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Tomaso Albinoni (1671- 1751) fue un compositor del barroco italiano, que nació y falleció en Venecia; conocido en su época por sus óperas, cuando en nuestros días su popularidad le viene de la música instrumental y, sobre todo de su famoso Adagio que parece ser que no lo escribió él, sino que lo compuso en 1945 el musicólogo italiano Remo Giazotto basándose  en unos fragmentos de una sonata para cuerdas y órgano de Albinoni. En contraste con los compositores de su época, nunca pretendió un puesto en la Iglesia o en la Corte, puesto que se defendía con sus propios recursos y era un enamorado de su propia independencia. Hijo de una familia acomodada, estudió canto y violín y compuso unas 50 óperas y abundante música instrumental; fundamentalmente, sonatas para solo y en trío, y conciertos para oboe y violín.

Hoy proponemos el visionado del 2º movimiento de su Concierto para oboe en Re menor en interpretación de la oboísta Amy Roberts


Franz Liszt (1811-1886) fue un genial pianista y exitoso compositor húngaro, cuyas obras han perdurado a lo largo de los años; obras para piano solo o concertante, además de obras orquestales entre las que cabe destacar sus poemas sinfónicos, forma musical de la que es progenitor. El padre de Liszt, como amante de la música tocaba el piano, el violín, el violonchelo y la guitarra; a la edad de seis años, Franz Liszt comenzó a escuchar con atención a su padre tocar el piano, al tiempo que mostraba interés por la música sacra y la música romaní. Adam, su padre, conocía la capacidad musical de su hijo y a los siete años le impartió su primera clase de piano. Franz comenzó a componer de manera elemental cuando tenía ocho años, en 1819, y a hacer improvisaciones. Ese mismo año realizó su primera actuación como pianista. En octubre y noviembre de 1820, a la edad de nueve años, apareció en conciertos en Sopron y Bratislava. Su padre consiguió que Franz fuera presentado ante la Corte de la Casa de Esterházy como niño prodigio. Liszt fue famoso en toda Europa durante el siglo XIX por su gran habilidad como intérprete. Sus contemporáneos afirmaban que era el pianista técnicamente más avanzado de su época y el más grande de todos los tiempos. También fue un importante e influyente compositor, un profesor de piano notable, un director de orquesta que contribuyó significativamente al desarrollo moderno del arte y un benefactor de otros compositores y artistas, intérpretes o ejecutantes. Aunque es más conocido por su faceta como pianista, fue un compositor prolífico que compuso extensamente para muchos instrumentos. Debido a su experiencia como virtuoso técnico vanguardista del piano, las obras de Liszt para dicho instrumento están a menudo marcadas por su dificultad. Es muy conocido como compositor de música programática, y por basar sus composiciones en elementos extramusicales, tales como la poesía o la pintura. A Liszt se le atribuye la creación del poema sinfónico, que es una obra programática para orquesta que consta generalmente en un único movimiento. El estilo de composición de Liszt profundizó en los temas de la unidad, tanto dentro como a través de movimientos. Por esta razón, en sus obras más famosas y virtuosas, es un compositor romántico arquetípico. Fue pionero en la técnica de la transformación temática, un método de desarrollo que está asociado tanto a la variación de la técnica existente como al nuevo uso del leitmotiv de Richard Wagner.

La Rapsodia húngara n.º 2, S. 244/2 forma parte de las diecinueve Rapsodias húngaras de Lizt. Ofrece al pianista la oportunidad de mostrar su virtuosismo al mismo tiempo que atrae enormemente al público. La obra consta de dos partes distintas: el Lassan y el Friska (del húngaro: lassú - lento; friss - fresco, rápido). Está escrita en Do sostenido menor y está dedicada al conde Ladislas Teleky ("au Comte Ladislas Teleky"). Fue compuesta en 1847 y fue publicada por primera vez como pieza para piano solo en 1851 por Senff and Ricordi. Esta rapsodia se ha utilizado en dibujos animados,  en diversas películas y ha servido como base para varias canciones populares.

La versión que hoy ofrecemos esta realizada por Valentina Lisitsa (1973), pianista ucraniana residente en USA desde 1991. Comenzó a estudiar piano a los tres años matriculándose posteriormente en el Conservatorio de Kiev donde conoció a su marido Alexei Kuznetsoff, también pianista. Lisitsa ha buscado a su audiencia a través de su propio canal en You Tube para el que ha grabado multitud de interpretaciones, siendo en la actualidad la concertista clásica más vista en internet.

Franz Liszt (1811-1886) fue un genial pianista y exitoso compositor húngaro, cuyas obras han perdurado a lo largo de los años; obras para piano solo o concertante, además de obras orquestales entre las que cabe destacar sus poemas sinfónicos, forma musical de la que es progenitor. El padre de Liszt, como amante de la música tocaba el piano, el violín, el violonchelo y la guitarra; a la edad de seis años, Franz Liszt comenzó a escuchar con atención a su padre tocar el piano, al tiempo que mostraba interés por la música sacra y la música romaní. Adam, su padre, conocía la capacidad musical de su hijo y a los siete años le impartió su primera clase de piano. Franz comenzó a componer de manera elemental cuando tenía ocho años, en 1819, y a hacer improvisaciones. Ese mismo año realizó su primera actuación como pianista. En octubre y noviembre de 1820, a la edad de nueve años, apareció en conciertos en Sopron y Bratislava. Su padre consiguió que Franz fuera presentado ante la Corte de la Casa de Esterházy como niño prodigio. Liszt fue famoso en toda Europa durante el siglo XIX por su gran habilidad como intérprete. Sus contemporáneos afirmaban que era el pianista técnicamente más avanzado de su época y el más grande de todos los tiempos. También fue un importante e influyente compositor, un profesor de piano notable, un director de orquesta que contribuyó significativamente al desarrollo moderno del arte y un benefactor de otros compositores y artistas, intérpretes o ejecutantes. Aunque es más conocido por su faceta como pianista, fue un compositor prolífico que compuso extensamente para muchos instrumentos. Debido a su experiencia como virtuoso técnico vanguardista del piano, las obras de Liszt para dicho instrumento están a menudo marcadas por su dificultad. Es muy conocido como compositor de música programática, y por basar sus composiciones en elementos extramusicales, tales como la poesía o la pintura. A Liszt se le atribuye la creación del poema sinfónico, que es una obra programática para orquesta que consta generalmente en un único movimiento. El estilo de composición de Liszt profundizó en los temas de la unidad, tanto dentro como a través de movimientos. Por esta razón, en sus obras más famosas y virtuosas, es un compositor romántico arquetípico. Fue pionero en la técnica de la transformación temática, un método de desarrollo que está asociado tanto a la variación de la técnica existente como al nuevo uso del leitmotiv de Richard Wagner.

