El 26 de Abril de 1937 aviones fascistas bombardean el pueblo indefenso de Gernika
El 1 de Mayo se celebra el Día Internacional de l@s trabajadores/as
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Pablo Sorozábal (1897-1988) nació en Donostia/San Sebastián, según sus propias memorias, “en el seno de una familia proletaria y euskaldun”. Comenzó sus estudios de violín en la Academia Municipal de Música de San Sebastián; a los 17 años entra a formar parte de la Orquesta del Casino de San Sebastián y a los 21, de la Filarmónica de Madrid. Becado por la Diputación de Gipuzkoa complementa sus estudios en Leipzig y Berlín. Debido a sus ideas republicanas, tras la Guerra civil, estuvo aislado como compositor con lo que le costaba estrenar en Madrid las distintas zarzuelas que compuso. Como director de la Orquesta Sinfónica de Madrid terminó de malos modos en 1952 cuando se le prohibió tocar la Sinfonía Leningrado de Shostakovich, hecho que provocó su dimisión.
El bombardeo de Gernika, ciudad símbolo de los fueros vascos, fue un ataque aéreo sobre la población civil de esta población vasca indefensa. La matanza se realizó el 26 de abril de 1937, por parte de la Legión Cóndor alemana y la Aviación Legionaria italiana, que combatían en favor del bando sublevado contra el Gobierno de la Segunda República española.
En recuerdo a esa matanza, Sorozábal termina en 1976 de reescribir la cantata Gernika, que hoy presentamos, para coro y orquesta con letra de Nemesio Etxaniz; cantata, que es una reelaboración de la Marcha fúnebre Gernika escrita en su momento para un conjunto de txistus y trompas. La versión que hoy ofrecemos está conducida por el maestro argentino Xabier Iñaki de Arza Blanco.
Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido el 16 de diciembre de 1770 en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó exhibirle como un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde pudo estudiar con Haydn y Salieri. Sin embargo su profesión de excelente pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad.
El catálogo de la obras de Beethoven. Existen 138 obras musicales compuestas por Beethoven, ordenadas por números conocidos como opus (“obra” en latín) o su abreviatura op., asignados por los editores del compositor mientras él vivía. Al margen, existen otras 205 obras que no tienen número de opus y que se publicaron después de la muerte del compositor. A estas obras se les asignaron números WoO (Werke ohne Opuszahl, "obras sin número de opus"). Este catálogo fue realizado por primera vez por Georg Kinsky y Hans Halm (Das Werk Beethovens) en 1955.
El Septeto en mi bemol mayor para clarinete , trompa , fagot , violín , viola , violonchelo y contrabajo , Op. 20, de Ludwig van Beethoven , fue esbozado en 1799, completado y estrenado en Viena en 1800 y publicado en 1802. La partitura contiene la anotación: «Der Kaiserin Maria Theresia gewidmet» (Dedicado a la emperatriz María Teresa ). Fue una de las obras más populares de Beethoven durante su vida, para gran consternación del compositor. Varios años después, Beethoven incluso deseó que la partitura fuera destruida, diciendo: «¡Maldita obra! ¡Ojalá la quemaran!». El Septeto fue extremadamente popular especialmente en París, donde se interpretó durante décadas, a menudo más de una vez al año por miembros de la Orquesta de la Société des Concerts du Conservatoire .
Hoy nos lo ofrece el septeto conformado por Janine Jansen (violín), Dana Zemtsov (viola), Jens Peter Maintz (chelo). Stacey Watton (contrabajo), Martin Fröst (clarinete), Jasper de Waal (trompa), Fredrik Ekdahl (fagot).
El Uno de Mayo, también conocido como Día Internacional de los Trabajadores o Día del Trabajo, conmemora la lucha histórica del movimiento obrero por mejores condiciones laborales y recuerda las protestas de los trabajadores en Chicago en 1886, quienes exigían la jornada laboral de 8 horas. Durante esas manifestaciones —especialmente en los sucesos conocidos como los Mártires de Chicago— varios obreros fueron reprimidos, detenidos y ejecutados. A raíz de esto, en 1889 el Congreso Internacional Socialista declaró el 1 de Mayo como día de reivindicación y homenaje al movimiento obrero.
