El día 14 de Abril de 1931 se proclamó la segunda República española
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Himno de Riego es la denominación que recibe el himno que cantaba la columna volante del teniente coronel Rafael del Riego tras la insurrección de éste contra el rey de España Fernando VII el 1 de enero de 1820 en Las Cabezas de San Juan (provincia de Sevilla), cuyo texto es de Evaristo Fernández de San Miguel y música de autor desconocido, aunque alguna versión le atribuye autoría a José Melchor Gomis. Fue utilizado como Himno nacional de España durante el Trienio Liberal (1820-1823), la Primera República (1873-1874) y la Segunda República (1931-1939), que incluso en el exilio mantuvo su uso hasta su propia disolución.
Musicalmente, el himno se inscribe en la estética de los cantos militares y patrióticos de la época, similar a las marchas revolucionarias francesas (como La Marseillaise), pero con un carácter más melódico y menos marcial. La versión que hoy presentamos, nos la ofrece la Orquesta Internacional de Praga.
Thomas Arne (1710-1778) fue un compositor inglés, conocido sobre todo por su canción patriótica Rule Britannia, parte de un aria de su ópera Alfred, y por las adaptaciones musicales para las puestas en escena de William Shakespeare. Nació en el área de Covent Garden de Londres, en el seno de una familia que había prosperado gracias al negocio de la tapicería. Estudió en Eton College y desde su más temprana juventud ya estaba interesado por la música. Una reunión con Michael Festing le dio la oportunidad de complacer su interés, aunque su padre todavía quisiera hacer de él un abogado. Su hermana, Susannah, era una famosa contralto que participó en alguna de sus obras, incluida su primera ópera, Rosamund, compuesta en 1733. Las óperas y las mascaradas de Arne llegaron a ser muy populares, y recibieron incluso el mecenazgo de Federico Luis de Hannover, en cuya casa, Cliveden House, compuso Rule Britannia. La mayor parte de la obra de Arne es de orden lírico; sus sinfonías, oberturas, conciertos para órgano, etc. son en general adaptaciones de sus más de 90 óperas y mascaradas. Buena parte de dicha obra está perdida, quemada durante el incendio del teatro de Covent Garden de 1808.
Artaxerxes es una òpera de Arne especialmente notable porque fue una de las primeras óperas serias en estilo italiano escritas y representadas en inglés. Hasta entonces, en Inglaterra predominaban las óperas italianas o los ballets y mascaradas. Arne consiguió unir la forma italiana con una sensibilidad británica, tanto en la declamación como en la melodía. Su libreto es una adaptación inglesa de la ópera Artaserse de Pietro Metastasio. Su estreno se efectuó el 2 de febrero de 1762, en el Theatre Royal, Covent Garden (Londres).
En cuanto al aria que hoy presentamos, “The Soldier tir’d of War’s Alarms”, se trata del aria más famosa de la ópera y, probablemente, la más conocida de toda la obra de Arne. La canta el personaje Mandane, hija del rey Artaxerxes, en el acto III. Es un aria de bravura, escrita en un estilo virtuosístico que exige un control total de la voz y que hoy nos la ofrece la australiana Joan Sutherland, sobresaliente soprano lìrica de coloratura.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo (Austria), a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer, con lo que su padre, Leopold, le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor prolífico (más de 600 obras escritas desde sus cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales: obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Falleció en Viena a los 35 años.
El piano es un instrumento musical armónico clasificado como instrumento de cuerda percutida; está compuesto por una caja de resonancia a la que se ha agregado un teclado mediante el cual se percuten las cuerdas de acero con martillos forrados de fieltro, produciendo el sonido. Fue inventado en torno al año 1700 por el paduano Bartolomeo Cristofori. La palabra piano deriva de la palabra original en italiano del instrumento, pianoforte (piano: «suave» y forte: «fuerte»); esto se refiere a la capacidad del piano para producir sonidos con diferentes intensidades, dependiendo del peso que se le aplica a las teclas. Esta característica lo diferenciaba de sus predecesores como la cítara, el monocordio, el dulcémele, el clavicordio y el clavecín que sòlo podían producir un único volumen.