La Rapsodia húngara n.º 2, S. 244/2 forma parte de las diecinueve Rapsodias húngaras de Lizt. Ofrece al pianista la oportunidad de mostrar su virtuosismo al mismo tiempo que atrae enormemente al público. La obra consta de dos partes distintas: el Lassan y el Friska (del húngaro: lassú - lento; friss - fresco, rápido). Está escrita en Do sostenido menor y está dedicada al conde Ladislas Teleky ("au Comte Ladislas Teleky"). Fue compuesta en 1847 y fue publicada por primera vez como pieza para piano solo en 1851 por Senff and Ricordi. Esta rapsodia se ha utilizado en dibujos animados,  en diversas películas y ha servido como base para varias canciones populares.

La versión que hoy ofrecemos esta realizada por Valentina Lisitsa (1973), pianista ucraniana residente en USA desde 1991. Comenzó a estudiar piano a los tres años matriculándose posteriormente en el Conservatorio de Kiev donde conoció a su marido Alexei Kuznetsoff, también pianista. Lisitsa ha buscado a su audiencia a través de su propio canal en You Tube para el que ha grabado multitud de interpretaciones, siendo en la actualidad la concertista clásica más vista en internet.

 


Pablo Sorozábal (1897-1988) fue un director de orquesta y compositor nacido en Donostia (San Sebastián); comenzó sus estudios de violín en la Academia Municipal de Música de San Sebastián; a los 17 años entra a formar parte de la Orquesta del Casino de San Sebastián y a los 21, de la Filarmónica de Madrid. Becado por la Diputación de Gipuzkoa complementa sus estudios en Leipzig y Berlín. En 1931 estrena Katiuska a la que seguirían otras zarzuelas que le darían gran fama como La del manojo de rosas y La Tabernera del Puerto, entre otras; escribió, además, distintas obras de música vasca, obras para txistu, obras corales y música sinfónica. Debido a sus ideas republicanas, tras la Guerra civil, estuvo aislado como compositor con lo que le costaba estrenar en Madrid las distintas zarzuelas que compuso. Como director de la Orquesta Sinfónica de Madrid terminó de malos modos en 1952 cuando se le prohibió tocar la Sinfonía Leningrado de Shostakovich.

El Orfeón de Sestao se funda en 1906 como Coro Parroquial de la Iglesia de Sta María con Vitorio Epalza como director obteniendo en 1944 en primer premio de orfeones en Bilbao. En 1973 graban en Madrid dos álbums con la casa Columbia;  uno, con canciones sacras y otro, de música coral vasca. En 1975, al no ser necesaria su presencia en las funciones litúrgicas, se independiza de la Parroquia; desde entonces sus actuaciones se han multiplicado actuando en solitario o con distint@s artistas y formaciones profesionales de gran nivel. Hoy junto con la Banda Municipal de Música de Bilbao nos ofrecen la canción Ay Tierra vasca de Sorozábal.


Nino Rota (1911 - 1979) fue un compositor italiano de música clásica y cinematográfica. Altamente dotado, Rota estudió en Roma con Alfredo Casella e Ildebrando Pizzetti, entre otros. Profesor del Liceo Musical de Bari desde 1939, del que llegaría a ser director, desarrolló una doble carrera como compositor de bandas sonoras de cine y compositor de música clásica. Ganó una beca y estudió en el Curtis Institute of Music de Filadelfia. Fue maestro del director Riccardo Muti. El estilo de Rota, neorromántico, queda inscrito plenamente dentro de la tonalidad, bien acorde con su don innato de melodista. Escribió música para piano, música de cámara y música sinfónica, dejando tres sinfonías y varios conciertos, entre los que se destacan su famoso Divertimento concertante para contrabajo y orquesta (dedicado al gran solista Franco Petracchi) y su Concierto para trombón. Destacó igualmente como compositor de escena, siendo el autor de varias óperas.

Murió en Roma el 10 de abril de 1979 a la edad de 67 años debido a una trombosis coronaria.

Nino Rota (1911 - 1979) fue un compositor italiano de música clásica y cinematográfica. Altamente dotado, Rota estudió en Roma con Alfredo Casella e Ildebrando Pizzetti, entre otros. Profesor del Liceo Musical de Bari desde 1939, del que llegaría a ser director, desarrolló una doble carrera como compositor de bandas sonoras de cine y compositor de música clásica. Ganó una beca y estudió en el Curtis Institute of Music de Filadelfia. Fue maestro del director Riccardo Muti. El estilo de Rota, neorromántico, queda inscrito plenamente dentro de la tonalidad, bien acorde con su don innato de melodista. Escribió música para piano, música de cámara y música sinfónica, dejando tres sinfonías y varios conciertos, entre los que se destacan su famoso Divertimento concertante para contrabajo y orquesta (dedicado al gran solista Franco Petracchi) y su Concierto para trombón. Destacó igualmente como compositor de escena, siendo el autor de varias óperas.