En la actualidad esta fecha simboliza la defensa de los derechos laborales y sociales con unas condiciones dignas de trabajo (salario justo, horas razonables, seguridad laboral), además de la lucha sindical y la solidaridad entre trabajadores.
La Internacional (L'Internationale en francés) es la canción más señera del Movimiento obrero. Se la considera el himno oficial de los trabajadores del mundo entero y de la mayoría de los partidos socialistas y comunistas así como de algunas organizaciones anarquistas. La letra original, en francés, es de Eugène Pottier, y fue escrita en 1871 dentro de su obra Cantos Revolucionarios. En 1888 Pierre de Geyter la musicalizó por encargo Gustave Delory, dirigente del Partido Obrero Francés en la ciudad de Lille (Francia) para el repertorio de la coral del partido la Lira de los Trabajadores (La Lyre des Travailleurs). En 1889 fue adoptada como himno de la Segunda Internacional (ahora, Internacional Socialista) y como himno de la URSS desde su creación en 1922 hasta 1944.
Hoy ofrecemos este documento histórico en el que la Orquesta Sinfónica de la NBC y el Coro de Westminster conducidos por el mítico Arturo Toscanini nos ofrecen el Himno de la Internacional
Richard Galliano (Cannes 1950) es un compositor musical y acordeonista franco-italiano de jazz. Comenzó tocando el piano y el acordeón con su padre, Lucien Galliano, un italiano asentado en Niza. Después amplió sus estudios con el profesor Claude Noël, que le introdujo en el mundo del jazz. Siguió sus estudios musicales en el Conservatorio de Niza, dirigido entonces por el organista Pedro Cochereau. Allí tomó clases de contrapunto, armonía y trombón. En 1983, Astor Piazzolla invita a Richard Galliano como primer solista de bandoneón en una comedia francesa con música del mismo Piazzolla. Este fue el principio de una gran amistad entre los dos músicos, que duró hasta la muerte de Piazzolla en 1992.
El acordeón es un instrumento musical armónico de viento, constituido por un fuelle, un diapasón y dos cajas armónicas de madera. En sus dos extremos el fuelle está cerrado por las cajas de madera. La parte de la mano derecha del acordeón tiene además un diapasón con una disposición de teclas que pueden ser como el de un piano (acordeón a piano) o teclas redondas (también llamadas botones); la parte de la mano izquierda tiene botones en ambos tipos de acordeón para tocar los bajos y los acordes de acompañamiento.
Hoy la acordeonista gipuzkoana Idoia Laburu nos ofrece la pequeña composición de Galiano, Fou rire.
Sugerencias de música clásica
Gregorio Allegri (1582-1652) fue un sacerdote, cantante y compositor italiano; se inició musicalmente como niño soprano en la iglesia de San Luigi dei Francesi de Roma con el maestro di capella Giovanni Bernardino Nanino desde 1591 hasta 1596, año en que su voz mudó. Estudió música con Giovanni Maria Nanino, hermano de Bernardino y amigo de Giovanni Pierluigi da Palestrina. En 1629 ingresó en el Coro de la Capilla Papal, permaneciendo en él hasta su muerte; el cargo le proporcionó prestigio y seguridad económica. Su obra, fundamentalmente compuesta por música sacra, consta de numerosas misas, motetes, lamentaciones, magnificats, concertini para voz solista, etc. Compuso, además, una sonata en cuatro partes para cuerdas considerada prototipo del cuarteto de cuerdas.
Miserere. Su creación más conocida es la música compuesta para el salmo Miserere mei, Deus, realizada hacia 1638. Desde entonces la obra es interpretada regularmente durante la Semana Santa en la Capilla Sixtina. Está escrita para dos coros, uno de cuatro voces y otro de cinco. Uno de los coros canta una versión simple del tema original y el otro coro, a cierta distancia, canta un comentario más elaborado. Es uno de los mejores ejemplos del estilo polifónico del Renacimiento, llamado en el siglo XVII stile antico o prima prattica, y denota las influencias combinadas de la escuela romana (Palestrina) y veneciana (Andrea y Giovanni Gabrieli, el coro doble).
