El 21 de Junio comienza el Verano
Sugerencias de iniciación a la música clásica
Ástor Piazzolla (1921–1992) nació en Mar de Plata, Argentina; a los tres años se trasladó con su familia a Nueva York y los trece años conoce a Carlos Gardel. En su vuelta a Argentina, durante seis años recibe clases de Ginastera mientras acude asiduamente al Café Germinal donde la música del tango era el pan de cada día. Forma parte de distintas formaciones, donde los puristas consideraron sus innovaciones como el “asesinato del tango”. Con cierta dosis de pesimismo se trasladó a París, donde contactó con Nadia Boulanger quien le hizo creer en sí mismo y en la posible conjunción de tango con música clásica. Volvió a Buenos Aires con tal actividad que en 1973 sufre un infarto; a pesar de lo que sigue con sus composiciones y grabaciones hasta que en 1990 sufre en París una trombosis que no lograría superar.
Las Cuatro Estaciones Porteñas, también conocidas como Estaciones Porteñas, son un conjunto de cuatro composiciones de tango escritas por Astor Piazzolla. Originalmente las concibió y trató como composiciones diferentes en lugar de una suite, y con el tiempo se fueron editando en álbumes diferentes. Sin embargo, Piazzolla llegó a interpretarlas en conjunto ocasionalmente. Las piezas se escribieron para quinteto provisto de violín, piano, guitarra eléctrica, contrabajo y bandoneón. El adjetivo porteño, gentilicio de Buenos Aires, es usado por Piazzolla para dar su impresión de las estaciones del año en Buenos Aires.
Hoy ofrecemos un arreglo del Verano Porteño, con varios recuerdos explícitos al Verano de Vivaldi, en versión para orquesta de cámara de cuerda liderada por la violinista coreana Soyoung Yoon como solista del conjunto.
Juan Crisóstomo de Arriaga (1806 - 1826), conocido por muchos como el Mozart vasco, nació en Bilbao. Su padre, Juan Simón, procedía de Errigoiti, villa cercana a Gernika de donde procedía la madre, Maria Rosa. El padre, organista de Berriatua, Bizkaia, se trasladó a Bilbao para, como buen errigoitiarra, dedicarse a los negocios con los que prosperó y así pudo favorecer el desarrollo educativo de Juan Crisóstomo en París, donde fallecería 10 días antes de cumplir los 20 años. El legado musical, que se ha podido conservar, consta de tres cuartetos de cuerda, el octeto Nada y mucho, escrito a los 11 años, la Obertura nº 1, la Sinfonía en Re, varias arias y cantatas además de música religiosa como O Salutaris hostia y Stabat Mater, además de una ópera, Los esclavos felices, escrita a los trece años de la que únicamente se conserva su obertura, que hoy ofrecemos.
Obertura es la introducción instrumental de una ópera u otra obra dramática, musical o no, aunque algunas composiciones instrumentales independientes de los siglos XIX y XX también fueron llamadas oberturas por sus compositores. Las primeras óperas que datan de principios del siglo XVII, no tenían oberturas pero sí una introducción que hacían los vocalistas en la que realizaban un resumen de la acción que se iba a desarrollar acto seguido. Las introducciones instrumentales se comenzaron a utilizar habitualmente a mediados del siglo XVII; y fue el compositor alemán Christoph Willibald Gluck uno de los primeros que usó material de sus óperas para las oberturas. De esta manera, éstas establecían el perfil emocional de la ópera que seguía.
La Obertura de Los Esclavos felices es la Introducción de la Òpera homónima compuesta por Arriaga cuando sòlo tenía 13 años. La obra sigue un esquema cercano a la forma sonata con una Introducción (0`08``) lenta, breve y solemne, a la que sigue (1`32``) una sección rápida con dos temas contrastantes, un desarrollo conciso y una reexposición clara. En su composición se nota fuertemente la herencia de Haydn y Mozart tanto en su claridad formal, como en el equilibrio entre secciones y en el tratamiento de la orquesta.
Hoy la ofrecemos en versión de la Orquesta Clásica Santa Cecilia conducida por su concertino Florian Donderer.
