (números 1, 3 y 10) para orquesta. Varios compositores, han orquestado el resto; en especial, Antonín Dvořák, quien por otra parte, se inspiró en las mismas para componer su serie de Danzas eslavas.
Hoy ofrecemos la Danza nº 1 conducida por la maestra japonesa Tomomi Nishimoto (1970) quien ha dirigido numerosas e importantes orquestas europeas.
Karel Husa. Nació el 7 de agosto de 1921 en Checoslovaquia; estudió en el Conservatorio de Praga, y posteriormente en París con figuras como Nadia Boulanger y Arthur Honegger. En 1954 emigró a Estados Unidos, donde trabajó como profesor en la universidad y desarrolló gran parte de su carrera. Husa combinó tradiciones checas con influencias modernas europeas, desarrollando un lenguaje distintivo: dinámico, a veces dramático, con sensibilidad para la orquesta de viento además de la orquesta sinfónica. Husa es considerado un puente entre la tradición checa y la música contemporánea estadounidense. Aunque nació en Checoslovaquia, gran parte de su reconocimiento internacional vino durante su vida en EE.UU., lo que habla de una carrera globalizada. Husa ganó el Premio Pulitzer de Música en 1969 por su “String Quartet No.3”, falleciendo el 14 de diciembre de 2016.
Mnozil Brass es un sexteto de metales austríaco conocido por combinar virtuosismo musical con humor, teatro y sátira. Son una especie de mezcla entre un grupo de cámara de altísimo nivel y una compañía cómica. El grupo se formó en 1992 por exalumnos de la Universidad de Música de Viena para interpretar una amplia gama de géneros: Música clásica (con arreglos muy creativos), jazz, pop, folk austríaco, música de películas e incluso temas de rock o heavy metal. Todo esto, siempre con un enfoque cómico y teatral. Sus conciertos son verdaderos espectáculos, con coreografías, sketches, slapstick y humor absurdo. Su sello distintivo es que hacen reír sin hablar casi nada: usan gestos, rutinas físicas y situaciones absurdas para acompañar la música. En cierto modo, se inspiran en la tradición de cabaret vienés y en el teatro mudo.
Mnozil Brass ha actuado en los cinco continentes y tiene una gran base de fans entre músic@s de metales por su técnica impecable y su capacidad de tocar cualquier cosa con aparente facilidad. Han lanzado varios discos y DVDs con espectáculos como Seven, Yes Yes Yes, Magic Moments, Cirque, Pandæmonium, y Phoenix.
Hoy nos ofrecen la polka de Karel Husa, Brinpolka.
Sugerencias de música clásica
Catálogo de las obras de Brahms. Sus obras vienen clasificadas por su número de Opus (del latín opus 'obra'; op. abreviatura) que es un término que se utiliza en música para catalogar las obras de la mayoría de compositores desde el siglo XVII.
El Quinteto para clarinete en si menor , Op. 115, de Johannes Brahms , es una de las obras maestras absolutas del repertorio de música de cámara; fue escrita en 1891 para el clarinetista Richard Mühlfeld , dedicada a un clarinete en La con un cuarteto de cuerdas. Brahms se había retirado de la composición antes de escuchar tocar a Richard Mühlfeld , del que quedó muy entusiasmado y ese mismo año compuso el Quinteto para clarinete y su Trío para clarinete Op. 114 , ambos para Mühlfeld. Más tarde también compuso sus dos Sonatas para clarinete Op. 120. En la época en que Brahms comenzó a componer su Quinteto para clarinete, sólo se habían compuesto unas pocas obras para este tipo de conjunto. Es reseñable, además, que el Quinteto de Brahms muestra paralelismos con el Quinteto de Mozart, especialmente en la forma.