Murió en Roma el 10 de abril de 1979 a la edad de 67 años debido a una trombosis coronaria.

 


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Luigi Cherubini (1760-1842) fue un compositor italiano. Su instrucción en la música comenzó a la edad de seis años con su padre, clavecinista en el teatro de la Pergola de Florencia, y posteriormente con A. Felici. A la edad de trece años, ya había escrito algunas obras religiosas. En 1778 estudia música en Bolonia y de 1778 a 1782 continua sus estudios en Milán bajo la dirección de Giuseppe Sarti. En 1779 estrenó en Alessandria su primer melodrama, Quinto Fabio, y durante los años siguientes compuso para los teatros de Toscana, Roma, Venecia y Mantua. En 1787 se estableció en París, donde compuso varias óperas con escaso éxito; éste le llegó en 1791 con Lodoïska, seguido de su trabajo más conocido mundialmente, Medea (1797) y de Les deux journées (1800). En 1805, Cherubini recibió la invitación de Viena para escribir y dirigir una ópera, Fanista, que fue recibida con entusiasmo, en particular por Haydn y Beethoven. A su regreso de Austria, deprimido por su situación financiera, dejó la música para dedicarse a la pintura y a la botánica. En 1808 volvió a escribir, principalmente música religiosa, pero también compuso la ópera Les Abéncerages (1813) y empezó la serie de sus cuartetos para cuerda. En 1815 la Sociedad Filarmónica de Londres le encargó una sinfonía, una obertura y una composición para coro y orquesta, por lo que se desplazó a la capital inglesa; esto incrementó su fama internacional. De regreso a París, la caída de Napoleón y la Restauración favorecieron su carrera; fue nombrado Superintendente de la Música del Rey (1816) y Director del Conservatorio (1822). Compuso una misa en 1825 para la coronación de Carlos X. Después de 1837 se dedicó casi exclusivamente a la enseñanza y entre sus alumnos tuvo a Auber y Halévy. A lo largo de su vida compuso abundante obra lírica y religiosa, además de distinta obra camerística y sinfónica. Murió en París a los 81 años y fue enterrado en el cementerio Père Lachaise.

Medea (Medée, en francés) es una ópera en tres actos con música de Luigi Cherubini y libreto en francés de François-Benoît Hoffmann (Nicolas Étienne Framéry), que se basa en la tragedia homónima de Eurípides y de Pierre Corneille. La ópera se estrenó el 13 de marzo de 1797 en el Théâtre Feydeau, París. Encontró una tibia recepción y no se repuso inmediatamente. Durante el siglo XIX y la mayor parte del XX, se representó normalmente en la traducción italiana como Medea, con el diálogo hablado reemplazado por recitativos no autorizados por el compositor. Más recientemente, las compañías de ópera han vuelto a la versión original de Cherubini. Raro ejemplo de la tragedia alternando números cantados y diálogos en alejandrinos, el estilo musical realiza una fusión inédita entre la tragedia clásica de la escuela francesa y el modelo que representa la escuela italiana.

El vídeo que hoy presentamos, con subtítulos en castellano, está protagonizado, entre otr@s, por Montserrat Caballé, Josep Carreras, Elena Obratzsova, Kolos Kovats, María Gallego, acompañad@s por el Coro y Orquesta de RTVE y conducid@s tod@s ell@s por la batuta de Antoni Ros Marbá. 


El compositor ruso Piotr Chaikovsky (1840-1893) se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos y variados géneros musicales, aunque donde su fama alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis personales a partir los 14 años, en que murió su madre, y a consecuencia, también, de una homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. A pesar de las claras manifestaciones de su facilidad para la música, su educación estuvo encaminada a lograr obtener algún puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia, cosa que logró en 1859. Sin dejar su trabajo, se matriculó en composición; a los tres años, sin embargo, abandonó su trabajo para dedicarse exclusivamente al  estudio musical. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y actualmente está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia. 

El Capricho Italiano, op. 45 es una obra de  Chaikovsky escrita a principios de 1880 y terminada en Moscú el 28 de diciembre de ese mismo año. Chaikovsky había pasado varias semanas de vacaciones en Italia entre 1879 y 1880, visitando los más bellos lugares de la península. Visitó Florencia, Roma, Nápoles y Venecia escogiendo algo de cada uno de estos lugares. Escribió en aquellos días a su amiga Nadezhda von Meck lo encantado que quedó con aquellos lugares donde no había ni lluvia ni nieve, estando en lugares nunca soñados: la música, bailes, fiestas y todo rodeado por un hermoso paisaje siempre iluminado por el sol. En esta brillante composición, son varios los temas populares del folclore italiano expuestos en una pieza brillante; es el homenaje que Chaikovsky quería hacer a un país en el que fue recibido con alegría y cariño. En una carta a su benefactora, Nadezhda von Meck, indicó el carácter del capricho: Gracias a los encantadores temas, algunos de los cuales he tomado de colecciones folklóricas, mientras que otros los he escuchado en las calles, esta obra va a ser muy efectiva. La obra, escrita en un solo movimiento, consta de tres secciones ininterrumpidas: Andante un poco rubato, precedido de unos toques de trompeta es el tema principal de la obra basado en una melodía misteriosa y profunda. Pochissimo più mosso una serie de melodías italianas graciosas y ligeras que terminan enlazando con el tema principal que da paso al Allegro moderato basado en una tarantela de aire vivo y alegre que nos llevará al recuerdo del tema principal para terminar con un final brillante y entusiasta.

