Del 4 al 9 de Junio se celebra La Romería del Rocío
Sugerencias de iniciación a la música clásica
La Romería de El Rocío —popularmente denominada como El Rocío— es una celebración popular y religiosa en honor de la Virgen del Rocío, que tiene lugar en mayo o junio, al tiempo de Pentecostés. Fue clasificada en 1965 como Fiesta de Interés Turístico Nacional y en 1980 Fiesta de Interés Turístico Internacional y ha experimentado un gran crecimiento desde mediados del siglo XX. En la festividad se congregan en la aldea de El Rocío de Almonte, provincia de Huelva, cientos de miles de devotos y de turistas en una fiesta que une al carácter religioso, el folclórico, el ambiental y el lúdico.
La Romería comienza el sábado (este año, día 7) con el rezo del Santo Rosario. En la noche del domingo al lunes es el momento álgido del fervor colectivo. Es cuando la Virgen se reencuentra con sus fieles en la procesión que comienza con el espectacular “salto de la reja”. A los gritos de “Que viva la Blanca Paloma!”, la Virgen procesiona y se tambalea con las primeras luces del alba. La celebración termina cuando la Virgen entra de nuevo en su Ermita, el lunes (este año, día 9) por la mañana, encomendándose a la Blanca Paloma hasta el año siguiente. La Virgen del Rocío es conocida popularmente como la «Blanca Paloma» por referencia a la Fiesta de Pentecostés, cuando el Espíritu Santo visitó a la Virgen y los Apóstoles en forma de paloma.
Manuel Pareja-Obregón (1933- 1995) fue un músico y compositor sevillano. Entre sus composiciones destacan las sevillanas y los fandangos de Huelva, habiendo participado en la introducción de la música popular andaluza en la cultura de masas, siendo introductor de arreglos orquestales donde antes sólo sonaban la guitarra y los palillos. Fue autor de unas 3000 obras para un numeroso grupo de famosos artistas de los escenarios españoles; en 1987 fundó la escuela de tamborileros en la aldea de El Rocío conocidos después como los Tamborileros de Nuestra Señora del Rocío. Murió en Sevilla a los 62 años a causa de una leucemia que le había tenido los dos últimos meses de su vida ingresado en el Hospital . Fue incinerado y sus cenizas esparcidas en la aldea de El Rocío.
La Salve Rociera es la salve que se le canta a La Virgen del Rocío, en el Santuario de El Rocío en Almonte (Huelva). El Rocío, como tradicionalmente se llama al conjunto de la romería, es un fenómeno entre religioso y folclórico, que mueve a más de un millón de personas en los días de celebración en el mes de mayo o junio (según la fiesta variable de Pentecostés) que acuden a la ermita a venerar a la Virgen. Fue precisamente para la Romería de El Rocío, la Salve Rociera que Manuel Pareja-Obregón compuso, también conocida como Salve a la Virgen del Rocío o Salve del olé, con letra de Rafael de León. Hoy la presentamos en versión de Siempre Así, grupo sevillano de música popular, acompañado por la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, tod@s ell@s bajo la dirección del maestro inglés John Richard Durant
Charles Gounod (1818-1893) fue un compositor francés conocido por el gran público por su Ave Maria, que hoy ofrecemos. Nació en París y sus primeras clases las recibió de su madre hasta matricularse en el Conservatorio. Fue un compositor muy prolífico tanto con obras sacras como profanas; entre todas, su ópera Faust merece una consideración especial. Su influencia en otros compositores franceses como Bizet, Saint-Saëns y Jules Massenet es indudable. Hasta el propio Debussy llegó a declararlo «necesario» en cuanto a que su estética representó para aquella generación de franceses un poderoso contrapeso ante el avasallador empuje wagneriano.
El Ave María de Bach/Gounod es una composición sobre el texto en latín Ave María publicado originalmente en 1853. La pieza consiste en una melodía de Gounod, diseñada para ser superpuesta sobre el Preludio n.º 1 en do mayor, BWV 846, del Libro I de El clave bien temperado de J. S. Bach escrito 137 años antes.
Junto al Ave María de Schubert, el Ave María de Bach-Gounod se ha convertido en un fijo en las misas de bodas, funerales y celebraciones de distinto cariz. Hay muy diferentes arreglos para guitarra, violín, cuarteto de cuerda, piano, violonchelo, ensemble de trombones, cantantes de ópera, coros ... que la han grabado y/o interpretado en público centenares de veces durante el siglo XX.