Francisco Repilado Muñoz (1907—2003), conocido artísticamente por el seudónimo de Compay Segundo, fue un músico y compositor cubano de amplia trayectoria mundial. Llegó a ser un popular compositor e intérprete, muy conocido entre los amantes de la música cubana. Comenzó tocando la guitarra, el tres cubano, el clarinete, el bongó y también tocó la tumbadora. Fue creador de la melodía Chan-chan, e inventor del armónico, un híbrido de siete cuerdas entre la guitarra española y el tres cubano.
Chan Chan es una canción de son cubano compuesta por Compay Segundo, que trata de dos personajes, Juanica y Chan Chan. Escrita en 1984, en la canción, primero se mencionan cuatro localidades del este de Cuba: Alto Cedro, Marcané, Cueto y Mayarí, pertenecientes todas a la provincia de Holguín. Luego se cuenta la anécdota de Juanica y Chan Chan, una mujer y un hombre que construían una casa e iban al mar a buscar arena. Mientras Juanica sacudía el jibe (tamizador de arena), el contoneo de su cuerpo al hacerlo, a Chan Chan le dio pena (vergüenza). Al parecer, esta historia era una leyenda popular granjera que Compay escuchaba habitualmente de pequeño.
Hoy ofrecemos un arreglo para coro de voces mixtas en interpretación del Coro de Cámara Entrevoces de la Habana.
Leroy Anderson (1908-1975) fue un compositor estadounidense de breves piezas orquestales de música ligera, muchas de las cuales fueron estrenadas por la Orquesta Boston Pops bajo la dirección de Arthur Fiedler. John Williams le ha descrito como «uno de los más grandes maestros americanos de la música orquestal ligera». Anderson recibió sus primeras lecciones de piano de su madre, que era organista de iglesia; continuó estudiando piano en el New England Conservatory of Music y en la Universidad de Harvard licenciándose en Bellas Artes, cum laude en 1929. Trabajó como organista, director de Coro y de Banda, haciendo numerosos arreglos para bandas de baile en Boston.
“Bugler’s Holiday” es una de las piezas más famosas y reconocibles del compositor Leroy Anderson (1908–1975), compuesta en 1954 para trompetas a tres voces acompañadas por Orquesta, Banda de Música en este caso. La obra tiene un carácter brillante, festivo y juguetón, aunque está inspirada en los toques militares de corneta tratados de forma alegre y virtuosa, combinando precisión rítmica con pasajes muy melódicos y humor musical, algo típico del estilo de Anderson. El protagonismo de las trompetas se impone al resto de instrumentos que acompañan de forma ligera y humilde el protagonismo de los solistas. Al igual que en otras obras suyas, Leroy Anderson demuestra con esta pieza su talento para crear música accesible, elegante y muy efectiva para el público.
Hoy asistimos a la versión que nos ofrece la Banda de Mùsica de Músicos Solidarios conducida por el maestro José Rafael Pascual Vilaplana
Sugerencias de música clásica
Antonio Vivaldi (1678-1741) fue un sacerdote, violinista y compositor italiano conocido como el cura rojo (“il prete rosso”). Nació en Venecia y de niño aprendió a tocar el violín con su padre; a los 15 años ingresó en el Seminario y una vez ordenado sacerdote, apenas podía atender a sus obligaciones religiosas debido a sus problemas de salud; de modo que fue nombrado profesor de violín en un orfanato en el que impartía clases teóricas y de instrumento. A los 40 años es nombrado Maestro de Capilla en Mantua donde escribió sus famosas Cuatro estaciones. De allí se trasladó a Milán, luego a Roma; más tarde, de nuevo a Venecia y por último, a Viena donde fallecería. A lo largo de su vida compuso casi 800 obras, de las que la mitad fueron conciertos, 40 óperas, 60 obras religiosas y numerosas sonatas.
Las Cuatro Estaciones son un conjunto de cuatro conciertos, uno por cada estación, para violín solista y orquesta de cuerdas; cada concierto está dividido en tres movimientos (I Rápido, II Lento, III Rápido); es la obra más apreciada de Vivaldi y una de las más populares de la Historia de la Música. En su día con la publicación de la obra adjuntó un folleto explicativo en el que describía detalladamente el desarrollo y significado de la música, al modo de lo que siglos más tarde se denominaría como Música Programática o descriptiva.