Hoy nos la ofrece la Sinfónica de la Ciudad de Moscú bajo la batuta del maestro ruso Michail Jurowski (1990).

El compositor ruso Piotr Chaikovsky (1840-1893) se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y escribió obras de distintos y variados géneros musicales, aunque donde su fama alcanzó los mayores éxitos fue con sus ballets. Su vida personal estuvo plagada de continuas crisis personales a partir los 14 años, en que murió su madre, y a consecuencia, también, de una homosexualidad reprimida, que le forzó a contraer un matrimonio que sólo duró unos pocos meses. A pesar de las claras manifestaciones de su facilidad para la música, su educación estuvo encaminada a lograr obtener algún puesto de funcionario en el Ministerio de Justicia, cosa que logró en 1859. Sin dejar su trabajo, se matriculó en composición; a los tres años, sin embargo, abandonó su trabajo para dedicarse exclusivamente al  estudio musical. Escribió más de 150 composiciones, entre obras para piano, cuartetos, suites, sinfonías, conciertos, corales, cantatas, óperas y ballets. Murió a los 53 años y actualmente está considerado como uno de los más grandes compositores de la historia. 

El Capricho Italiano, op. 45 es una obra de  Chaikovsky escrita a principios de 1880 y terminada en Moscú el 28 de diciembre de ese mismo año. Chaikovsky había pasado varias semanas de vacaciones en Italia entre 1879 y 1880, visitando los más bellos lugares de la península. Visitó Florencia, Roma, Nápoles y Venecia escogiendo algo de cada uno de estos lugares. Escribió en aquellos días a su amiga Nadezhda von Meck lo encantado que quedó con aquellos lugares donde no había ni lluvia ni nieve, estando en lugares nunca soñados: la música, bailes, fiestas y todo rodeado por un hermoso paisaje siempre iluminado por el sol. En esta brillante composición, son varios los temas populares del folclore italiano expuestos en una pieza brillante; es el homenaje que Chaikovsky quería hacer a un país en el que fue recibido con alegría y cariño. En una carta a su benefactora, Nadezhda von Meck, indicó el carácter del capricho: Gracias a los encantadores temas, algunos de los cuales he tomado de colecciones folklóricas, mientras que otros los he escuchado en las calles, esta obra va a ser muy efectiva. La obra, escrita en un solo movimiento, consta de tres secciones ininterrumpidas: Andante un poco rubato, precedido de unos toques de trompeta es el tema principal de la obra basado en una melodía misteriosa y profunda. Pochissimo più mosso una serie de melodías italianas graciosas y ligeras que terminan enlazando con el tema principal que da paso al Allegro moderato basado en una tarantela de aire vivo y alegre que nos llevará al recuerdo del tema principal para terminar con un final brillante y entusiasta.

Hoy nos la ofrece la Sinfónica de la Ciudad de Moscú bajo la batuta del maestro ruso Michail Jurowski (1990).

 


Gustav Mahler (1860-1911) fue un compositor y director de orquesta nacido en Kaliště, actualmente Chequia. Desde su fallecimiento está considerado como uno de los compositores más eminentes del posromanticismo y en su tiempo, como uno de los directores de orquesta y de ópera más apreciados; aunque debido a sus orígenes judíos, tuvo enfrente a determinada prensa antisemita durante los diez años que residió en Viena. Su trabajo creativo lo centró en la sinfonía, en el  lied (canción lírica) y en la conjunción de ambos conceptos; sin embargo, sus composiciones no tuvieron el éxito merecido en vida, debido a la diversidad de elementos con los que trabajaba (melodías populares, militares, fanfarrias de diversos tipos…) las disonancias manifiestas a las que el público no estaba acostumbrado, la larga duración de sus sinfonías, además de, sobre todo, el apuntado antisemitismo. Todo ello no era fácilmente digerible y explica que el reconocimiento como compositor le llegase demasiado tarde.

Das klagende Lied (literalmente, «La canción del lamento») es una cantata de Gustav Mahler, compuesta entre 1878 y 1880, aunque frecuentemente corregida durante las siguientes dos décadas. En su forma original, Das klagende Lied es una de las primeras de sus obras que han sobrevivido hasta nuestro tiempo. Mahler empezó a escribir el texto de Das klagende Lied presumiblemente basándose en un cuento de hadas del mismo nombre de Ludwig Bechstein y/o en el cuento Der singende Knochen («El hueso cantarín») de Jacob y Wilhelm Grimm durante la primera parte de su año final en el Conservatorio de Viena (Universidad de Música y Artes Escénicas), donde estudió entre 1875 y 1878. El borrador del texto para la obra está fechado el 18 de marzo de 1878, y la composición de la música comenzó en el otoño de 1879 y fue completada el 1 de noviembre de 1880. La primera interpretación no se produjo hasta 1901, cuando Mahler ya había realizado diversas revisiones a la partitura original; la primera revisión tuvo lugar en la segunda mitad de 1893, y con ella se produjo una significativa reducción y modificación de los arreglos de las fuerzas orquestales y vocales; se redujo el número de arpas de la primera parte de seis a dos, y los solistas vocales, de once a cuatro. Otras revisiones, hasta llegar a la actual obra se realizaron entre septiembre y diciembre de 1898. En realidad, esta revisión fue tan amplia que Mahler se vio obligado a escribir una partitura completamente nueva.

La versión que hoy ofrecemos está realizada por la soprano Eleanor Lyons,  la mezzo Michaela Schuster, el tenor Steve Davislim, el barítono-bajo Andrew Collis, el Coro Filármónico de Sidney y la Orquesta Sinfónica de Sidney, tod@s ell@s bajo la batuta de la maestra australiana Simone Young.