Estructura. La pieza consta de cuatro movimientos: I (0`9``) ALLEGRO. Al igual que en el Quinteto de Mozart, las cuerdas dan comienzo a la pieza. El primer tema es sombrío y fluido, con una atmósfera introspectiva, introducido por el cuarteto de cuerdas y retomado por el clarinete. El segundo tema es más lírico, en Re mayor, pero sin abandonar del todo el tono elegíaco. El desarrollo es intenso, con contrapunto intrincado y modulaciones densas; mientras la recapitulación es muy libre, con sutilezas tímbricas y texturales que disuelven la tensión inicial. El movimiento termina con un coda tranquila y resignada, no triunfal. En este movimiento, el clarinete se integra como una voz más dentro del tejido camerístico, no como un solista acompañado, estableciendo, además, un ambiente otoñal para el resto de la composición .-. II (13`54``) ADAGIO. Movimiento en Si mayor en forma libre con elementos ternarios, nos muestra un carácter líricamente meditativo, con un tema de una belleza serena y espiritual, que en la sección central nos presenta un pasaje de carácter húngaro/exótico, con adornos floridos y figuraciones casi improvisatorias del clarinete; tras lo cual, vuelve la serenidad inicial, aunque teñida de melancolía .-. III (25`34``) ANDANTINO – PRESTO NON ASSAI, MA CON SENTIMENTO. El Movimiento es una especie de scherzo lento con trío rápido, donde la sección Andantino es pastoral y elegante, con un diálogo íntimo entre clarinete y cuerdas y el episodio Presto contrasta con energía y carácter rítmico más incisivo, pero nunca violento. El regreso al Andantino recupera el tono meditativo de la primera sección, mostrando el equilibrio entre contraste y continuidad .-. IV (30`53``) CON MOTO. Este movimiento, con forma de tema y variaciones, contiene un tema y cinco variaciones, al igual que los movimientos finales del Quinteto para clarinete de Mozart y la Sonata para clarinete n.° 2 de Brahms. La cuarta variación, en Si mayor, tiene una dulce melodía interpretada principalmente por el clarinete, que recuerda el ambiente del segundo movimiento. La quinta (y última) variación, que comienza con la viola tocando la melodía sobre el violonchelo en pizzicato, vuelve a estar en Si menor, pero tiene un compás diferente (6/8) hasta el final del movimiento. La coda retoma varios temas del primer movimiento y finalmente termina con un repentino y fuerte acorde de Si menor que se desvanece (a diferencia del final tranquilo del primer movimiento).
Hoy nos lo ofrece el New Zealand String Quartet (conformado por Helene Pohl – violín, Douglas Beilman – violín, Gillian Ansell – viola, Rolf Gjelsten – chelo) con James Campbell – clarinete.
Tema y variaciones. La forma musical de tema y variaciones es una de las estructuras más antiguas y versátiles de la música occidental. Se basa en la idea de presentar un tema principal (una melodía o sección reconocible) y luego repetirlo varias veces, pero modificándolo de distintas maneras en cada repetición. El Tema: Se trata de una melodía completa y clara, generalmente de 8, 16 o 32 compases, con acompañamiento armónico sencillo. Variaciones: Cada una de ellas transforma el tema de alguna manera, pero sin perder del todo su identidad original.
Su estructura esquemática viene a configurarse del siguiente modo: Tema – Variación 1 – Variación 2 – Variación 3 – … – Coda (opcional) Las transformaciones que se realizan en las variaciones pueden ser melódicas (se cambia la melodía manteniendo la armonía original), rítmicas (se alteran los valores de las notas con notas más rápidas o más lentas), armónicas (se rearmoniza el tema con nuevos acordes), texturales (se cambia la densidad o el acompañamiento; por ejemplo, un arpegio en lugar de acordes bloqueados), tímbricas (se modifica el color del sonido), estilísticas (se presenta el mismo tema en distintos estilos; por ejemplo, una variación en forma de danza o marcha) y algunas otras.
Las Variaciones sobre un tema rococó (Variations on a Rococo Theme), Op. 33, de Piotr Ilich Tchaikovsky, son una de las obras más refinadas y elegantes del compositor ruso., dedicada a Wilhelm Fitzenhagen, violonchelista y colega de Tchaikovsky en el Conservatorio de Moscú. Aunque el título menciona un “tema rococó”, el tema no proviene realmente del siglo XVIII, sino que Tchaikovsky compuso un tema original “a la manera de Mozart”, un compositor al que admiraba profundamente. La obra consta de Introducción y tema y siete variaciones sobre el tema presentado inicialmente. Cada variación transforma el tema de forma diferente —a veces lírica y elegante, otras veces virtuosística y brillante—, mostrando tanto el clasicismo idealizado del Rococó como la expresividad romántica característica de Tchaikovsky. El violonchelista Wilhelm Fitzenhagen, para quien se escribió la obra, modificó considerablemente el orden de las variaciones e incluso eliminó una en la versión que se estrenó y publicó en vida de Tchaikovsky. Durante décadas, la versión de Fitzenhagen fue la única interpretada, hasta que en el siglo XX se recuperó la versión original de Tchaikovsky, que hoy se toca con más frecuencia. Es la obra concertante más cercana al ideal clásico de Tchaikovsky, más contenida y transparente que su famoso Concierto para violonchelo. Es una pieza clave del repertorio para violonchelo, amada tanto por su belleza melódica como por sus desafíos técnicos y expresivos, a la vez que muestra un equilibrio entre la gracia de Mozart y la pasión romántica rusa, algo poco común en la música del siglo XIX.