Hoy nos lo ofrece la soprano rumana Angela Gheorghiu.
Emilie Mayer (1812- 1883) fue una compositora y escultora alemana del Romanticismo. A pesar de que empezó sus estudios de composición relativamente tarde en su vida, fue una compositora prolífica muy reconocida en vida a lo largo de Europa, componiendo al menos 8 grandes sinfonías, 15 oberturas de concierto junto a una gran cantidad de música de cámara. El 28 de agosto de 1840 su vida dio un sorpresivo giro cuando su padre se disparó a sí mismo, acabando con su vida en el 26° aniversario de la muerte de la madre de Emilie Mayer. La autora Marie Silling, escribió respecto de este acontecimiento: «La muerte de su padre causó su primera y gran profunda pena; con el fin de adormecer este dolor, se enterró en el trabajo».
El nocturno es una pieza de música vocal o instrumental, de melodía dulce y estructura libre. La denominación "nocturno" se le daba, en primera instancia en el siglo XVIII, a una pieza tocada a momentos, generalmente en fiestas de noche y después dejadas a un lado. En su forma más común (vale decir, como una pieza de un solo movimiento generalmente escrita para solo de piano), el género fue cultivado principalmente en el siglo XIX. Los primeros nocturnos escritos con ese nombre fueron compuestos por John Field, visto como el padre del nocturno romántico, que tiene una característica melodía cantabile con un acompañamiento arpegiado. Sin embargo, el más famoso exponente de esta música fue Frédéric Chopin, quien escribió 21 obras de ese género.
Hoy ofrecemos un extracto del Nocturno de Emilie Mayer en interpretación del dúo Kobayashi/Gray.
Leroy Anderson (1908-1975) fue un compositor estadounidense de breves piezas orquestales de música ligera, muchas de las cuales fueron estrenadas por la Orquesta Boston Pops bajo la dirección de Arthur Fiedler. John Williams le ha descrito como «uno de los más grandes maestros americanos de la música orquestal ligera». Anderson recibió sus primeras lecciones de piano de su madre, que era organista de iglesia; continuó estudiando piano en el New England Conservatory of Music y en la Universidad de Harvard licendiándose en Bellas Artes, cum laude en 1929. Trabajó como organista, director de Coro y de Banda, haciendo numerosos arreglos para bandas de baile en Boston.
Hoy la Banda de Música de Músicos Solidarios conducida por el maestro José Rafael Pascual Vilaplana nos ofrece Bugler's Holiday (La Fiesta de las trompetas) de Leroy Anderson.
Sugerencias de música clásica
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo (Austria), a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer, con lo que su padre, Leopold, le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. Compositor prolífico (más de 600 obras escritas desde sus cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales: obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Falleció en Viena a los 35 años.
Misa, género musical sacro, es una composición coral que traslada la música a secciones fijas de la liturgia. Las misas pueden ser a cappella (para voz humana sola) o acompañadas por los instrumentos musicales, hasta incluir una orquesta completa. Muchas misas, especialmente las más recientes, nunca fueron pensadas para ser interpretadas durante la celebración de una misa litúrgica.
Estructura. Para ser considerada completa, esta forma musical debe incluir las siguientes seis secciones, que juntas constituyen el "ordinario" de una Misa: I (0´17¨¨) KYRIE. Este movimiento tiene a menudo una estructura que refleja lo conciso y simétrico del texto. Muchos tienen una forma ternaria (ABA) , donde las dos apariciones de la frase "Kyrie eleison" están asociadas a idéntico tema musical y se articulan con una sección "Christe eleison" contrastante .-. II (3´10´´) GLORIA. Es un pasaje celebratorio de la gloria de Dios y de Cristo .-. III (7´53´´) CREDO. El texto más largo de la Misa es una adaptación del Credo de Nicea (declaración dogmática de los contenidos de la fe cristiana, promulgada en el Concilio de Nicea I, año 325, y ampliada en el Concilio de Constantinopla, año 381) .-. IV (14´34´´) SANCTUS. El Sanctus es una oración doxológica a la Trinidad .-. V (16´31´´) BENEDICTUS. El Benedictus es una continuación del Sanctus .-. VI (20´ 24´´) AGNUS DEI. El Agnus Dei es un arreglo de la letanía Cordero de Dios.
Misa de Coronación para órgano, coro, solistas y orquesta en do mayor (KV 317) es una obra de arte sacro del repertorio clasicista, compuesta por Mozart. Parece ser que el sobrenombre de esta misa se debe a que se interpretó en Viena durante las celebraciones de la coronación del emperador Leopoldo II, en 1791, o la del emperador Francisco II, en 1792.