En un principio se impuso la prohibición de ejecutar la obra fuera de la Capilla Sixtina, incluso se amenazaba con la excomunión a quien la copiara, pese a lo cual se hicieron algunas copias. En 1770 Wolfgang Amadeus Mozart, de tan solo 14 años, tras escucharla una sola vez, transcribió la obra al papel de memoria para luego introducir correcciones menores en una segunda ocasión. Este hecho es generalmente recordado como muestra del genio de Mozart, quien incluso fue nombrado Caballero de la Orden de la Espuela de Oro por el Papa cuando se enteró del suceso. La copia de Mozart, que reflejaba las improvisaciones, no ha sido conservada.
Hoy lo ofrecemos en interpretación de The Choir of Clare College de Cambridge conducido por su titular, el maestro Timothy Brown.
Ludwig van Beethoven (1770-1827) junto con Bach y Mozart forma parte del trío de gigantes de la música occidental. Nacido el 16 de diciembre de 1770 en Bonn, su padre, de origen flamenco, intentó exhibirle como un segundo Mozart, aunque fue un notable fracaso. A pesar de ello, a partir de los nueve años el organista Christian Gottlob Neefe, le cautivó con el estudio de Bach a quien siempre le tendría presente. En 1787 se trasladó a Viena con la intención de recibir clases de Mozart, pero el fallecimiento de su madre le devolvió a Bonn a los pocos días. Y así tras cinco años, volvió a Viena donde pudo estudiar con Haydn y Salieri. Sin embargo su profesión de excelente pianista no pudo realizarse debido a la sordera que le atacó al año siguiente hasta dejarle totalmente incapacitado de dicha facultad.
El legado musical de Beethoven comprende 32 sonatas para piano, numerosas obras para conjuntos de cámara, conciertos para piano y violín, música incidental, música sacra y, sobre todo, nueve sinfonías que ocupan el cénit de la Historia de la Música. Este legado, para entenderlo mejor, lo podemos dividir en tres etapas de continua renovación y superación: A) Hasta 1802. Clasicismo. A él pertenecen sus primeras diez sonatas para piano, primeros seis cuartetos de cuerda, el septeto, las dos primeras sinfonías o los dos primeros conciertos de piano. B) 1803-1814. Romanticismo. En plena madurez artística y con un control absoluto de la estructura formal y del lirismo compone las sinfonías desde la 3ª a la 8ª, su ópera Fidelio sus conciertos para piano 3º, 4º y 5º, el concierto para violín, el triple concierto, las sonatas para piano “Claro de luna”, “Appasionata”, la Sonata para violín Kreutzer, … C) 1815 hasta su muerte. Innovación de un lenguaje más intenso con tratamientos armónicos y estructurales más atrevidos: cinco últimas sonatas para piano y cinco últimos cuartetos de cuerda, Sinfonía nº 9 con la incorporación de solistas y coro, Misa Solemnis …
El concierto para piano n.º 5 en Mi bemol mayor, Op. 73, conocido popularmente como «Emperador», fue el último concierto para piano de Beethoven. Fue escrito entre 1809 y 1811 en Viena y está dedicado a Rodolfo de Austria, protector y pupilo de Beethoven. Fue estrenado el 28 de noviembre de 1811 en la Gewandhaus de Leipzig. El sobrenombre de «Emperador» no fue asignado por el propio Beethoven, sino por Johann Baptist Cramer, el editor inglés del concierto.
Estrutura. El concierto está dividido en los tres movimientos tradicionales de los conciertos: I (0´28´´) ALLEGRO. Como en todos los conciertos para piano de Beethoven, el primer movimiento es particularmente largo. En la introducción la orquesta ejecuta tres acordes, seguidos cada uno de ellos por una pequeña cadenza, de naturaleza improvisatoria pero escrita en la partitura. El conjunto está escrito siguiendo la forma sonata, con tres temas, y se inicia con la particular introducción. Los dos primeros temas son introducidos por la orquesta en la exposición, pero al final de la segunda exposición el piano presenta un virtuoso y triunfante tercer tema. La coda del movimiento es particularmente larga y compleja. II (20´46´´) ADAGIO UN POCO MOSSO El segundo movimiento posee un gran lirismo, y es sin duda el más conocido de los tres movimientos. El tema es introducido por la orquesta, a lo que sigue la exposición pianística. El tema se repite en tres ocasiones con distintas variaciones. La coda termina introduciendo, lentamente, el tema principal del tercer movimiento. III (28´03´´) RONDO - ALLEGRO MA NON TROPPO. El tercer movimiento sigue ininterrumpidamente al segundo y es un típico rondó italiano, de la forma (ABACABA). El tema principal es interpretado por el piano y luego respondido por la orquesta. Escalas en el piano introducen el segundo tema, que también es respondido por la orquesta. En la sección C, mucho más larga, se presenta el tema A en tres tonalidades diferentes.