El Concierto n.º 2, Verano está estructurado en tres movimientos: I (0´10´´) ALLEGRO NON MOLTO “Bajo la dura estación por el sol encendida languidecen el hombre y el rebaño, y arde el pino. Suelta el cuco la voz y cuando la entienden cantan la torcaz y el jilguero...“ .-. II (6´05´´) ADAGIO E PIANO-PRESTO E FORTE “Roba a sus miembros laxos el reposo, el miedo al relámpago, y los fieros truenos ¡y de las moscas, y moscones, el tropel furioso!” .-. III (8´10´´) PRESTO “¡Ah, que son sus temores verdaderos! Truena y fulmina el cielo y granizoso, trunca las cabezas de las espigas y los granos altera”.
Hoy nos lo ofrece la violinista noruega Mari Samuelsen.
Modest Mússorgski (1839-1881) fue un compositor ruso que defendió y practicó encarecidamente los objetivos del grupo de Los Cinco (César Cui, Milij Balakirev, Modest Mussorgsky, Nikolai Rimsky-Korsakov y Alexandre Borodin). Su madre, Yulia Ivánovna pianista profesional, le introdujo en el estudio del piano a los seis años; a los 13 años ingresó en la Academia Militar de Oficiales de la Guardia Imperial, mientras al año siguiente publicaba su primera composición, una polca; por esta época conoció a Balakirev de quien recibió clases de composición e información sobre lo que llegaría a ser el grupo de Los Cinco; a los 19 años abandonó su carrera militar para poderse dedicar enteramente a la composición. Murió a los 42 años tras una serie de ataques epilépticos.
Poema sinfónico es una obra orquestal de forma libre, generalmente basada en un texto literario, cuyo fin es crear sensaciones o sentimientos mediante el guión preestablecido. Generalmente consta de un único movimiento y está escrito para orquesta, aunque puede ser para piano o para pequeñas formaciones instrumentales. El padre del poema sinfónico fue Franz Liszt quien compuso hasta 13 obras de este género; género que rápidamente se generalizaría a partir del romanticismo.
Una noche en el Monte Pelado (o La noche de San Juan en el Monte Pelado) es un poema sinfónico de Músorgski. La pieza fue originalmente inspirada por un cuento de Nikolái Gógol, en la cual un campesino presencia un aquelarre en el Monte Pelado, cerca de Kiev en la Noche de San Juan (equivalente a la Noche de Walpurgis). Músorgski encabezó la partitura con unas frases, que ayudaron a comprender mejor la atmósfera de la obra: Rumores subterráneos de voces sobrenaturales.- Aparición de los espíritus de las tinieblas y de Chernobog (Satanás).- Glorificación de Chernobog y misa negra.- Aquelarre de brujas.- Es un aquelarre de brujas y las ve un campesino, dispersando a los espíritus de las tinieblas.- Amanecer.
Richard Wagner (1813-1883) fue un compositor, director de orquesta, poeta, ensayista, dramaturgo y teórico musical alemán del Romanticismo; personaje controvertido por sus ideas y escritos antisemitas como “El judaísmo en la música” en el que despotrica contra la relación musical de los judíos con la música. En sus inicios, sus obras seguían la tradición romántica; pero más tarde transformó el pensamiento musical con la idea de la «obra de arte total» (Gesamtkunstwerk). Su capacidad para la filosofía, literatura, música, artes escénicas, pintura y escultura la traslada a sus óperas concebidas como un exponente del “arte total”. Con estos principios hizo construir el teatro Bayreuther Festspielhaus para poder representar sus propias óperas de las que además de ser el autor de la música, lo era del libreto y de la escenografía.
La Ópera (del latín opera, plural de opus, «obra») es un género musical que combina música sinfónica, interpretada generalmente por una orquesta, y un texto escrito de corte dramático —expresado en forma de libreto— interpretado vocalmente por cantantes de diversa tesitura: principalmente, soprano, mezzosoprano y contralto para el registro femenino y tenor, barítono y bajo para el masculino, además de las llamadas voces blancas (las de niños) o de falsete (castrato, contratenor). Por lo general, la parte instrumental contiene oberturas, interludios y acompañamientos musicales; mientras que la parte cantada puede ser un coro, un solo, dúo, trío o diversas combinaciones y con diversas estructuras como el recitativo o el aria.