Hoy presentamos la versión que nos ofrece la maestra francesa Laurence Equilbey.
Johann Nepomuk Hummel (1778-1837) fue un virtuoso pianista, compositor, profesor y director austrohúngaro. Fue considerado como uno de los mejores compositores y pianistas de su época. En 1786, a la edad de ocho años, la familia se mudó a Viena, convirtiéndose en alumno de Mozart. La siguiente década fue para Hummel una larga década de estudio, composición y enseñanza, aunque también hizo algunos recitales públicos. En 1819 aceptó la plaza de Kapellmeister en Weimar, posición que conservó hasta su muerte en 1837. Como compositor, Hummel está situado en la frontera del clasicismo y del romanticismo y su obra abarcó todos los géneros del cambio de siglo: óperas, singspiele, misas sinfónicas, obras de música sacra, música de cámara, conciertos, canciones y música para piano solo.
El Concierto es una forma musical escrita para uno o más instrumentos solistas acompañados por un conjunto instrumental. Fue Vivaldi quien establece las bases fundamentales de su estructura con tres movimientos (I rápido-II lento-III rápido) y presentado como un diálogo entre l@s solistas y el conjunto instrumental. A partir del Clasicismo, sobre todo a partir de las bases creadas por C.P.E. Bach, el primer movimiento se construye siguiendo los patrones de la forma sonata (exposición, desarrollo y reexposición), mientras el segundo y el tercer movimiento adoptan formas libres y puntuales.
Concierto para trompeta. Johann Nepomuk Hummel completó su Concierto para trompeta en Mi mayor en diciembre de 1803 y se estrenó el día de Año Nuevo de 1804 para conmemorar la entrada de Hummel en la orquesta de la corte de Nicolás II, príncipe de Esterházy, como sucesor de Haydn. La obra fue compuesta para el virtuoso de la trompeta vienés y defensor de la trompeta de llaves, Anton Weidinger. Originalmente, esta pieza estaba escrita en Mi mayor, pero hoy en día se suele interpretar en Mi bemol mayor, lo que hace que la digitación sea menos difícil en las trompetas de pistones modernas.
Estructura. La obra consta de los tres movimientos típicos de un concierto y están marcados de la siguiente manera: I (0´08´´) ALLEGRO CON SPIRITO .-. II (9´58´´) ANDANTE .-. III (14´27´´) RONDÓ.
La interpretación de hoy corre cargo de la trompetista Tina Horvat acompañada por la Zagreb Philharmonic Orchestra conducida por el maestro Tomislav Fačini.
Hector Berlioz (1803-1869) fue un compositor francés, figura eminente de la música programática y del romanticismo en general. Su padre, médico, le envió a ParÍs a estudiar medicina; pero él abandonó la medicina y se matriculó en el Conservatorio de París donde estudió composición. De aquí a Roma donde, estando becado, escribió varias óperas, sinfonías, oberturas, diversas canciones y obra coral. Se fijó en los himnos de su maestro, Jean-François Lesueur, e imitó mucho a Beethoven, entonces desconocido en Francia; también a Gluck, Mozart, Étienne Méhul y Carl Maria von Weber. En 1844 compuso la primera obra que se conoce para saxofón, el sexteto Canto Sagrado, y que fue estrenada el 3 de febrero de 1844 bajo la batuta del propio Berlioz y con Adolphe Sax en la interpretación de su saxofón.
La Sinfonía Fantástica, op.14, subtitulada Episodio de la vida de un artista, se estrenó el 5 de diciembre de 1830 en el Conservatorio de París. Interpretada bajo la dirección de François-Antoine Habeneck, gozó de un inmenso éxito en su acogida. La Sinfonía, está considerada como el primer ejemplo de música programática (música que tiene por objetivo evocar ideas e imágenes en la mente del oyente, representando musicalmente una escena, imagen o estado de ánimo). Dicha sinfonía, inspirada en una obra literaria, narra los sueños de un joven músico que, tras sufrir un desamor, decide recurrir al opio. El compositor, además, introduce variedad de elementos autobiográficos referidos al amor no correspondido de la actriz Harriet Smithson.