Marcha turca de Mozart es así conocida popularmente el tercer y último movimiento (“Rondò Alla Turca: Allegretto”) de la sonata para piano nº 11. Su música imita el sonido de las bandas turcas de Jenízaros, música que estaba muy de moda en la época. Es éste uno de los trabajos más escuchados de Mozart y uno de los más versionados; en esta ocasión, lo presentamos en interpretación de la pianista canadiense Marnie Laird.
Antonín Dvořák (1841-1904) nacido en Nelahozeves, entonces Bohemia y ahora Chequia, está considerado como uno de los grandes maestros de la segunda mitad del siglo XIX y principal representante del nacionalismo checo. En 1847 ingresó en la escuela primaria de su pueblo, donde recibió las primeras enseñanzas musicales. Durante la década de 1860 tocó la viola en la Orquesta del Teatro Provisional Bohemio, dirigida a partir de 1866 por Bedřich Smetana. En 1873 fue exaltado con todo tipo de importantes galardones internacionales por su colección de Danzas eslavas. A lo largo de su vida escribió abundante música vocal, de cámara, sinfónica y operística. Su Sinfonía del Nuevo Mundo es una obra archiconocida y sus temas han sido ampliamente utilizados por la música popular.
Song My Mother Taught Me (" Canciones que me enseñó mi madre ") es una canción para voz y piano escrita en 1880 por Antonín Dvořák . Es la cuarta de siete canciones de su ciclo Gypsy Songs, ciclo de canciones gitanas ambientadas con poemas de Adolf Heyduk tanto en checo como en alemán . Esta canción en particular ha alcanzado una gran fama y ha sido grabada por varios cantantes muy relevantes como Victoria de los Ángeles , Joan Sutherland , Paul Robeson , Frederica von Stade, Edita Gruberová , Angela Gheorghiu , Magdalena Kožená o Renée Fleming. La canción ha sido, además, transcrita a distintas combinaciones instrumentales, como en la presente ocasión en la que nos la ofrece Tanja Sonc al violín acompañada al piano por Božena Hrup.
Sugerencias de música clásica
Domenico Cimarosa (1749-1801) fue un compositor italiano nacido cerca de Nápoles. De niño, ingresó en el Instituto Musical de Santa María de Loreto donde permaneció durante once años. A los 23 años presentó su primera obra, una ópera bufa titulada Le Stravaganze del Conte, que tuvo una merecida aceptación: tras ella vinieron otros trabajos similares que le llevaron a residir en Roma, Nápoles y Florencia donde compone óperas cómicas y serias, cantatas y composiciones sacras. En 1787 la emperatriz Catalina II le invita a San Petersburgo, donde escribe numerosas obras cortas. Por invitación de Leopoldo II, se traslada a Viena donde escribe su obra maestra, la ópera bufa Il Matrimonio segreto y otras obras más, todas ellas celebradas con gran éxito. Falleció en la capital austríaca en 1801.
El Concierto para dos flautas de Domenico Cimarosa es una pieza del estilo clásico tardío, ejemplo representativo del clasicismo italiano, con influencia de Haydn y comienzos de Mozart. La obra combina claridad formal, diálogo equilibrado entre los solistas y una fuerte vena melódica operística, algo habitual en los compositores de ópera de la época.
Estructura. El Concierto está articulado en tres movimientos, siguiendo el esquema típico del concierto clásico: I (0`28``) ALLEGRO. Movimiento de carácter brillante, ligero y enérgico, escrito en forma sonata clásica (exposición – desarrollo – reexposición), donde las dos flautas dialogan constantemente, alternando pasajes imitativos y paralelos y la orquesta mantiene un papel .-. II (11`40``) LARGO / ADAGIO. De carácter expresivo y cantabile, en contraste con la vivacidad del primer movimiento, y escrito en forma de lied ternario (A–B–A), en el que las flautas se entrelazan en frases largas y ornamentadas enfatizando el lirismo y el balance entre ambas voces solistas .-. III (15`30``) RONDO – ALLEGRO / ALLEGRETTO. De carácter alegre, danzante y lleno de vitalidad, su forma es de rondo clásico (A–B–A–C–A) con un tema principal muy pegadizo asentado en repeticiones y variaciones, mientras las flautas alternan protagonismo y realizan juegos imitativos. Su cierre vivaz refleja el estilo teatral y ligero típico de Cimarosa.
Hoy nos lo ofrecen las flautistas Jo Conquest y Jane Bevan acompañadas por el Helix Ensemble.
Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido el 16 de diciembre de 1770 en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó exhibirle como un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde pudo estudiar con Haydn y Salieri. Sin embargo su profesión de excelente pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad.
El catálogo de la obras de Beethoven. Existen 138 obras musicales compuestas por Beethoven, ordenadas por números conocidos como opus (“obra” en latín) o su abreviatura op., asignados por los editores del compositor mientras él vivía. Al margen, existen otras 205 obras que no tienen número de opus y que se publicaron después de la muerte del compositor. A estas obras se les asignaron números WoO (Werke ohne Opuszahl, "obras sin número de opus"). Este catálogo fue realizado por primera vez por Georg Kinsky y Hans Halm (Das Werk Beethovens) en 1955.
El legado musical de Beethoven comprende 32 sonatas para piano, numerosas obras para conjuntos de cámara, conciertos para piano y violín, música incidental, música sacra y, sobre todo, nueve sinfonías que ocupan el cénit de la Historia de la Música. Este legado, para entenderlo mejor, lo podemos dividir en tres etapas de continua renovación y superación: A) Hasta 1802. Clasicismo. A él pertenecen sus primeras diez sonatas para piano, primeros seis cuartetos de cuerda, el septeto, las dos primeras sinfonías o los dos primeros conciertos de piano. B) 1803-1814. Romanticismo. En plena madurez artística y con un control absoluto de la estructura formal y del lirismo compone las sinfonías desde la 3ª a la 8ª, su ópera Fidelio sus conciertos para piano 3º, 4º y 5º, el concierto para violín, el triple concierto, las sonatas para piano “Claro de luna”, “Appasionata”, la Sonata para violín Kreutzer, … C) 1815 hasta su muerte. Innovación de un lenguaje más intenso con tratamientos armónicos y estructurales más atrevidos: cinco últimas sonatas para piano y cinco últimos cuartetos de cuerda, Sinfonía nº 9 con la incorporación de solistas y coro, Misa Solemnis …
El Trío para piano en si bemol mayor , Op . 97, de Ludwig van Beethoven, es un trío para piano compuesto en 1811, una de las obras cumbre del repertorio camerístico del compositor y un punto culminante del clasicismo vienés en transición hacia el romanticismo. Se le conoce comúnmente como el Trío del Archiduque , ya que fue dedicado al archiduque Rodolfo de Austria , el menor de los doce hijos de Leopoldo II, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico . Rodolfo era pianista aficionado, mecenas, amigo y alumno de composición de Beethoven, a quien le dedicó alrededor de una docena de composiciones. El Trío Archiduque fue escrito al final del llamado "período medio" de Beethoven; esbozó el borrador en el verano de 1810 y lo completó en marzo de 1811.
Estructura. Sigue la escritura tradicional de cuatro movimientos, aunque, otorga mayor protagonismo al piano que en composiciones anteriores. I (0`12``) ALLEGRO MODERATO. Este primer movimiento está en la tonalidad principal de Si bemol mayor y en forma de sonata. Los dos primeros compases presentan un motivo de cinco notas que se utiliza a lo largo del trío en diversas formas alteradas. El tema principal permanece en piano hasta la coda, donde regresa con indicación de fortissimo .-. II (13`44``) SCHERZO (ALLEGRO). También en la tonalidad principal de Si bemol mayor, el segundo movimiento consta de un scherzo rápido y un trío, en lugar del tradicional movimiento lento. La tríada utilizada como material motívico en el primer movimiento se presenta aquí como escalas en el segundo .-. III (24`38``) ANDANTE CANTABILE, MA PERÒ CON MOTO. El tercer movimiento está en la tonalidad de Re mayor , sigue la forma de variaciones y se aborda attacca al movimiento final. Ha habido cierto debate sobre el tempo específico que Beethoven pretendía, así como sobre la autenticidad de la inclusión del «con moto» en la partitura .-. IV (38` 23`) ALLEGRO MODERATO. Este movimiento final está en la tonalidad principal de Si bemol mayor y emplea una interpretación libre de la estructura de la forma rondó-sonata: A B A' B A' (Coda). Las similitudes rítmicas entre los cuatro movimientos culminan aquí, donde Beethoven acorta progresivamente los valores rítmicos antes de las líneas divisorias. Durante la extensa Coda, se produce una variación tonal que llega hasta La mayor y Mi bemol mayor, para luego regresar a Si bemol mayor al final. El propio Beethoven indicó durante un ensayo de la pieza que no debía interpretarse con suavidad, sino con mucha energía y fuerza.