Es de constatar, además, que dentro del género musical dramático existen diversos géneros, como la ópera clásica, la ópera de cámara, la opereta, el musical, el singspiel y la zarzuela. Por otro lado, al igual que en teatro, existe una ópera dramática (ópera seria) y otra cómica (ópera bufa), así como un híbrido entre ambas: el dramma giocoso. Como género multidisciplinar, la ópera aglutina música, canto, danza, teatro, escenografía, interpretación, vestuario, maquillaje, peluquería y otras disciplinas artísticas. Es por tanto una obra de creación colectiva, que parte esencialmente de un libretista y un compositor, y donde tienen un papel primordial los intérpretes vocales, pero donde son igualmente imprescindibles l@s músic@s y el/la director/a de orquesta, l@s bailarinas/es, l@s creadoras/es de los decorados y el vestuario, y muchas otras figuras. Por otro lado, es un evento social, por lo que no tiene razón de ser sin un público que presencie el espectáculo. Por ello mismo, ha sido a lo largo del tiempo reflejo de las diversas corrientes de pensamiento, políticas y filosóficas, religiosas y morales, estéticas y culturales, propias de la sociedad donde se produjeron las obras.
Die Meistersinger von Nürnberg (Los maestros cantores de Núremberg) es una ópera en tres actos con música y libreto en alemán de Richard Wagner. Es una de las óperas más largas: aproximadamente alrededor de cuatro horas y media. Se estrenó en el Königliches Hof- und National-Theater en Múnich, el 21 de junio de 1868 bajo la batuta de Hans von Bülow. La ópera es un homenaje a la burguesía de la Alemania medieval y al contrapunto de Bach.
La historia tiene lugar en Núremberg a mediados del siglo XVI. La historia gira alrededor de la guilda (asociación de mercaderes) real de Meistersinger (Maestros cantores), una asociación de poetas y músicos aficionados, en su mayor parte de la clase media y a menudo maestros artesanos en sus profesiones. Los Maestros cantores desarrollaron un enfoque artesano hacia la música, con un intrincado sistema de reglas para la composición e interpretación de canciones. La obra toma mucho de su encanto de su real representación de la época y tradiciones de la cofradía de los Maestros cantores. Uno de los principales personajes es el poeta-zapatero Hans Sachs (1494–1576), una auténtica figura histórica, el más famoso de los maestros cantores históricos.
Hoy ofrecemos la versión ofrecida desde el The Metropolitan Opera conducida por el maestro estadounidense James Levine.
Germaine Tailleferre (1892-1983) fue una compositora francesa, la única mujer del célebre Groupe des Six (junto con Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger, Darius Milhaud y Francis Poulenc). Ingenuidad, frescura, femeneidad, son cualidades que se asocian con Tailleferre desde su llegada al Groupe des Six; además de que en una parte de su obra se encuentra un auténtico vigor, a veces teñido de unas armonías de gran sensualidad y de una inesperada austeridad. Durante mucho tiempo se consideró que la obra de Tailleferre se reducía a una serie de obras para piano, compuestas en el periodo de entreguerras, y que su carrera de compositora se acababa en la Segunda Guerra Mundial. Así se ignoraba u olvidaba que, además de esas pequeñas piezas, compuso mucho más: obras de cámara, dos conciertos para piano, tres estudios para piano y orquesta, un concierto para violín, su destacado Concerto grosso pour deux pianos, huit voix solistes, quatuor de saxophones et orchestre, cuatro ballets, cuatro operas, dos operetas, muchas «mélodies», y eso sin contar las numerosas obras para pequeños ensambles o grandes orquestas como el espléndido Concerto pour deux guitares et orchestre, recientemente recobrado y grabado en 2004 en Alemania por Chris Bilobram y Christina Altmann. La mayoría de sus obras mayores fueron escritas entre 1945 y su muerte en 1983. Hasta hace muy poco gran parte de su obra permanecía inédita y sólo recientemente se ha podido conocer ampliamente y se ha comenzado a situar a la autora en el lugar que se merece.