Hoy nos lo ofrece la chelista rusa Anastasia Kobekina acompañada por la Frankfurt Radio Symphony conducida por la maestra alemana Anja Bihlmaier.
Carl Orff (1895-1982) fue un compositor alemán, cuyo trabajo puede ser enmarcado dentro de la corriente del neoclasicismo musical. Fue conocido por su obra Carmina Burana, del tríptico de cantatas escénicas al que también pertenecen Catulli Carmina y el Triunfo de Afrodita. Su nombre también ha sido universalmente divulgado por desarrollar un sistema de enseñanza musical para niñ@s (conocido como método Orff) que ha tenido notables resultados. Orff comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años y también tomó lecciones de órgano y chelo. Sin embargo, se mostró más interesado en la composición; por lo que desde muy temprano Orff escribió y puso en escena obras de títeres para su familia, con música para piano, violín, cítara y glockenspiel para acompañar sus obras.
Der Mond (La Luna) es una òpera en un acto, con libreto y mùsica de Carl Orff, basada en el cuento de hadas "La Luna" de los hermanos Grimm, cuyo estreno tuvo lugar el 5 de febrero de 1939 en el Teatro Nacional de Múnich. En la actualidad la obra se suele representar junto con la otra ópera en un acto de Orff basada en los cuentos de hadas de los hermanos Grimm, La mujer inteligente (1943).
Trama. Cuatro jóvenes de una tierra sin luna, donde reina la oscuridad por las noches, emprenden un viaje y llegan a una tierra donde una esfera brillante cuelga de un roble, emitiendo una luz nocturna. Al preguntar qué es, un granjero les cuenta que el jefe de su aldea (un equivalente al alcalde actual) ha comprado esta supuesta luna y ahora la unge con aceite a diario a cambio de un pago para mantenerla brillante. Los jóvenes deciden robar la luna y llevarla a su tierra. Allí, también la cuelgan en un roble y exigen un pago a la comunidad. Al envejecer y darse cuenta de que pronto morirán, cada uno decide llevarse un cuarto de la luna a su tumba. Así, la luna llega al inframundo y despierta a los muertos con su luz inusual. Los muertos vuelven a la vida y comienzan a festejar ruidosamente. Cuando Pedro oye este ruido, creyendo que los muertos atacan, convoca a los ángeles. Al no producirse ningún ataque, el propio Pedro desciende al inframundo, calma a los muertos y lleva la luna de vuelta al cielo, donde la cuelga. La ópera termina con un solo de cítara seguido de la voz de un niño pequeño que divisa de nuevo la luna en el cielo: «¡Ah, ahí está la luna!».
Chen Yi (1953) es una compositora china cuya música se caracteriza por la mezcla de las tradiciones de su país con la composición occidental. Su música suele ser orquestal, de cámara, coral y para piano, y ha sido interpretada en muchos países del mundo. Chen Yi nació el 4 de abril de 1953 en Cantón. 'Chen' es el nombre de la familia y 'Yi' es su nombre de pila; sin embargo, continuó usando su nombre en el orden que se suele usar en China aun viviendo en Estados Unidos. Sus padres fueron doctores, adherentes a la fe cristiana y también estaban interesados en la cultura y música occidental. Es por esto que desde temprana edad comenzó a recibir lecciones de violín y piano, así como sus hermanos, quienes también tienen carreras de músicos. Comenzó a estudiar piano con Li Su-xin y violín con Zheng Ri-hua a la edad de 3 años. Poco después comenzó a estudiar composición con Wu Zu-gian en el Conservatorio Central de Beijing de 1978 a 1986. También estudió composición con Chou Wen-chung y Mario Davidovsky en la Universidad de Columbia de 1986 a 1993, donde obtuvo su doctorado. Ha recibido doctorados honorarios del Conservatorio de Música de la Universidad de Lawrence en Appleton, Wisconsin en 2002, del Conservatorio de Música Baldwin Wallace en Berea (Ohio) en 2008, en la Universidad de Portland en 2009 y de La Nueva Escuela en Nueva York en el 2010.