Hoy nos lo ofrece el Trío Grier conformado por Savitri Grier (violín), Indira Grier (violonchelo) y Francis Grier (piano).
Giovanni Battista Viotti, (1755 –1824) fue un violinista, compositor y pedagogo italiano. Hijo de un instrumentista, Viotti tomó sus primeras clases al lado de su padre, quien se desarrolló en la trompa. Apreciado desde muy joven como violinista, fue acogido bajo la protección de los príncipes Dal Pozo della Cisterna que procuraron que estudiara con Antonio Celoniat. En 1782 fue nombrado solista de la Corte de María Antonieta; pasó más tarde a dedicarse a la enseñanza, la composición y la organización de conciertos y en 1794 es nombrado director artístico y director de orquesta en el King’s Theatre de Londres; cuatro años más tarde regresó a París, y tres años después volvió a Londres donde murió en 1824. Durante los 20 últimos años del siglo XVIII fue considerado como el mejor violinista de Europa; como compositor, fue un defensor de la tradición instrumental italiana de la época rococó, pero abierto al romanticismo.
La Marsellesa (“La Marseillaise”) es oficialmente, desde el 14 de julio de 1795, el himno nacional de Francia. El himno, titulado en principio Chant de guerre pour l'armée du Rhin («Canto de guerra para el ejército del Rin»), fue escrito en 1792 por Claude Joseph Rouget de Lisle, capitán de ingenieros de la guarnición de Estrasburgo, como un canto patriótico de la Francia revolucionaria en su guerra contra Austria. Los parisinos lo acogieron con gran entusiasmo y lo bautizaron como La Marsellesa. Fue prohibido durante el Imperio y la Restauración y volvió a oficializarse en la III República. Durante 1940-1945 fue nuevamente prohibido, y su canto era considerado como un símbolo de resistencia a la ocupación alemana y al régimen colaboracionista de Vichy.
Hoy ofrecemos el Tema e variazioni in Do maggiore de Viotti que es un conjunto de tema y variaciones sobre La Marsellesa en interpretación de la Camerata Ducale con el maestro Guido Rimonda como solista y director.
Unsuk Chin (Seúl, 14 de julio de 1961) es una compositora surcoreana de música clásica occidental, que vive en Berlín. Estudió composición en la Universidad Nacional de Seúl con Sukhi Kang y luego en Hamburgo con György Ligeti. La enseñanza de Ligeti ha contribuido fuertemente a la definición de su propio estilo, más que la influencia coreana. Siendo aún estudiante de Ligeti, recibió el premio en 1985 de la Competición Internacional Gaudeamus para compositoras/es. Emplea los instrumentos tradicionales así como los electrónicos en sus obras. Según sus propias palabras, "el virtuosismo [la] fascina", es lo que explica la dificultad demoníaca de su concierto para violín, por el que ganó un premio Grawemeyer en 2004, y de su doble concierto para piano, percusión, y conjunto de 2002. Su pieza más conocida, Akrostichon-Wortspiel, para soprano y conjunto (1991/1993), es una ilustración ideal de su estilo, hecho de un refinamiento instrumental y vocal muy exagerada, pero al mismo tiempo lúdica y accesible. La pieza evoca, a partir de un texto hecho de onomatopeyas, el mundo de la infancia.
La ópera Alice in Wonderland de Unsuk Chin es una de las obras más notables y ambiciosas de la compositora surcoreana, y representa una fusión brillante entre la literatura fantástica, el humor absurdo y la experimentación sonora contemporánea. Es una ópera de colores orquestales exuberantes, con elementos electrónicos, humor surrealista y estructuras polifónicas complejas. Chin evita una narración lineal: la obra no sigue fielmente la trama original, sino que fragmenta y reinterpreta episodios emblemáticos (el Conejo Blanco, el Sombrerero Loco, la Reina de Corazones, etc.) en una especie de “sueño musical”. La música combina virtuosismo vocal extremo (especialmente para la soprano que interpreta a Alicia) con efectos tímbricos extravagantes, inspirados tanto en el mundo infantil como en el absurdo lógico de Carroll ; más que contar la historia, la ópera busca recrear la sensación de extrañeza, curiosidad y desorientación del universo de Carroll. Alicia se enfrenta a un mundo donde las reglas del lenguaje, la lógica y la identidad se disuelven ; Chin explora este caos mediante una música que cambia de estilo y textura con rapidez, a veces casi cinematográficamente. El resultado es una experiencia sensorial intensa y onírica, más cercana a un “viaje sonoro” que a una narrativa tradicional.
