Tu página de videos musicales

Chiari Margarita Cozzolani (1602-1676/8) nació en el seno de una familia adinerada y se cree que su educación musical se impartió a través de uno de los dos coros que actuaban para familias y dignatarios locales. A los 18 años se hizo monja e ingresó en el monasterio benedictino de Santa Radegonda en Milán. Su talento como compositora e intérprete era reconocido en la zona, convirtiendo el monasterio en uno de los principales atractivos musicales de la ciudad. Lamentablemente, algunas de sus obras se perdieron en la Segunda Guerra Mundial, pero de las que se conservan, es evidente que fue una compositora de gran talento, que compuso no sólo obras espirituales, sino también profanas. Sus composiciones eran todas vocales, y abarcaban desde monodias solistas hasta vísperas a pleno pulmón. Lo que resulta tan impresionante, dado que pasó toda su vida adulta en un monasterio, es el profundo conocimiento y comprensión que demuestran sus obras de las técnicas compositivas contemporáneas. En la última etapa de su vida, compuso con menos frecuencia debido a sus funciones como priora y abadesa. Afortunadamente para nosotros, gracias a las publicaciones que realizó durante su vida, sus composiciones se conocieron fuera de su monasterio, por lo que han sobrevivido (en su mayoría) para que las disfrutemos. Cozzolani representa cómo la música sacra se desarrollaba dentro de conventos femeninos, y cómo las monjas podían tener, en este caso, un rol activo como compositoras.

“Bone Iesu, fons amoris”. Es una obra que pertenece a sus Concerti Sacri (opus 2), publicados en 1642, aunque tenga elementos vocales parecidos a un motete. Está escrita para dos voces (dueto) más bajo continuo, lo que la emparenta con la música barroca “moderna” de su tiempo. El texto nos habla de Jesús como “fuente del amor” (“fons amoris”), “vida de nuestros corazones”, consuelo del alma pura, etc; también hay peticiones: “haznos someter la voluntad divina en este mundo” (“nos divinæ fac voluntati in hoc mundo subici”) indicando una súplica devocional. Otra parte del texto habla de una “dulzura bienaventurada” (“beata mellitudo”), del “corazón de los amantes” (“Iesu cor amantium”), de disfrutar eternamente de la belleza de los arcángeles, y de cantar en los reinos celestiales. Finalmente, pide ser parte de la “felicísima cohorte” celestial para alabar a Jesús eternamente.

La pieza sigue la estructura del texto, con episodios musicales que cambian según la letra, alternando compases ternarios y binarios, lo cual crea variaciones rítmicas interesantes y refleja cambios emocionales o de texto y se observan trinos (“trilli”) y acentos expresivos, especialmente en la expresión “O beata mellitudo”, lo que da una sensación de exaltación devocional. La pieza refleja una profunda espiritualidad típica del Barroco, donde la música no es sólo decoración, sino vehículo para la oración y la meditación, además de ser un ejemplo de cómo la música sacra se desarrollaba dentro de conventos femeninos, y cómo las monjas podían tener en estos casos un rol activo como compositoras.

Hoy nos lo ofrece el Ensemble Savadi .

Eric Coates (1886 - 1957) fue un compositor inglés y, al principio de su carrera, un destacado violista; nació en una familia de músic@s, pero, a pesar de sus deseos y su evidente talento, sus padres sólo de mala gana le permitieron seguir una carrera musical. Estudió en la Royal Academy of Music con Frederick Corder (composición) y Lionel Tertis (viola), y tocó en cuartetos de cuerda y bandas de teatro, antes de unirse a orquestas sinfónicas dirigidas por Thomas Beecham y Henry Wood. La prolífica producción de Coates incluye la Suite Londres (1932), de la cual la conocida "Marcha de Knightsbridge" es la sección final, el vals "By the Sleepy Lagoon" (1930) y "La marcha de los rompepresas" (1954). Su producción se compone casi en su totalidad de música y canciones orquestales.

Fundada en 1979, la Taipei Wind Orchestra & Symphonic Band (TSB) ha estado interpretando activamente desde el repertorio clásico de conjunto de viento estándar hasta el contemporáneo durante casi 35 años en todo el país bajo la batuta de Yui-Biau Hou. El grupo TSB, compuesto por los grupos Orquesta de Viento, Conjunto de metales, Banda Sinfónica, Orquesta de Jazz y Banda de Concierto Juvenil, tiene un gran porcentaje de estudiantes seleccionados y músicos profesionales en todo el área metropolitana de Taipei; el grupo ha participado en el desarrollo y la expansión del repertorio y el refinamiento del nivel de interpretación colaborando con compositores vivos y artistas de renombre mundial para educar a los músicos y al público del futuro.