La obra consta de cinco movimientos: I (0´8´´) SUEÑOS Y PASIONES describe la ansiedad producida por el protagonista antes de conocer a su amada, posteriormente el amor volcánico que ella le inspira. Hacia el final de este movimiento, percibimos un contraste entre la pasión producida por el protagonista y el desconsuelo por el rechazo. Este movimiento comienza con una introducción en Do menor que produce una atmósfera melancólica. Se estructura después en cuatro secciones, en la última de las cuales aparece por primera vez la melodía que representa la amada, la “idea fija”. II (14´07´´) UN BAILE, se produce el reencuentro con la amada tras el rechazo, como su nombre indica, en un baile. La música adopta entonces el tempo de un vals, describiendo así la inquietud del protagonista. La “idea fija” aparece interrumpiendo brevemente el vals, reapareciendo al final del movimiento. III (20´48´´) ESCENA EN EL CAMPO. Nos describe a dos pastores, representados por el dúo formado por el corno inglés y el oboe, disfrutando de una maravillosa tarde de verano. Hacia la mitad del movimiento aparece la amada y es invadido por terribles presentimientos. Más tarde se alternan distintos sentimientos que se manifiestan en contraste: la esperanza y la duda, el sufrimiento y la serenidad, etc. Al final reaparece el corno inglés, evocándonos de nuevo el tema pastoril y finalizando con un redoble de timbal lo que produce un clima misterioso. IV (36´34´´) LA MARCHA AL CADALSO. El músico sueña que mata a la amada y, por tanto, se le condena a la guillotina para ser ejecutado; en ese momento recuerda por última vez el sentimiento de amor. La marcha está basada en dos temas principales interpretados cada uno por las cuerdas y los vientos. El movimiento finaliza con unos redobles de tambor y timbales junto con acordes interpretados por los vientos metales que simbolizan el poder de la justicia. V (41´47´´) SUEÑOS DE UNA NOCHE DE AQUELARRE. El protagonista presencia su propio funeral, rodeado por brujas y espíritus entre los que puede ver a la amada transformada en una arpía. En este movimiento la idea principal es interpretada por el clarinete que describe la aparición de la amada entre las brujas y los espíritus. El Dies Irae (melodía del siglo XII perteneciente al canto gregoriano, y que forma parte del Réquiem) se introduce en la obra junto a la ronda de las brujas acompañado del tañer de las campanas. (Extractado de Digital melómano)
La versión de hoy corresponde a la Bavarian Radio Symphony Orchestra conducida por el maestro letón Mariss Jansons.
Joaquín Rodrigo 1901-1999) Fue un compositor español nacido en Sagunto (Valencia). A los siete años quedó ciego; a los nueve, comenzó sus estudios de solfeo, violín y piano; a los 16, armonía y composición y a los 22, comenzó a componer sus primeras obras. A los 26 años, se traslada a París, donde durante cinco años estudia con Paul Dukas. En 1940 estrena en Barcelona el Concierto de Aranjuez a partir del que sería mundialmente conocido. Fue un compositor prolífico que escribió obras para instrumentos solos, para piano con otro instrumento, para orquesta de cuerda, orquesta de viento y orquesta sinfónica, conciertos para distintos instrumentos, canciones, obras sinfónico-corales y música escénica, guardando en todo momento un denominador común: la claridad, delicadeza y distinción de su música.
El Concierto Andaluz es una obra de Joaquín Rodrigo para cuatro guitarras y orquesta compuesta en 1967, por encargo de Celedonio Romero. El estreno fue interpretado por la Orquesta Sinfónica de San Antonio, el cuarteto de guitarras Los Romeros, dirigidos todos ellos por Víctor Alessandro. Tuvo lugar en San Antonio, Texas, el 18 de noviembre de 1967. El concierto está articulado en tres movimientos: I (0´16´´) TIEMPO DE BOLERO .-. II (9´05´´) ADAGIO-ALLEGRO-ADAGIO III (19´09´´) ALLEGRETTO-ALLEGRO-ALLEGRETTO. Hoy nos lo ofrece el cuarteto de guitarras formado por Nick y David Kvaratskhelia, Peter Ernst y Christopher Brandt, acompañados por la Philharmonie Merck y conducid@s tod@s por Wolfgang Heinzel
Sugerencias de música para todos los gustos
Stanley Clarke (Filadelfia, 30 de junio de 1951) es un bajista y contrabajista estadounidense cuya producción, casi siempre vinculada al jazz, abarca estilos como el funk, la fusión y el post-bop. En su infancia tocó el acordeón, el chelo y el violín. Trabajó en bandas de rythm and blues y de rock durante la adolescencia; pero tras marchar a Nueva York, tocó con el saxofonista de la vanguardia Pharoah Sanders a comienzos de los setenta. Otros acompañantes fueron Gil Evans, Mel Lewis, Horace Silver, Stan Getz, Dexter Gordon y Art Blakey; todos quedaron impresionados por su talento; sin embargo, Clarke comenzó su carrera de éxito al unirse a Chick Corea en su grupo Return to Forever, trabajando sobre todo el bajo eléctrico hasta que comenzó con sus proyectos paralelos como compositor de bandas sonoras, dentro del ámbito de la música comercial.