Alicia en el país de las maravillas (Alice in Wonderland), fue estrenada el 30 de junio de 2007 en la Ópera Estatal de Baviera bajo la dirección de Kent Nagano, que es también el maestro conductor del video que hoy presentamos.
Sugerencias de música para todos los gustos
June Christy (1925-1990), fue una cantante estadounidense de jazz. Se dio a conocer como cantante de la Stan Kenton Orchestra, antes de iniciar en 1954 una exitosa carrera en solitario que la llevó a ser reconocida como la voz más representativa del Cool Jazz de los años cincuenta. Se trasladó a Chicago a comienzos de los años cuarenta, donde se unió como vocalista a un grupo liderado por Boyd Raeburn. En 1945 entró a formar parte de la orquesta de Stan Kenton. Cuando la orquesta de Kenton se disolvió en 1948, Christy trabajó en el circuito de nightclubs hasta reunirse de nuevo con Kenton en 1950. A partir de 1972 comenzó a participar en más festivales de jazz. En 1977 grabó su último álbum, Impromptu y en 1988, su última actuación, compartiendo escenario con Chet Baker.
Urtz es un grupo musical de rock vasco creado en 1988 en Pasajes (Gipuzkoa) que toca temas de rock pop y heavy metal. Ekaitzaren garrasia ("El grito de la tormenta") fue su primer disco publicado en 1992, trabajo del cual consiguieron un gran éxito y se convirtió en un clásico del rock vasco. Hautsa astinduz fue publicado el 1994 y también fue un éxito con la canción Kaixo! que se convirtió en la canción más emblemática del grupo. El disco Hain urrun apareció en 1996 y Lur gazian ametsak ereinez, en 1998; pero no tuvieron tanta fama como los anteriores. Aingeru (2001) fue el quinto, cambiando la casa discográfica y varios miembros del equipo se sumergieron más en las aguas pop. El equipo se disuelve en octubre de 2003, aunque en 2013 Urtz vuelve a los escenarios y en 2020 publica el disco Bizitzarekin dantzan recopilatorio de toda su trayectoria música y en 2024, el disco que hoy ofrecemos, Esnatzean.
Beyoncé (1981) Es una actriz, compositora y cantante estadounidense que se hizo famosa como cantante del grupo femenino Destiny's Child que fue uno de los grupos femeninos de la historia que más discos ha vendido. Tras separase del grupo, comienza una nueva etapa en la que se autodenomina feminista contemporánea. Como cantante solista hizo su debut con el álbum titulado Dangerously in Love por su canción homónima con el que ganó cinco premios Grammy. En 2010 su tercer álbum I Am...Sasha Fierce, que hoy ofrecemos, recibe seis premios Grammy. En 2016 su álbum es el más vendido en todo el mundo. A lo largo de su carrera de 20 años ha conseguido 24 premios Grammy y actualmente está considerada como una de las mejores cantantes de música popular.
Ay Carmela es una canción compuesta originalmente a inicios del siglo XIX e interpretada por los soldados españoles que lucharon contra la invasión francesa durante la Guerra de la Independencia Española (1808-1814), y que fue recuperada bajo distintos nombres por los soldados del bando republicano como una de las canciones de la Guerra Civil española (1936-1939). La melodía también fue utilizada por el bando franquista, concretamente por los falangistas y requetés bajo el nombre de «Por el río Nervión».
Sugerencias de videos peculiares
Il Giardino degli Amanti. Se trata de una suite creada por el coreógrafo romano Massimiliano Volpini para el Teatro alla Scala de Milán con fracciones de composiciones de Mozart, concretamente una selección de cuartetos, quintetos y otros ensambles de cámara. La obra se ambienta en un jardín de una villa barroca. Allí una orquesta de cámara interpreta la música de Mozart mientras se desarrolla una especie de escena onírica, donde los personajes de las óperas de Mozart se mezclan con dos “visitantes” (un hombre y una mujer) que se pierden, se encuentran y se transforman. La coreografía pretende “hacer algo nuevo” no inventando pasos completamente inéditos, sino presentando el lenguaje clásico mediante una puesta en escena diferente.