Quatuor à cordes de Germaine Tailleferre es una obra clave para entender tanto su estilo personal como el espíritu musical francés de comienzos del siglo XX. Escrito entre 1917 y 1919, cuando tenía poco màs de 20 años; años en los que Tailleferre formaba parte del grupo Les Six, que buscaban alejarse del romanticismo tardío y del impresionismo excesivo, apostando por una música más clara, directa y ligera, influida por el neoclasicismo y, en algunos casos, por el jazz y la música popular. Entre las características principales del cuarteto, destacaremos una textura clara y transparente sin densidad excesiva, un uso frecuente de melodías breves y rítmicas, una armonía moderna pero accesible sin llegar a la atonalidad, una influencia del neoclasicismo con formas tradicionales reinterpretadas y un carácter optimista y elegante, muy representativo de Tailleferre. La obra muestra cómo una compositora dentro de Les Six desarrolló una voz propia, refinada y equilibrada que tiene un valor especial porque contribuye a la visibilidad de las mujeres compositoras en un período dominado por figuras masculinas.
Hoy nos lo ofrece el Quatuor Métamorphoses, que es un cuarteto de cuerda francés joven y dinámico que se ha destacado en la escena internacional por su enfoque expresivo, su versatilidad y su compromiso con un repertorio que va desde los clásicos hasta las obras contemporáneas; cuarteto conformado por Mathilde Potier – violín, Rachel Sintzel – violín, Jean-Baptiste Souchon – viola y Alice Picaud – violonchelo.
Sugerencias de música para todos los gustos
The Chemical Brothers es un dúo británico de música electrónica formado por Tom Rowlands y Ed Simons y activos desde los años 90. Son considerados pioneros del big beat, un estilo que mezcla electrónica, breakbeats potentes, rock psicodélico, techno y house. Su música se caracteriza por ritmos muy energéticos y bajos fuertes, samples (fragmentos cortos de sonido que se toman de una grabación y se reutilizan en otra) psicodélicos y voces distorsionadas. Son famosos por sus shows en vivo, con visuales espectaculares sincronizados con la música.
Son acreditados por ser uno de pocos grupos electrónicos que realizan actuaciones en grandes recintos, donde disponen pantallas gigantes que muestran imágenes psicodélicas, luces estroboscópicas y láseres que proyectan sobre el público. Han tocado en muchos festivales importantes, como Glastonbury, Reading, Sónar, Summercase, Creamfields, Optimus Alive, Festival Corona Capital, Festival Corona Capital Guadalajara y Festival Iberoamericano de Cultura Musical Vive Latino. Además de la realización de su propia música, también pinchan regularmente en sesiones donde mezclan las pistas de otros artistas.
Belinda Peregrín Schüll, conocida como Belinda, es una actriz y cantante mexicana, que nació en Madrid, España, el 15 de agosto de 1989 y emigró con su familia a México en 1993. Asentados en Ciudad de México, inició una carrera artística como actriz y cantante infantil a los diez años de edad, debutando como protagonista de la telenovela Amigos x siempre (2000). En 2002, firmó con BMG y un año más tarde lanzó su álbum debut, Belinda. Durante su primera década en la escena musical mexicana, se convirtió en una figura prominente de la música pop latina y de la cultura popular, con una vida personal muy publicitada, lo que originó que fuera llamada «la princesa del pop latino». En 2006, lanzó su segundo álbum, Utopía, y debutó en el cine con un papel en la película The Cheetah Girls 2. En 2010, estrenó su tercer álbum, Carpe diem. En 2012, lanzó su cuarto álbum de estudio, Catarsis. Con un número de ventas en discos estimada en los doce millones, durante su etapa en el pop latino llegó a ser considerada como una de las mayores exponentes del mismo. A partir de 2013, y hasta 2022, buscó probar suerte lanzando sencillos con otros estilos musicales, como la cumbia mexicana, la electrónica, y el reguetón. Luego de un año sabático alejada de la música y centrada en otros proyectos, en 2024 comenzó la promoción de Indómita, su quinto álbum de estudio, con el que encontró un resurgimiento profesional gracias a su incursión en los corridos tumbados, género por el que se autoapodó como «Beli Bélica».
Belinda además es una filántropa que ha contribuido a diversas obras humanitarias y caritativas. Una de las principales causas a la que ha apoyado es la lucha del cáncer infantil. A lo largo de su carrera, Belinda también ha demostrado un compromiso firme con causas relacionadas con el medio ambiente, estableciendo la Fundación Gaía Planeta Azul y la Fundación Fantasmas Sin Amor, que se dedica a proteger los derechos y educar a los niños en situación de abandono.