Chen fue nombrada concertino de la compañía de ópera de Cantón a partir de que Jiang Qing, la tercera esposa de Mao, decretó que los instrumentos occidentales fueran añadidos a las orquestas de ópera tradicionales de China. Debido a esto, aprendió a tocar una variedad de instrumentos chinos durante esta época, y hubo mayor libertad creativa para componer. Asimismo también comenzó a investigar la música tradicional china al mismo tiempo que aprendía teoría musical occidental con Zheng Zhong. En 1977 el Conservatorio Central de Música de Beijing reabrió sus puertas, y Chen fue admitida como estudiante de composición, recibiendo su título en 1982. Chen fue la primera mujer en China en realizar una maestría en composición y su música fue presentada por televisión. En esta época viajó a Nueva York para estudiar composición en la Universidad de Columbia. Chen ya era una compositora prolífica en ese entonces, y obtuvo críticas positivas de sus obras. Cada vez que podía, aceptaba nuevas comisiones y escribía música en cada momento de concentración, ya fuera en vuelos de avión o en el vestíbulo del hotel. Algunas de sus obras, como su Concierto para piano de 1992 fue interpretada por la Orquesta Filarmónica de Brooklyn y otras orquestas importantes.
“Feng” (Viento) es una obra para quinteto de viento de Chen Yi que refleja muy bien su estilo característico: la integración de tradiciones musicales chinas con técnicas contemporáneas occidentales. Existen varias obras breves de Chen Yi con nombres naturales (Shan, Shui, Feng, etc.), en las que explora imágenes sonoras vinculadas a la naturaleza china. Para Chen Yi el viento simboliza movimiento y transformación, energía vital y la relación entre naturaleza y expresión humana; por eso, esta composición combina libertad, fluidez y un carácter casi improvisatorio.
La obra utiliza gestos musicales que evocan diferentes tipos de viento: Texturas rápidas y cambiantes, figuras ascendentes y descendentes en patrones irregulares, uso de articulaciones que sugieren movimientos del aire (trinos, glissandi, efectos de fricción o aire sin tono dependiendo del instrumento), escalas y modos pentatónicos estilizados. “Feng” suele presentar pulsos internos flexibles, secciones contrastantes entre momentos muy dinámicos y otros más etéreos y superposición de patrones rítmicos que crean sensación de turbulencia; todo ello con el timbre como protagonista con el que explora distintos contrastes entre sonidos “duros” y “suaves” y capas tímbricas que cambian como ráfagas de viento.
Hoy nos lo ofrece el quinteto de viento Pan Pacific Ensemble, conjunto especializado en música contemporánea con un enfoque intercultural entre Asia y América, presentando y promoviendo música de compositores asiáticos y asiático-americanos.
Sugerencias de música para todos los gustos
Alice Coltrane (de soltera Alice McLeod, 1937 - 2007) fue una compositora, pianista, organista, arpista, y cantante estadounidense de jazz, una de las pocas personas que han empleado el arpa como integrante de bandas de jazz. Alice nació en Detroit, Míchigan, en una familia interesada en la música; su madre fue coralista de iglesia y su medio hermano, Ernest Farrow, se convirtió en un bajista de jazz. Motivada por su padre, Alice empezó a tocar el órgano en la Iglesia Bautista Mount Olive y posteriormente en clubes de Detroit. Su interés en la música de góspel, clásica y jazz la llevó a la creación de su propio estilo innovador, llevándola de un estilo común de jazz hacia una visión más cósmica y espiritual. En 1965 se casó con John Coltrane formando parte de su cuarteto.
Seeed (1998) Es una banda alemana de Reggae compuesta por tres cantantes, ocho instrumentistas y un DJ, que emplean un amplio abanico de instrumentos en sus composiciones. Sus influencias pasan desde el reggae hasta el rap y el hip hop, abarcando varios estilos. En 2001 publican su primer álbum que les vale para popularizarse en los medios alemanes; en 2003 lanzan su segundo álbum con una versión para el público alemán y una segunda versión para el consumo extranjero. Desde entonces ha obtenido 5 discos de oro, ha sido galardonado con importantes premios y ha intervenido en renombrados festivales nacionales e internacionales.
Elissa (1972) nacida en Líbano de padre libanés y madre siria, es una de las cantantes árabes más reconocidas. Comenzó su carrera a los 20 años ganando la medalla de plata del concurso libanés LBC; después, en 1998, lanzó el sencillo Baddi Doub, música árabe fusionada con flamenco, cuyo éxito le llevó a participar en el Festival de Cannes del 2000. Ha recibido importantes reconocimientos en Hollywood, Londres y en el mundo árabe.