Hoy lo presentamos en versión de la pianista rumana Alina Bercu acompañada por la Orchestra of the University of Music FRANZ LISZT Weimar conducida por el maestro uruguayo Nicolás Pasquet.
Anthony Barfield (1983) es un trombonista y compositor estadounidense, cuyas obras se han interpretado en USA, Europa y Asia, con encargos de organizaciones como la Filarmónica de Nueva York y el Lincoln Center for the Performing Arts ; además, sus obras han merecido ser interpretadas por orquestas como la Sinfónica de Toronto, la Sinfónica de Seattle y la Sinfónica de Kansas City. Como ex trombonista, ha actuado en salas como Carnegie Hall, Avery Fisher Hall, Dizzy's Coca Cola Club, Alice Tully Hall y el Kennedy Center. Anthony tiene títulos en interpretación de trombón de la Juilliard School y la Manhattan School of Music y es profesor en el Conservatorio de Boston en Berklee.
El Bombardino es un instrumento de viento metal que juega el papel de barítono-tenor en las Orquestas de Viento o Bandas de Música; también se le conoce como Eufonio (“dulce sonido”), lo que resalta el carácter de su sonido propio para hacerse cargo de las partes cantábiles que correspondan a la tesitura indicada. El papel que cumple el violonchelo en una orquesta, lo cumple el bombardino en la Banda de Música.
Hoy presentamos el Concierto para Bombardino y Banda de Música, Heritage (obra basada en la cultura antigua de Egipto) de Anthony Barfield estructurado entres Movimientos: I (0´35¨¨) BUILDING THE PYRAMIDS (Construcciòn de las pirámides) .-. II (9´46´´) THE NILE (El Nilo) .-. III (17´12´´) FARAÓN THUTMOSIS III (El Faraòn Tutmosis III).
El concierto está interpretado por la solista Li Jiaye acompañada por la Banda de Música de exalumn@s de la Escuela Secundaria Chenggong conducida por el maestro Chen Gengyu.
Krzysztof Penderecki (1933-2020) fue un compositor y director de orquesta clásico polaco, conocido por su estilo compositivo, específicamente reconocible en sus obras atonales, algunas de las cuales han sido utilizadas para famosas películas. Estudió música en la Academia de Música de Cracovia con Artur Malawski y Stanislaw Wiechowicz. Después de graduarse en 1958, tomó un puesto de enseñanza en la Academia. Las primeras obras de Penderecki muestran la influencia de Igor Stravinski, Anton Webern y Pierre Boulez. Su reconocimiento internacional comenzó en 1959 en el Festival de Otoño de Varsovia con el estreno de la pieza Lamento por las víctimas de Hiroshima.
El Requiem Polaco de Krzysztof Penderecki es una de las obras corales más monumentales y emocionalmente intensas del siglo XX. Es una especie de “Misa de Difuntos nacional”, escrita entre 1980 y 1984 (con añadidos posteriores hasta 1993), en la que el compositor polaco combina el texto litúrgico latino del Réquiem católico con una profunda carga histórica y patriótica. Penderecki, que en sus inicios fue un vanguardista radical, en esta etapa ya había integrado un lenguaje más tonal y expresivo, sin abandonar del todo sus texturas disonantes y clústeres corales característicos. Más que una misa fúnebre religiosa, el Polish Requiem es una obra de memoria colectiva, en la que Penderecki enlaza su fe católica con su conciencia histórica y nacional; representa, pues, una reconciliación entre lo espiritual y lo político, entre la tragedia y la esperanza.
La versión que hoy presentamos està protagonizada por l@s solistas Nomeda Kazlaus (soprano, Lithuania), Agnieszka Rehlis (mezzosoprano, Poland), Adam Zdunikowski (tenor, Poland), Liudas Mikalauskas (bass, Lithuania), con los conjuntos Kaunas State Choir (conductor - Petras Bingelis), State Choir "Vilnius" group of men (conductor - Povilas Gylys) y Lithuanian National Opera and Ballet Theatre, conducid@s tod@s por el maestro polaco Jacek Kaspszyk.