Hoy ofrecemos el primer movimiento, Días Felices (Elisabeth Tudor), de la suite The Three Elizabeths de Eric Coates en interpretación de la Banda Sinfónica de Taipei  conducida por el maestro Scott Hartman

Johann Sebastian Bach (1685-1750) fue un violinista, organista, director y compositor alemán, nacido en Eisenach dentro de la familia musical más prominente de la historia. En 1703 obtiene su primer trabajo en Arndstat y en 1707 se traslada a Mülhausen como organista, donde se casa con su prima María Bárbara con quien tiene siete hijos. Tras la muerte de su esposa en 1720, volvió a casarse con María Magdalena con la que tendría otros trece hijos. En 1723 se traslada a Leipzig donde residiría hasta su muerte a los 65 años. Considerado como uno de los tres principales genios de la Historia de la Música junto con Mozart y Beethoven, su influencia ha sido notable en Haydn, Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Chopin … y otros muchos renombrados compositores.

El Oratorio es un género musical dramático sin puesta en escena, ni vestuario, ni decorados e interpretado en forma de concierto. Compuesto generalmente para voces solistas, coro y orquesta sinfónica, a veces con un narrador, su tema es frecuentemente religioso (historias de la Biblia o del Evangelio, de la vida de Jesús o de las vidas de santos, etc.), pero también puede ser profano (héroes mitológicos, temas históricos, himno a la naturaleza, etc.). Formalmente bastante cercano a la cantata y a la ópera, el oratorio comprende generalmente una obertura, recitativos, arias y coros.

El Oratorio de la Ascensión (Lobet Gott in seinen Reichen: Alabad a Dios en su reino), es un oratorio escrito por Johann Sebastian Bach, para la Fiesta de la Ascensión. La obra probablemente fue estrenada el 19 de mayo de 1735. El texto adicional a las fuentes bíblicas y corales se cree que fue escrito por Picander con el que había colaborado antes en el Oratorio de Navidad. Está estructurado en dos partes (2ª PARTE: 16´20´´) para ser interpretadas antes y después del sermón; versión hoy conducida por  John Eliot Gardiner (1943), prominente director de orquesta británico conocido, sobre todo, por sus ejecuciones historicistas de la música del Barroco y del Clasicismo con instrumentos de época.

Michael Daugherty (1954) es un compositor, pianista y maestro estadounidense. Influido por la cultura popular, el Romanticismo y Postmodernismo, Daugherty es uno de los compositores de música de concierto más colorido y ampliamente interpretado de su generación. Actualmente, Daugherty es Profesor de Composición en la Escuela de Música, teatro y danza de la Universidad de Míchigan. ​Desde 2003, su música ha sido publicada por Boosey & Hawkes​ y antes de eso por Peermusic Classical.

Reflections on the Mississippi for Tuba and Symphonic Band. Dice Daugherty sobre su Concierto: “Este concierto, compuesto en memoria de mi padre, Willis Daugherty (1929-2011), es una reflexión musical sobre los viajes familiares durante mi infancia al río Mississippi, cerca de McGregor, Iowa. En el primer movimiento del concierto, “MIST” (NEBLINA, 0´36´), reflexiono sobre el amanecer visto y oído a través de una neblina sobre el río Mississippi. El título del segundo movimiento, “FURY” (FURIA, 6´15´´), recuerda la agitación del río Mississippi en la ficción de William Faulkner y en la historia de la “Gran Inundación del Mississippi” de 1927. En “PRAYER” (ORACIÓN, 10´24´´), el tercer movimiento, medito sobre el estado de ánimo tranquilo del río Mississippi visto desde una vista elevada, contemplando el agua hasta donde alcanza la vista, mientras el atardecer se convierte en una noche clara y estrellada. El movimiento final, “STEAMBOAT” (Buque de vapor, 16´52´´), evoca coloridos cuentos de la vida en el Mississippi de Mark Twain (1835-1910)”.

La magnífica versión que hoy ofrecemos es obra de la excelente tubista Carol Jantsch acompañada por la UMich Symphony Band conducida por su titular, el maestro Michael Haithcock.

Charlie Parker (1920 - 1955) fue un saxofonista y compositor estadounidense de jazz. Es considerado uno de los mejores intérpretes de saxofón alto de la historia de ese género musical, siendo una de las figuras claves en su evolución y uno de sus artistas más legendarios y admirados junto a Louis Armstrong, Duke Ellington, John Coltrane y Miles Davis. Junto con Bud Powell, Dizzy Gillespie y otros, es uno de los iniciadores del bebop. Su estilo rompe con el del swing y se basa en la improvisación sobre una melodía modificando los acordes y creando así nuevas variaciones sobre la estructura de los temas; es así mismo  creador de nuevos temas que se han convertido en estándares del jazz como: «Ornithology», «Anthropology», «Scrapple from the Apple», «Ko Ko», «Now's the Time» y «Parker's Mood».

Una Jam Session es un encuentro informal de improvisación musical. La definición clásica de una jam session se debe a George Frazier: «Reunión informal de músicos de jazz, con afinidad temperamental, que tocan para su propio disfrute de una música no escrita ni ensayada».​ En sus orígenes, la jam session era una reunión altamente competitiva. Adquiría, según Peter Clayton y P. Gammond, la atmósfera de un «combate de gladiadores» cuando se juntaban dos o más intérpretes de un mismo instrumento. Asimismo, según los mismos autores, el término jam se empleaba en ocasiones como sinónimo de jazz. Con el tiempo, el concepto se ha acabado aplicando a otros géneros distintos del jazz, especialmente el blues, el rock, el rap e, incluso, música de origen folclórico como la irlandesa y el bluegrass.