Tan Dun (1957) es un compositor chino de música clásica contemporánea, residente en Nueva York y conocido por las bandas sonoras de las películas Wò hǔ cáng lóng, por la que ganó el premio Óscar, el premio Grammy y el premio Bafta, y por Hero, así como para la música utilizada para la transmisión de El Día del Milenio (2000 Today) y la música para la Ceremonia Inaugural de los Juegos Olímpicos de Beijing 2008. En 2013, fue nombrado embajador de UNESCO. Su salida de la comuna vino en la forma de una compañía itinerante patrocinada por el gobierno de la Ópera de Pekín. Cuando un ferry lleno de artistas intérpretes naufragó cerca de la comuna, muriendo varios de ellos, Tan fue contratado por la compañía y así salió de la comuna. Desde allí se dirigió al Conservatorio Central de Música en Pekín y estudió con músicos como Tōru Takemitsu, que influyó fuertemente en su musicalidad y su sentido del estilo musical. Ha escrito sinfonías, conciertos, óperas y música para bandas sonoras.

El guzheng, o gu zheng o simplemente zheng es un instrumento musical de cuerdas tradicional chino, antecesor de varios instrumentos musicales, el koto japonés, el gayageum coreano y el đàn tranh vietnamita; posee puentes, a diferencia del guqin, que es otro modelo antiguo de cimitarra china que no posee puentes. El guzheng moderno es un instrumento que se puntea con los dedos, similar a una cimitarra de medio tubo con puentes móviles y 21 a 31 cuerdas. Antiguamente las cuerdas del guzheng se construían de seda retorcida y sin ser armoniosa; actualmente la mayoría de los músicos utilizan cuerdas de metal (generalmente de acero para las cuerdas altas y de acero envuelto en cobre para las cuerdas bajas). Desde mediados del siglo XX la mayoría de los músicos utiliza cuerdas de metal encapsuladas en nylon. El guzheng posee una gran cavidad resonante construida de madera de wu tong (Paulownia tomentosa). Otras partes, que cumplen funciones decorativas o estructurales pueden estar fabricadas con otras maderas. Existe una variedad de técnicas que se utilizan para tocar el guzheng, las mismas incluyen las acciones básicas de punteo (tanto con la mano derecha o con ambas manos) en la zona derecha del instrumento y acciones de presionado en la zona izquierda (con la mano izquierda para producir ornamentaciones del tono y vibrato) como también trémolo (con la mano derecha). Estas técnicas de tocar el guzheng permiten crear sonidos que evocan la cascada de un arroyo, truenos, cascos de caballos, y paisajes campestres. El punteado se realiza principalmente con la mano derecha con cuatro púas que se fijan a los dedos. Ejecutantes avezados pueden utilizar púas en los dedos de ambas manos. Antiguamente las púas se construían de marfil y posteriormente de caparazón de tortuga.

Hoy ofrecemos el Concierto para Guzheng y Orquesta escrito por Tan Dun y realizado por Yuan Li como solista acompañada por la Sinfónica de Radio Frankfurt bajo la batuta del maestro canadiense Julian Kuerti (1976)

Tan Dun (1957) es un compositor chino de música clásica contemporánea, residente en Nueva York y conocido por las bandas sonoras de las películas Wò hǔ cáng lóng, por la que ganó el premio Óscar, el premio Grammy y el premio Bafta, y por Hero, así como para la música utilizada para la transmisión de El Día del Milenio (2000 Today) y la música para la Ceremonia Inaugural de los Juegos Olímpicos de Beijing 2008. En 2013, fue nombrado embajador de UNESCO. Su salida de la comuna vino en la forma de una compañía itinerante patrocinada por el gobierno de la Ópera de Pekín. Cuando un ferry lleno de artistas intérpretes naufragó cerca de la comuna, muriendo varios de ellos, Tan fue contratado por la compañía y así salió de la comuna. Desde allí se dirigió al Conservatorio Central de Música en Pekín y estudió con músicos como Tōru Takemitsu, que influyó fuertemente en su musicalidad y su sentido del estilo musical. Ha escrito sinfonías, conciertos, óperas y música para bandas sonoras.

El guzheng, o gu zheng o simplemente zheng es un instrumento musical de cuerdas tradicional chino, antecesor de varios instrumentos musicales, el koto japonés, el gayageum coreano y el đàn tranh vietnamita; posee puentes, a diferencia del guqin, que es otro modelo antiguo de cimitarra china que no posee puentes. El guzheng moderno es un instrumento que se puntea con los dedos, similar a una cimitarra de medio tubo con puentes móviles y 21 a 31 cuerdas. Antiguamente las cuerdas del guzheng se construían de seda retorcida y sin ser armoniosa; actualmente la mayoría de los músicos utilizan cuerdas de metal (generalmente de acero para las cuerdas altas y de acero envuelto en cobre para las cuerdas bajas). Desde mediados del siglo XX la mayoría de los músicos utiliza cuerdas de metal encapsuladas en nylon. El guzheng posee una gran cavidad resonante construida de madera de wu tong (Paulownia tomentosa). Otras partes, que cumplen funciones decorativas o estructurales pueden estar fabricadas con otras maderas. Existe una variedad de técnicas que se utilizan para tocar el guzheng, las mismas incluyen las acciones básicas de punteo (tanto con la mano derecha o con ambas manos) en la zona derecha del instrumento y acciones de presionado en la zona izquierda (con la mano izquierda para producir ornamentaciones del tono y vibrato) como también trémolo (con la mano derecha). Estas técnicas de tocar el guzheng permiten crear sonidos que evocan la cascada de un arroyo, truenos, cascos de caballos, y paisajes campestres. El punteado se realiza principalmente con la mano derecha con cuatro púas que se fijan a los dedos. Ejecutantes avezados pueden utilizar púas en los dedos de ambas manos. Antiguamente las púas se construían de marfil y posteriormente de caparazón de tortuga.