Sugerencias de música para todos los gustos
Amy Winehouse (1983- 2011) fue una cantante y compositora británica, conocida por interpretar diversos géneros musicales, entre los que destacan el jazz, el rhythm and blues, el soul y el ska. En 2003 lanzó su álbum debut Frank, que fue un éxito comercial y llegó a ser nominada a los Premios Mercury. Su segundo álbum, Back to Black, fue publicado en 2006 consiguiendo seis nominaciones a los Premios Grammy, de las cuales ganó cinco. En febrero de 2007 ganó el Brit Award a Mejor Artista Británica, un World Music Award y tres Premios Ivor Novello. Fue encontrada muerta en su apartamento el 23 de julio de 2011, a los 27 años de edad, tras sufrir una intoxicación etílica. En 2012, Winehouse entró en el listado de las «100 mejores mujeres en la música» (puesto 26) de la cadena VH1.
Alessandro Mahmoud (1992), conocido profesionalmente como Mahmood, es un cantautor italiano de origen egipcio-sardo. Llegó a la fama por primera vez después de competir en la sexta temporada de la versión italiana de The X Factor. En 2019, ganó el Sanremo Music Festival con la canción «Soldi», y pasó a representar a Italia en el Festival de la Canción de Eurovisión 2019, llegando al segundo lugar. Su álbum debut, Gioventù bruciata, fue lanzado en febrero de 2019 y debutó en el número uno en la lista de álbumes italianos. Posteriormente, en 2022 ganó nuevamente el Festival de Sanremo con la canción «Brividi», junto al cantante Blanco, y pasó a representar a Italia en el Festival de la Canción de Eurovisión de 2022, quedando esta vez en sexto lugar.
Krisdayanti (1975) es una popular cantante y actriz indonesia. Su carrera como cantante empezó cuando era sólo una niña; con apenas nueve años empezó a entregarse a la música y a los 12 años fue reconocida como una de las artistas más jóvenes del pop de su país. Además de ser uno de los iconos más exitosos en la industria musical indonesia, ha recibido varios premios, tanto dentro como fuera del país. Fue nombrada como un@ de l@s "10 artistas asiátic@s más grandes" por Channel V en 2005. También es una de las "99 mujeres más poderosas de Indonesia" en la edición de octubre de 2007 de la revista Globe Asia y un@ de "Los 50 mejores cantantes de Indonesia de todos los tiempos" en la edición de diciembre de 2010 de Rolling Stone.
Charles Aznavour (1924- 2018), cuyo nombre de nacimiento era Shahnourh Varinag Aznavourián Baghdasarian, fue un cantante, compositor, actor, director, diplomático y poeta francés de origen armenio, apodado El embajador de la chanson. Activo hasta los 94 años, era considerado uno de los cantantes franceses más populares y de carrera más extensa en la historia de la música universal, descrito como el Frank Sinatra francés. A lo largo de su carrera, Charles Aznavour grabará en francés, inglés, alemán, español e italiano; algunos de sus álbumes se han convertido en éxitos de ventas y sus canciones han sido cantadas y grabadas por muchos artistas como Liza Minnelli, Johnny Mathis, Frank Sinatra, Barbra Streisand, Sting, Bob Dylan, Sammy Davis Junior, Édith Piaf, Nana Mouskouri, Céline Dion, Elton John, Julio Iglesias, Dalida, Mireille Mathieu, Raphael, Plácido Domingo, Paul Anka, Compay Segundo, Dean Martin, Ray Charles, Nina Simone, Shirley Bassey, Luis Miguel... etc.
Sugerencias de videos peculiares
Georges Bizet (1836-1875) fue un pianista y compositor francés que en vida no obtuvo demasiados éxitos. Su ópera más conocida, Carmen, alcanzó un sensacional éxito en su estreno que no llegó a disfrutarlo pues murió a los tres meses de un ataque cardíaco a los 39 años. El resto de sus obras fue arrinconado y rescatado poco a poco en el siglo XX. A pesar de ello, en la actualidad está considerado como un compositor brillante e imaginativo.