Rammstein es una banda alemana de metal industrial fundada en 1994 por los músicos Till Lindemann, Richard Z. Kruspe, Oliver Riedel, Paul Landers, Christian Lorenz y Christoph Schneider. Su música se basa en una corriente surgida en su país en los años 1990 llamada Neue Deutsche Härte, del que son el exponente más popular y al que también pertenecen, entre otros, Oomph! y Die Krupps. Ellos mismos han denominado en alguna ocasión esta mezcla con el apelativo de Tanzmetall («metal de baile»). Sus canciones están escritas casi exclusivamente en alemán aunque algunas contienen inglés, francés, ruso o incluso español; han vendido más de 35 millones de copias en todo el mundo. Entre otros reconocimientos, han sido nominados en dos ediciones de los premios Grammy en la categoría de mejor interpretación de metal: en 1999 con el tema «Du hast» (del álbum Sehnsucht) y en 2006 con «Mein Teil» (del álbum Reise, Reise). Han lanzado al mercado un total de ocho álbumes de estudio y cuatro en directo, así como cinco DVD; toda su discografía se encuentra disponible en el catálogo de la multinacional discográfica Universal Music.
Generalmente se clasifica su estilo como metal industrial y neue deutsche härte, pero también diversos géneros del metal como el heavy metal, metal progresivo, rock industrial, metal alternativo, groove metal y música electrónica. Musicalmente, Rammstein está fuertemente influido por artistas como la banda industrial eslovena Laibach, DAF (Deutsch-Amerikanische Freundschaft), Oomph! y Ministry. En todo caso, las profundas diferencias existentes entre canciones como «Bestrafe mich», «Ohne dich» y «Te quiero puta!» hacen extremadamente difícil adscribir a Rammstein a un movimiento concreto, aunque, al ser mayormente música altamente distorsionada, se lo asocia con el movimiento Neue Deutsche Härte.
Haifa Wehbe (en árabe: هيفاء وهبي; Mahrouna 10 de marzo de 1972) es una de las cantantes más conocidas de Líbano y es considerada como símbolo de mujer madura de apariencia juvenil gracias a su esfuerzo de mantener una buena salud y forma física y gran belleza. Muchas personas la tienen como símbolo de belleza y feminidad, además de ser reconocida como una de las más guapas del mundo. Su álbum Miss Universo publicado por Rotana, fue colocado en el primer sitio web de iTunes desde el primer día de su publicación. En el inicio de su trayectoria artística tuvo una entrevista por ser un fenómeno en la música árabe. Consiguió el primer puesto en la revista india Rediff como mujer más guapa en el festival de música árabe de 2009. Ha sido clasificada como una de las mujeres de tercera edad más hermosas y más mantenidas del mundo por la revista People. Participó en el álbum Buddha Bar a través del distribuidor internacional David Vendetta con su canción Yama la yali, que fue emitida en las emisoras más importantes de Francia e Inglaterra.
Haifa Wehbe es la primera cantante solista árabe que divulgó sus canciones por Internet, siendo considerada como la solista que más comunica con su público a través de la red social Twitter. Sus canciones se caracterizan por su ritmo femenino y la mezcla de la canción árabe y el pop , con lo que Wehbe ha conseguido con ellas grandes ventas a nivel del mundo árabe.
Sugerencias de videos peculiares
Jules Massenet (1842 - 1912) fue un compositor francés del Romanticismo conocido principalmente por sus óperas, que fueron muy populares durante finales del siglo XIX y principios del XX. Nacido en Montaud, cuando tenía once años su familia se traslada a vivir a París para que él pueda estudiar en el Conservatorio donde sería alumno de Ambroise Thomas. Obtiene un primer premio de piano en 1859 y en 1863 gana el Grand Prix de Roma gracias a su cantata David Rizzio; en 1878 es nombrado profesor de composición en el Conservatorio de París. Massenet ha dejado una obra esencialmente lírica (veinticinco óperas); pero también compuso ballets, oratorios y cantatas, obras orquestales y unas doscientas canciones, además de algunas obras pianísticas.