Hoy ofrecemos el Concierto para Guzheng y Orquesta escrito por Tan Dun y realizado por Yuan Li como solista acompañada por la Sinfónica de Radio Frankfurt bajo la batuta del maestro canadiense Julian Kuerti (1976)

 


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Peggy Lee (1920- 2002) fue una cantante, compositora y actriz estadounidense ampliamente reconocida como una de las personalidades musicales más influyentes en la música comercial anglosajona del siglo XX. Durante su juventud aceptó todo tipo de trabajos, desde camarera hasta cantante en emisoras locales. Cansada de los arrebatos de su madrastra, abandonó su domicilio a los 17 años de edad y viajó primero a Los Ángeles y luego a Chicago donde tras escucharle Benny Goodman  fue invitada a integrarse en su banda. En 1942, Lee consiguió su primer número 1, Somebody Else Is Taking My Place, seguido en 1943 por Why Don't You Do Right, canción que vendió más de un millón de copias y la hizo famosa. Desde 1957 hasta 1972, normalmente producía dos o tres álbumes anuales. En 1969 ganó el Premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina por su Is That All There Is? En 1995 recibió otro Grammy, en esta ocasión a la totalidad de su carrera. Tras años de mala salud, Lee falleció a causa de las complicaciones de una diabetes y de un infarto agudo de miocardio a los 81 años de edad.


A-ha es una banda noruega de rock fundada en Oslo en 1982. Desde su primer álbum, el éxito les ha acompañado  incesantemente, hasta ser considerada como una de las bandas más exitosas de todos los tiempos, como lo atestiguan sus más de 70 millones de discos vendidos y sus seis Premios Grammy. Su cénit se produce en la década de los 80 sobre todo con su canción  Take on Me. En 1991 consiguió un récord Guinness por la mayor audiencia conseguida en un concierto de pago, con 198.000 espectadores en el Estadio Maracanã de Río de Janeiro.

A-ha es una banda noruega de rock fundada en Oslo en 1982. Desde su primer álbum, el éxito les ha acompañado  incesantemente, hasta ser considerada como una de las bandas más exitosas de todos los tiempos, como lo atestiguan sus más de 70 millones de discos vendidos y sus seis Premios Grammy. Su cénit se produce en la década de los 80 sobre todo con su canción  Take on Me. En 1991 consiguió un récord Guinness por la mayor audiencia conseguida en un concierto de pago, con 198.000 espectadores en el Estadio Maracanã de Río de Janeiro.

 


Antônio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim (1927 - 1994), conocido por su nombre artístico Tom Jobim, fue un compositor, arreglista, cantante, guitarrista y pianista brasileño de bossa nova, música popular de su país y música clásica. Está considerado como uno de los más grandes exponentes de la música brasileña, y como uno de los grandes compositores de música popular del siglo XX. Fue el artista que internacionalizó la bossa nova y, con la ayuda de importantes artistas estadounidenses, la fusionó con el jazz para estandarizar en los años 1960 un nuevo sonido cuyo éxito popular fue muy destacable. Las raíces musicales de Jobim se encuentran en la música clásica a través de grandes compositores como Claude Debussy, Frédéric Chopin y Heitor Villa-Lobos, que le influyeron decisivamente. A ello se unen el samba y el folclore brasileños, las armonías del cool jazz y los musicales de Broadway. Como pianista, su toque es sencillo y melódico, al estilo de un Claude Thornhill, aunque en algunas de sus grabaciones llegase a demostrar que podía ser sumamente inventivo. Su guitarra está limitada principalmente a un acompañamiento apacible a los ritmos sincopados del jazz; su voz, suave, sencilla y ligeramente ronca, subraya los aspectos emocionales de las letras. De entre su abundante producción destaca el tema «Garota de Ipanema», con letra de Vinicius de Moraes, una de las melodías brasileñas más conocidas en el mundo.


Rosalía Vila Tobella (Sant Esteve Sesrovires, Barcelona, 25 de septiembre de 1992), conocida simplemente como Rosalía  es una cantante, compositora, productora y actriz española. Ha sido galardonada con dos premios Grammy Latinos por «Malamente» y cinco por el álbum que hoy presentamos, El mal querer, que la convirtieron en la artista española con más galardones otorgados por la Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación por un único trabajo, y dos MTV Video Music Awards. El 26 de enero de 2020 recibió el Premio Grammy a mejor álbum latino de rock, urbano o alternativo en la ciudad de Los Ángeles, siendo además la primera persona en la historia en estar nominada al Grammy al Mejor Nuevo Artista con un álbum debut en español. Su interés por la música surgió de la mano de su padre, quien la animó a cantar cuando tenía siete años de edad. A los diez años empezó su formación musical, concentrándose plenamente en ella tres años después. Se preparó para sus estudios superiores en el Taller de Músics, posteriormente, se transfirió a la Escuela Superior de Música de Cataluña, en la que recibió clases de Chiqui de La Línea, un profesor de flamenco que solo aceptaba un alumno por año. Rosalía mezcla el flamenco tradicional con la copla y con estilos modernos como el pop, el trap, el hip hop, la música electrónica y la música experimental, y se lo puede categorizar como nuevo flamenco, flamenco-pop, flamenco-trap, pop experimental, worldbeat y música electrónica.