Rodión Shchedrín (1932) es un pianista y compositor ruso nacido en una familia de músic@s. Fue presidente de la Unión de Compositores de Rusia y reconocido como miembro de la Academia de Artes de Berlín; en 1992 recibió el Premio del Estado Ruso. En 1967 elabora una suite con los temas más relevantes de la ópera Carmen para orquesta de cuerda y amplia percusión con la que Alberto Alonso crea un ballet en un acto.
Carmen, Suite. Hoy podemos visionarla en interpretación del Ballet Nacional de Cuba, compañía fundada el 28 de octubre de 1948 con el nombre de Ballet Alicia Alonso. En 1950 se funda la Academia Nacional de Ballet Alicia Alonso y a partir de ese mismo año Alicia empieza a estrenar sus propias coreografías en la compañía, que en 1955 pasa a llamarse Ballet de Cuba. Cuando se produce el triunfo de la revolución cubana en 1959, la compañía se reorganiza después de un período de inactividad y asume el nombre de Ballet Nacional de Cuba. El 24 de marzo de 1980 la Unesco organiza una Gala Internacional en París en homenaje a Alicia Alonso. En 1993 es creada la Cátedra de Danza Alicia Alonso en la Universidad Complutense de Madrid.
Fur Elise (Para Elisa), bagatela escrita para piano solo, es una de las obras más populares de Beethoven. La partitura se dio a conocer 40 años después de la muerte del maestro, tras encontrarse su manuscrito entre los papeles de una ex alumna. Parece ser que hubo una confusión debido a las dificultades de lectura que tenía el título y que en lugar de “Fur Elise”, lo que estaba escrito era “Fur Therese”; que es como debiera titularse la pequeña obra.
La escenografía de hoy corre a cargo de la joven bailarina Vivian Ruiz (2001) nacida en Florida, USA, y ganadora de primeros premios en múltiples concursos.
El Bhangra es un tipo de danza folclórica tradicional de la región de Punjab (India/Pakistan) , en el subcontinente indio. Según Manuel (2001), el bhangra está especialmente asociado con el festival primaveral de Vaisakhi , que se celebra durante la época de cosecha, entre abril y el primer trimestre de mayo. En una presentación típica, varios bailarines ejecutan patadas, saltos y flexiones corporales enérgicas (a menudo con movimientos de brazos u hombros en alto) al son de canciones cortas llamadas boliyan y, sobre todo, al ritmo del dhol (tambor de doble parche). Golpeado con una baqueta pesada en un extremo y una más ligera en el otro, el dhol impregna la música con un carácter rítmico sincopado (con acentos en los tiempos débiles) y oscilante que generalmente se ha mantenido como el sello distintivo de la música bhangra. El bhangra, una danza punjabi enérgica, se originó entre los agricultores punjabi como una celebración cultural y comunitaria; su evolución moderna le ha permitido conservar sus raíces tradicionales punjabi, al tiempo que ha ampliado su alcance para incluir la integración en la música popular y el DJ, las competencias grupales e incluso programas de ejercicio y danza en escuelas y estudios.
La txalaparta es un instrumento de percusión tradicional de Euskal Herria; generalmente consta de dos soportes (cestos, sillas, banquetas, etc.); sobre éstos, algún material aislante (hoja de maíz, sacos viejos enrollados, hierba seca, etc.) y sobre esto, un tablón que es golpeado con cuatro palos (dos por cada txalapartari).
Aunque tradicionalmente cada txalaparta solía tener dos o tres tablas de madera, actualmente es habitual encontrar txalapartas formadas por una docena de tablas. Su utilización estaba íntimamente ligada a las labores de fabricación de la sidra. Tras triturar la manzana, se celebraba una cena y la fiesta se podía prolongar hasta altas horas de la madrugada. Recientemente, empieza a popularizarse también la Harriparta o Txalaparta de piedra.
La presente versión de La Internacional está grabada en el lenguaje de la madera y la piedra, que al juntarse forman la melodía de la conocida canción. Se funden lo singular y lo universal: uno de los instrumentos musicales más singulares de Euskal Herria, la Txalaparta, interpreta el himno universal de la clase trabajadora. La versión es obra de Hutsun Txalaparta Taldea, a petición del sindicato vasco LAB.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia e informaciones puntuales de la Inteligencia Artificial.
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