Kortatu fue un grupo musical vasco fundado en 1984 en Irún (Gipuzkoa). Formaron parte del denominado rock radical vasco y fueron pioneros en introducir el ska en el estado español, siempre con una base punk de fondo. Sus principales influencias fueron el grupo británico The Clash y el grupo vasco Hertzainak. Sus letras inicialmente se alternaron entre el castellano y el euskera, para terminar adoptando exclusivamente este último. Aunque tuvieron una estrecha relación con el movimiento autónomo, nunca ocultaron su simpatía hacia la izquierda abertzale. Por ejemplo, su canción «Sarri, Sarri» está dedicada a la fuga del escritor, supuesto etarra y preso del estado Joseba Sarrionandia, tras esconderse en los altavoces utilizados en un concierto de Imanol Larzabal celebrado en la cárcel de Martutene.

Maurice Ravel (1875-1937) nacido en Ziburu/Ciboure (País vasco en Francia) heredó de su padre, ingeniero de origen suizo, la meticulosidad en el trabajo y de su madre, nacida en Mendata (Bizkaia), su pasión por la música con las canciones folklóricas con las que adornó su infancia. A los pocos meses de nacer, la familia se trasladó a París, donde a los seis años comenzó sus estudios de piano. A los 14 años ingresa en el Conservatorio de París donde tiene la oportunidad de estudiar con Gabriel Fauré. En 1901 estrena su Jeux d´eau, obra pianística con la que empieza a abrirse camino en los círculos musicales de París donde se discutía sobre la influencia de Ravel en Debussy y viceversa. En 1921 se acomodó hasta su fallecimiento en una mansión cerca de París, donde se daban cita, eminentes músicos e intelectuales.

Bolero (en francés, Le Boléro)​ es una obra musical creada por Maurice Ravel en 1928 y estrenada en la Ópera Garnier de París el 22 de noviembre de ese mismo año. El inmediato éxito y la rápida difusión universal de Le Boléro, dedicado a la bailarina Ida Rubinstein, lo convirtieron no solamente en una de las más famosas obras del compositor, sino también en uno de los exponentes de la música del siglo XX. Se trata de un movimiento orquestal inspirado en una danza española; se caracteriza por un ritmo y un tempo invariables, con una melodía obsesiva —un ostinato— en Do mayor, repetida una y otra vez sin ninguna modificación salvo los efectos orquestales, en un crescendo que, in extremis, se acaba con una modulación a Mi mayor y una coda estruendosa. Pese a que Ravel dijo que consideraba la obra como un simple estudio de orquestación, Le Boléro esconde una gran originalidad, y en su versión de concierto ha llegado a ser una de las obras musicales más interpretadas en todo el mundo, al punto de que hasta el año 1993 permanecía en el primer lugar de la clasificación mundial de derechos de la Société des auteurs, compositeurs et éditeurs de musique (SACEM).

Hoy la ofrecemos en interpretación de Maya Plisetskaya (1925-2015), “prima ballerina assoluta” del Teatro Bolshoi, acompañada por Le Ballet du XX ^e siècle.

Marruecos es un país de grupos multiétnicos con una rica cultura y civilización. A lo largo de su historia, ha recibido visitantes tanto del este (fenicios, judíos y árabes), del sur (habitantes de África subsahariana) y del norte (romanos y vándalos), quienes han impactado la estructura social de Marruecos. En el país conviven, además, distintos tipos de religiones, tales como el Paganismo, el Judaísmo, el Cristianismo y el Islam. Políticamente, y por sus orígenes, se trata de un país árabe perteneciente a África, aunque es denominado en ocasiones como un estado arabo-bereber y en otras como un estado árabe.

La Reggada es un estilo musical y una danza tradicional muy conocida en el noreste de Marruecos, especialmente en la región de Oujda, Berkane y Nador. A veces se le asocian variantes o nombres locales como “Laâlaoui”, que suele referirse tanto a un estilo vocal típico como a un subestilo dentro de la misma tradición amazigh/bereber oriental. La Reggada es una danza guerrera tradicional, caracterizada por movimientos fuertes de hombros y brazos, a veces imitando gestos de combate. De ritmo rápido, marcado por el bendir (tambor), ghayta (oboe tradicional) y más recientemente por instrumentos modernos, se baila en formación en fila o semicírculo, donde l@s participantes bailan de manera sincronizada. Su origen se relaciona con danzas antiguas de los guerreros amazigh que celebraban la victoria o motivaban a la tribu.

El Laâlaoui es un tipo de canción dentro del repertorio de la Reggada, típico del este de Marruecos, especialmente de Oujda. Muchos cantantes populares de la región combinan Reggada con Laâlaoui, creando un sonido festivo muy reconocido en bodas y celebraciones regionales. De ritmo muy marcado y repetitivo, sus letras suelen hablar de amor, nostalgia, orgullo regional o celebración. Su origen se relaciona con las danzas antiguas de los guerreros amazigh que celebraban la victoria o motivaban a la tribu.