Rosalía Vila Tobella (Sant Esteve Sesrovires, Barcelona, 25 de septiembre de 1992), conocida simplemente como Rosalía  es una cantante, compositora, productora y actriz española. Ha sido galardonada con dos premios Grammy Latinos por «Malamente» y cinco por el álbum que hoy presentamos, El mal querer, que la convirtieron en la artista española con más galardones otorgados por la Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación por un único trabajo, y dos MTV Video Music Awards. El 26 de enero de 2020 recibió el Premio Grammy a mejor álbum latino de rock, urbano o alternativo en la ciudad de Los Ángeles, siendo además la primera persona en la historia en estar nominada al Grammy al Mejor Nuevo Artista con un álbum debut en español. Su interés por la música surgió de la mano de su padre, quien la animó a cantar cuando tenía siete años de edad. A los diez años empezó su formación musical, concentrándose plenamente en ella tres años después. Se preparó para sus estudios superiores en el Taller de Músics, posteriormente, se transfirió a la Escuela Superior de Música de Cataluña, en la que recibió clases de Chiqui de La Línea, un profesor de flamenco que solo aceptaba un alumno por año. Rosalía mezcla el flamenco tradicional con la copla y con estilos modernos como el pop, el trap, el hip hop, la música electrónica y la música experimental, y se lo puede categorizar como nuevo flamenco, flamenco-pop, flamenco-trap, pop experimental, worldbeat y música electrónica.

 


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André Messager (1853 - 1929) fue un compositor y director de orquesta francés. Nació en Montluçon, estudió en París, y fue durante un periodo alumno de Saint-Saëns en la École Niedermeyer. En 1874 fue nombrado organista en St Sulpice. En 1876, obtuvo la medalla de oro de la «Société des Compositeurs» con una sinfonía. En 1880 fue nombrado director musical en Ste. Marie-des-Batignolles. Compuso 45 obras escénicas, de las que ocho son ballets. También compuso una sinfonía en 1875 y numerosas canciones y obras instrumentales. En 1883 terminó la ópera cómica de Firmin Bernicat François des bas bleus; y en 1885 presentó sus propias operetas, La Fauvette du temple y La Béarnaise, siendo la última presentada en Londres en 1886. La ópera cómica de Messager La Basoche fue producida en 1890 en la Opéra Comique en París y le dio ya una cierta reputación. Luego ésta se acrecentó con ópera ligeras melodiosas y accesibles tales como Madame Chrysanthème (1893), Mirette (1894, producida por la D'Oyly Carte Opera Company en el Teatro Savoy), la exitosa Les p´tites Michu (1897) —de la que se ofrecieron un total de 401 presentaciones en el Daly's Theatre en Londres en 1905— y la opereta Véronique (1898), su ópera cómica más exitosa en Inglaterra (1904-05), que disfrutó de un total de 496 presentaciones en el West End. Además de dirigir durante algunos años el teatro de la «Opéra Comique» de París, los servicios de Messager fueron también seguros en Londres en 1901 y años después fue uno de los directores de la ópera del Covent Garden. Messager murió en 1929 y fue enterrado en el Cementerio de Passy.

Les Deux Pigeons es un ballet originalmente coreografiado en dos actos por Louis Mérante con música de André Messager . El libreto de Mérante y Henri de Régnier está basado en la fábula Las dos palomas de Jean de La Fontaine . La obra se representó por primera vez en la Ópera de París el 18 de octubre de 1886. La partitura está dedicada a Camille Saint-Saëns , cuya influencia ayudó a Messager a conseguir el encargo del ballet.

Como protagonista en la representación de hoy tenemos a Sylvie Guillem (1965 ), célebre bailarina francesa, primera bailarina en el Ballet de la Ópera de París entre 1984-89 y del Royal Ballet de Londres (1989-2003).


La Polka (o polca) es una danza popular aparecida en Bohemia (actual República Checa) hacia 1830, que comenzó a popularizarse en Praga a partir de 1835. Su música está escrita en compás de 2/4 y tiempo rápido; se baila con pasos laterales y evoluciones rápidas; se hizo muy popular en Europa y América.

En el presente vídeo ofrecemos una variante de la polka, concretamente la finlandesa, realizada por solistas del Ballet Igor Moiseyev que actualmente es una de las grandes compañías de ballet del mundo que logra sintetizar la espontaneidad de las danzas populares con el academicismo del ballet clásico.

La Polka (o polca) es una danza popular aparecida en Bohemia (actual República Checa) hacia 1830, que comenzó a popularizarse en Praga a partir de 1835. Su música está escrita en compás de 2/4 y tiempo rápido; se baila con pasos laterales y evoluciones rápidas; se hizo muy popular en Europa y América.

En el presente vídeo ofrecemos una variante de la polka, concretamente la finlandesa, realizada por solistas del Ballet Igor Moiseyev que actualmente es una de las grandes compañías de ballet del mundo que logra sintetizar la espontaneidad de las danzas populares con el academicismo del ballet clásico.

 