Le Carillon. La acción se desarrolla en Courtrai, Flandes, en el siglo XV. Karl el relojero y Berta, se aman generosamente contra las intenciones de Pit el panadero y Jef, el deshollinador. Un heraldo anuncia la llegada próxima del Duque de Borgoña y añade que si no es recibido con los sones del nuevo carillón de la iglesia de San Martín, se encarcelará al relojero. Kart está desesperado porque aún le queda mucho para terminar su trabajo. Solo, por la noche, Karl cree ver ángeles haciendo sonar la campana, mientras Pit y Jef suben al campanario a destruirla. Amanece el nuevo día y en el momento en que entra el Duque, el carillón comienza a sonar. Los presentes alzan la mirada y ven a Pit y Jef transformados en muñecos de campanario, golpeando la campana con sus martillos. Berta y Karl caen abrazados el uno al otro. (Extractado de la Web del Ballet Malandain).
Thierry Malandain. Con más de ochenta obras en su haber, desarrolla una idea absolutamente personal de la danza. Estrechamente ligada al concepto de “Ballet” como corriente estética, su idea da prioridad al cuerpo danzante, a la celebración de su sensualidad y de su humanidad. Al mando de un grupo de intérpretes que dominan a la perfección la gramática de la danza clásica pero cuya expresión es actual, la trayectoria de Thierry Malandain se cimienta en profundos valores humanos. A través de sus creaciones, que pueden ser tan serias como impertinentes, desea desarrollar una escritura que logre la armonía entre lo clásico y lo contemporáneo, la historia y el mundo actual. (Extractado de la Web del Ballet Malandain).
Kathakali es la danza-teatro clásica de Kerala (estado indio), basada en temas mitológicos. Este video presenta la historia de Narakasuravadham (El asesinato de Narakasura). La obra gira en torno a la historia de Narakasura, un demonio feroz, y Jayantha, el valiente hijo del Señor Indra (Rey de los Dioses). Nakrathundi, la hermana de Narakasura, se siente atraída por Jayantha y se acerca a él disfrazada de Lalitha, una hermosa mujer. Jayantha rechaza su amor y la decepcionada demonio toma su forma normal y lo ataca. La hiere y un conmocionado Narakasura jura vengarse. Las artistas que actúan hoy son Margi Vijayakumar (como Lalitha) y Margi Murali (como Nakrathundi).
(Extractado del pie del vídeo)
La Morenada es una danza folclórica altiplánica cuyo origen se encuentra en debate. Este baile se practica principalmente en Bolivia, así como en Perú y en los últimos años, con la inmigración boliviana o peruana, en Chile, Argentina y otros países. La danza se remonta a la época colonial y se inspira en la trata de esclav@s, traíd@s por l@s conquistadores españoles para que trabajasen como laborer@s en las minas de plata en el Virreinato del Perú, probablemente iniciado por l@s aimaras disfrazad@s de negr@s y representando personajes como el caporal y la tropa de negr@s. Nació justamente en las cofradías de esclav@s llegad@s de África que se mofaban de los bailes de l@s señores/as blanc@s.
Hoy nos la ofrece el Elenco Nacional de Folclore del Perú.
Las danzas filipinas se caracterizan por su diversidad cultural, con estilos variados según la región. Son una forma de expresión cultural, ritual y social, a menudo asociadas con festividades y celebraciones. Las danzas filipinas a menudo incorporan música tradicional, vestimenta colorida y movimientos rítmicos, reflejando influencias tanto indígenas como coloniales.
Singkil es una danza étnica de Filipinas que tiene sus orígenes en el pueblo Maranao del lago Lanao , un grupo etnolingüístico musulmán de Mindanao. La danza es ampliamente reconocida hoy en día como la danza real de un príncipe y una princesa que se entrelazan entre sí aplaudiendo con un ritmo sincopado. Mientras el hombre manipula una espada y un escudo, la mujer hace girar con gracia un par de abanicos. La danza toma su nombre del accesorio con campanas que usa la princesa Maranao en los tobillos . Un conjunto de kulintang (conjunto musical tradicional) y agung (gong tìpico) siempre acompaña la danza. Singkil ha evolucionado con el tiempo, con importantes reinterpretaciones y cambios introducidos por el grupo de danza folclórica Bayanihan, como la incorporación de elementos de la epopeya de Darangen , en particular los episodios que involucran al príncipe Bantugan y la princesa Gandingan.
Sugerencias de música para niñ@s
Para la realización de estos textos se han utilizado diferentes artículos de la Wikipedia e informaciones puntuales de la Inteligencia Artificial.
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