Roberto Bolle (1975) es un bailarín italiano de ballet clásico que ha actuado con las compañías de ballet más renombradas del mundo. En 2003 recibió el título de étoile del Teatro de La Scala y en 2009 principal dancer del American Ballet Theatre. Así mismo, Nicoletta Manni (1991) es la primera bailarina del Ballet del Teatro La Scala.
Bollywood es el nombre empleado para la industria cinematográfica en idioma hindi, ubicada en Bombay, la ciudad más poblada de la India. El término, acuñado en la década de 1970, proviene de un juego de palabras entre «Bombay» y «Hollywood», el centro de la industria cinematográfica de USA. El conjunto formado por Bollywood y las filmaciones en lenguas como maratí, tamil, telugu, bengalí, canarés (kannada) y malayalam, constituyen el núcleo de la industria fílmica de la India, en la que Bollywood es una pieza fundamental.
La característica más representativa de las películas de Bollywood son sus escenas musicales; por lo general, en cada película se incluyen cantos y danzas típicas del país, mezcladas con curiosas coreografías del pop occidental. Hoy ofrecemos una serie de estas escenas. 00:00 Daiya Daiya Re; 04:35 Chamma Chamma; 07:22 Lat Lag Gayee; 11:17 Husnn Hai Suhaana; 15:14 Dhating Naach; 17:36 Dekha Jo Tujhe Yaar; 21:15 Khwab Dekhe; 24:11 Ishq Kameena; 29:34 Ishq Di Galli Vich; 33:21 Chamma Chamma; 39:11 Ramta Jogi; 44:48 Rangeela Re; 50:16 Gore Gore Mukhde Pe; 52:36 UP Wala Thumka; 57:09 Zara Zara Touch Me; 01:01:04 Aashiqui Mein Teri.
La Bourrée à deux temps es una danza tradicional francesa de ritmo vivo y carácter popular que tiene sus raíces en las regiones del centro y suroeste de Francia, especialmente en el Auvergne, aunque también se encuentra en el Berry, Limousin y Bourbonnais. La bourrée apareció hacia los siglos XVI y XVII, y originalmente era una danza campesina. Con el tiempo, fue adoptada por la nobleza y llegó incluso a los salones cortesanos (por ejemplo, Jean-Baptiste Lully compuso bourrées para la corte de Luis XIV). Existen varias formas, pero la Bourrée à deux temps (de dos tiempos) y la Bourrée à trois temps (de tres tiempos) son las más conocidas.
La Bourrée à deux temps se baila en compás binario (2/4 o 2/2). El ritmo es vivo y saltarín, con un acento particular en el segundo tiempo. Suele tener una entrada levantada (levantando el pie antes de empezar el compás), lo que le da su carácter ligero y enérgico. Tradicionalmente se baila en pareja, a veces en círculo o en línea. Los pasos básicos incluyen desplazamientos cortos y saltos ligeros, con un contacto visual constante entre los bailarines. Los movimientos son precisos pero alegres, con un aire de juego y coquetería. En las fiestas tradicionales, se interpreta con instrumentos como la cornamusa (cabrette), el violín, el acordeón diatónico o la vielle à roue (zanfona).
Ballet Folklórico Nacional Argentino. Es una compañía de danzas folklóricas argentinas, con sede en Buenos Aires, creada en 1990 y compuesta por 40 bailarinas y bailarines a cuyo servicio funciona un equipo técnico de especialistas en vestuario, iluminación y sonido. Su objetivo, la realización de coreografías y escenografías de leyendas y costumbres de las distintas regiones argentinas.
El Festival Nacional de Folclore de Cosquín es el festival de folklore más importante de Argentina; se celebra en la ciudad de Cosquín, provincia de Córdoba, en la última semana de Enero durante nueve noches seguidas, a la par que la novena de la Virgen del Rosario, patrona de la ciudad.
Hoy ofrecemos la gala celebrada en 2016.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia e informaciones puntuales de la Inteligencia Artificial.
Los textos de Videomusicalis están realizados en euskera, castellano e inglés.