Mikis Theodorakis (1925- 2021) fue un compositor e intelectual griego, conocido también por su militancia política, especialmente como opositor a la Junta de los Coroneles en 1974. Nacido en la Isla de Quíos y criado dentro del folklore griego y la liturgia ortodoxa, desde su infancia comenzó a componer antes de recibir lecciones de música o saber tocar algún instrumento. Pasó sus primeros años en diversas ciudades griegas de provincia, como Mitilene, Ioannina, Cefalonia, Pirgo, Patras y, principalmente, Trípoli. Es allí donde dio su primer concierto en un coro que formó cuando apenas había cumplido diecisiete años. También a aquella edad empezó su incursión en el mundo de la política. Eran los años de la Segunda Guerra Mundial y el joven Mikis se unió a la resistencia, primero contra la Italia fascista y después contra la Alemania nazi, aunque es igualmente cierto que antes había pertenecido a grupos fascistas del régimen de Ioannis Metaxas. Ayudando a familias judías a escapar de las autoridades germanas, fue detenido y torturado por los italianos en 1943. En 1954, obtuvo una beca para completar estudios en París, donde se inscribe en el conservatorio y estudia análisis musical, bajo la dirección de Olivier Messiaen y dirección de orquesta con Eugène Bigot. En este período estudió con intensidad la tradición musical occidental. Compone el ballet Antígona para Ludmila Tcherina, que fue representado en el Covent Garden, y también algunas bandas sonoras. En 1957 obtuvo el primer premio del Festival de música de Moscú por su Suite n.º 1 para piano y orquesta. Al mismo tiempo escribió diversas piezas sinfónicas y de cámara. Darius Milhaud lo propuso para el premio de Mejor compositor europeo. En 1960, regresó a Grecia. Su vuelta a la patria no es solo física, sino también artística y espiritual. Theodorakis consideró completa su formación musical clásica e inició un período que estará enormemente influido por la música tradicional y popular griega, aunque sin desdeñar la importante formación recibida en Francia. Con una música de sólida estructura pero de aliento popular, comenzó una verdadera revolución en la escena musical griega: acercar la gran poesía de la Grecia moderna a una inmensa mayoría de público a través de música de genuina raíz popular y de gran calidad artística. El 21 de abril de 1967 una junta militar de extrema derecha, la Junta de los Coroneles,  dio un golpe militar y se hizo con el poder en Grecia. Theodorakis pasó a la clandestinidad y fundó una organización de resistencia contra la dictadura; lo que le supuso su detención y encarcelamiento. Tras una larga huelga de hambre, vino su destierro, donde dedicó todas sus fuerzas a la lucha contra la dictadura. Sus canciones se convirtieron en todo el mundo un símbolo de la resistencia contra el fascismo. En 1974, tras la caída del régimen fascista, regresó a Grecia, continuando con sus dos facetas, artística y política. En los últimos años sufría de múltiples complicaciones debido a que padecía del corazón y fallecería de un infarto agudo de miocardio en su casa en Atenas el 2 de septiembre del 2021.

En 1963 compuso la música para Zorba, el griego, la película de Michalis Cacoyiannis en la que el actor Anthony Quinn interpretó al personaje principal. La historia relata el conflicto existente entre los dos personajes principales, Zorba y Basil, quienes representan el conflicto humano entre la pasión y la razón, buscando representar el dualismo cognitivo propio de la humanidad.

Sirtaki (Sirtáki o Syrtáki - en griego συρτάκι) es una danza creada para la película Zorba el griego, en la que se mezclan las versiones lentas y rápidas de la danza de Hasapiko (Hasápikos, Chasápikos); una característica distintiva de la danza y de la música de Sirtaki es su aceleración. Esta danza se baila en formación lineal, la más común, o circular, con las manos en los hombros de los vecinos. El ritmo es de 4 tiempos que aumenta, y se cambia a menudo a 2 tiempos en la parte más rápida. Por consiguiente, la danza comienza lenta, transformándose gradualmente en más rápida; en general no incluye saltos. El Sirtaki se ha convertido actualmente, en una de las atracciones culturales de Grecia y de las tabernas de estilo griego de todo el mundo. Hoy ofrecemos la realización producida por el Ballet Igor Moiseyev.


Javier Camarena (1976) es un tenor lírico ligero mexicano, considerado uno de los mejores de la actualidad y altamente solicitado en los teatros más importantes del mundo, que se ha especializado en el periodo "belcantista" de la ópera: Gaetano Donizetti, Gioacchino Rossini, Wolfgang Amadeus Mozart y algunas obras de Giuseppe Verdi. Debutó en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona en la temporada 2012-2013 con L'elisir d'amore, y volvió con Maria Stuarda (2014-2015), La fille du régiment  y Rigoletto (2016-2017). En octubre de 2018 inauguró la temporada de este teatro con I puritani de Bellini, al lado de la soprano Pretty Yende, con un notable éxito de público y de crítica. En enero de 2019 ofreció por primera vez un recital en la misma sala, y la demanda de entradas fue tan elevada que se ampliaron las localidades poniendo sillas hasta en el mismo escenario. Hasta entonces, esto solamente había pasado en el coliseo barcelonés para ver a Luciano Pavarotti y Jonas Kaufmann. El 30 de octubre de 2019 debutó temporada y a la vez estrenó en el Teatro Real de Madrid una ópera considerada de las más difíciles del género del bel canto, y, por tanto, poco presentadas. Se trató de “Il Pirata” de Vicenzo Bellini, que desde su estreno en el teatro de La Scala de Milán, nunca había sido presentada en el Teatro Real de Madrid.

Javier Camarena (1976) es un tenor lírico ligero mexicano, considerado uno de los mejores de la actualidad y altamente solicitado en los teatros más importantes del mundo, que se ha especializado en el periodo "belcantista" de la ópera: Gaetano Donizetti, Gioacchino Rossini, Wolfgang Amadeus Mozart y algunas obras de Giuseppe Verdi. Debutó en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona en la temporada 2012-2013 con L'elisir d'amore, y volvió con Maria Stuarda (2014-2015), La fille du régiment  y Rigoletto (2016-2017). En octubre de 2018 inauguró la temporada de este teatro con I puritani de Bellini, al lado de la soprano Pretty Yende, con un notable éxito de público y de crítica. En enero de 2019 ofreció por primera vez un recital en la misma sala, y la demanda de entradas fue tan elevada que se ampliaron las localidades poniendo sillas hasta en el mismo escenario. Hasta entonces, esto solamente había pasado en el coliseo barcelonés para ver a Luciano Pavarotti y Jonas Kaufmann. El 30 de octubre de 2019 debutó temporada y a la vez estrenó en el Teatro Real de Madrid una ópera considerada de las más difíciles del género del bel canto, y, por tanto, poco presentadas. Se trató de “Il Pirata” de Vicenzo Bellini, que desde su estreno en el teatro de La Scala de Milán, nunca había sido presentada en el Teatro Real de Madrid.

 


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Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.