José Manuel Figueroa (1951-2015), conocido como Joan Sebastian, o el Rey del Jaripeo, fue un cantante y compositor mexicano. A lo largo de su carrera musical fue acreedor de cinco premios Grammy y siete premios Grammy Latinos convirtiéndolo, hasta el año 2015, en el mexicano con más premios de este tipo. Tras múltiples decepciones actuando con su nombre de nacimiento, decidió cambiarlo. El debut de Joan Sebastian, fue con el sencillo «El camino del amor»; el segundo sencillo, «Sembrador de amor», un grupo argentino lo interpretó en el Campeonato Mundial de Fútbol de 1978. En 2002 publicó «Lo dijo el corazón» y ganó sus primeros premios Grammy. Se le concedió el Premio ASCAP (Sociedad de Compositores de Estados Unidos) en 2002 y 2003 como compositor del año.
Sugerencias de videos peculiares
Antón Arenski (1861–1906) fue un compositor romántico ruso y profesor de música. Su padre y su madre se trasladaron a San Petersburgo en 1879, donde estudió composición en el Conservatorio de San Petersburgo, como alumno de Rimski-Kórsakov. Después de graduarse en 1882 se hizo profesor en el Conservatorio de Moscú. Entre sus alumnos estuvieron Skriabin y Rajmáninov. En 1895 Arenski regresó a San Petersburgo como director del Coro Imperial, habiendo sido recomendado por Balákirev. Se retiró en 1901, empleando su tiempo como pianista, director de orquesta y compositor. Arenski murió de tuberculosis en un sanatorio finés en 1906. Se alega que la bebida y las apuestas destrozaron su salud.
Cléopâtre es un ballet en un acto con coreografía de Mikhail Fokine y música de Anton Arensky basado en el ballet anterior de los mismos autores, Les Nuits égyptiennes. La escenografía y el vestuario fueron creados por Léon Baskt y la primera producción se inauguró en el Théâtre du Châtelet de París el 2 de junio de 1909.
Las danzas de la India son reconocidas hoy día como una de las principales herencias artísticas del mundo entero. El arte de la danza, en la India, comprende un conjunto tal de medios de expresión, de ritmo, de belleza, de poesía, de música, de drama y de color que puede decirse que es el más completo y el más atractivo de las artes que la India ha legado al mundo. La leyenda dice que el dios Brahma fue el primero en concebir la idea de la danza, cuya función era no solamente divertir la vista, sino también elevar el espíritu. La leyenda tiene su sentido, porque indica el carácter serio e importante adoptado por la India respecto a la danza, que allí se considera bajo un aspecto intelectual, filosófico, moral y religioso. La danza se ha desarrollado en este país en torno a los templos para ser elevada al valor de un rito esencial. (Juan Roger Rivier)
La Quadriglia Lucana es un baile tradicional del Sur de Italia, específicamente de la región de Basilicata (también llamada Lucania), que forma parte del amplio conjunto de danze popolari italianas que se transmiten de generación en generación y suelen bailarse en fiestas patronales, bodas y celebraciones rurales. El baile como tal, proviene de la región de Basilicata, una zona con fuerte tradición campesina y es una variante local de la quadriglia europea (quadrille), un baile de salón del siglo XIX que en varios pueblos se transformó en danza popular. En Basilicata adoptó características propias, tanto en música como en pasos, volviéndose más dinámica y festiva.
Se baila en parejas, formando figuras coreográficas grupales (cuadrados, círculos, cambios de pareja, cruces) e incluye una serie de “figuras” anunciadas o guiadas por un capoballo o líder. Es habitual, además, que el baile tenga varias secciones que combinan pasos rápidos, giros y desplazamientos; la música de la Quadriglia Lucana suele ser alegre y rítmica. En algunos pueblos, la quadriglia se mezcla con ritmos de tarantela lucana, lo que la hace más vivaz. En cuanto a la vestimenta, no existe un traje único, pero en representaciones folclóricas las mujeres suelen llevar faldas largas y coloridas, delantal y pañuelos, mientras los hombres van con pantalones oscuros, chaleco y camisa blanca.
El Festival Internacional Cervantino (FIC), popularmente conocido como «El Cervantino», se realiza desde 1972 en la ciudad de Guanajuato, en la región del Bajío mexicano. El festival nació a mediados del siglo XX cuando aún se representaban en las plazas de diversas ciudades guanajuatenses los entremeses de Miguel de Cervantes, llevados a escena por el maestro Enrique Ruelas Espinosa. En la década de 1970 se añadieron más actividades artísticas a las representaciones tradicionales para reforzar la dimensión internacional del festival. Desde entonces ha crecido hasta convertirse en uno de los cuatro mayores festivales de su género en el mundo.
El Elenco Nacional de Folclore del Perú nos ofrece hoy algunas de las piezas más representativas de la música y danza del Perú dentro de esta muestra de folklore internacional celebrada en México.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia e informaciones puntuales de la Inteligencia Artificial.
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