El Flamenco es una expresión musical propia de Andalucía y algo de las regiones limítrofes como son Extremadura y Murcia. Su origen parece que se debe a una mezcla de la cultura popular andaluza con las expresiones del pueblo gitano, además de detalles de los romances castellanos, de la música morisca y de los cantos sefardíes; podemos decir que en el siglo XVIII ya se ejecutaba el flamenco que, sin embargo, ha ido evolucionando hasta nuestros días y que lo sigue haciendo como cualquier ser vivo. Sus tres facetas principales son el cante (la acción de cantar que desarrolla el cantaor o cantaora), el toque (propio de l@s tocaor@s de guitarra) y el baile (característico de l@s bailaor@s).
El cante del flamenco tiene distintas variedades (más de 50), que se llaman palos, con estructuras armónicas y rítmicas propias y diferenciadas. De ellos, quizá el más antiguo sea el fandango y, dentro de ellos, los más conocidos sean los fandangos de Huelva y los fandangos de Málaga; están además, la soleá o soleares (quizá el más purista), las bulerías (palo juerguista por antonomasia), alegrías (haciendo honor a su nombre), los tangos (propio de alegres celebraciones), las seguiriyas (tristes y profundos), sevillanas (las más conocidos y populares), peteneras, granaínas, saetas, martinetes, tientos, rumbas, cantiñas, etc, etc , etc. Las palmas se utilizan como acompañamiento rítmico del cante y baile del flamenco acentuando el comienzo o final de la frase musical.
La Niña de los Peines (Pastora María Pavón Cruz) fue una cantaora gitana flamenca considerada como una de las voces más importantes en la historia de este arte. Nació en cuna gitana flamenca.y comenzó a conocérsela como La Niña de los Peines por unos tangos que interpretaba frecuentemente: “Péinate tú con mis peines, que mis peines son de azúcar...” Fue amiga de Manuel de Falla, Julio Romero de Torres, que la pintó en uno de sus lienzos y Federico García Lorca, quien la citó poéticamente en sus escritos. Destacó por sus tangos, peteneras, bulerías y soleares, aunque realmente fue una cantaora muy completa que dominó todos los palos del flamenco. Falleció en Sevilla el 26 de noviembre de 1969, poco después que su marido, el también cantaor Pepe Pinto. La Junta de Andalucía ha declarado su voz bien de interés cultural.
The Rolling Stones es un grupo británico de rock formado en Londres en 1962. Sus primeras producciones incluían versiones y temas de blues, rock and roll y R&B norteamericano. No obstante, en el transcurso de su trayectoria han ido añadiendo toques estilísticos de música psicodélica, country, punk, música disco, soul, reggae o música electrónica. A la fecha, la banda ha editado veinticinco álbumes de estudio y colocado treinta y dos sencillos dentro de los diez más populares de Reino Unido y USA. Las ventas totales de The Rolling Stones se estiman entre 200 y 250 millones de discos y están considerados como una de las más grandes bandas de rock de la historia. Ningún grupo de rock hasta la fecha ha sostenido tan duradera y todavía mundialmente reconocida trayectoria como The Rolling Stones.
Myriam Hernández (1965) es una cantautora, compositora y presentadora de televisión chilena. Ha incursionado principalmente en la balada romántica, por lo que a veces es apodada como «la baladista de América», aunque también ha fusionando su estilo con otros géneros como la electrónica o el hip-hop. Empezó su carrera musical a finales de la década de 1980 con su álbum Myriam Hernández y el sencillo «El hombre que yo amo», que alcanzó el 10º puesto en el Hot Latin Tracks de 1989, mientras que su primer disco alcanzó la cuarta posición del Latin Pop Songs de Billboard el mismo año. Ha vendido más de 6 millones de discos en todo el mundo. En 2011 fue nominada al Premio Grammy Latino y en 2015 ingresó al Salón de la Fama de los Compositores Latinos.
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Christoph Willibald Gluck (1714-1787) fue un compositor alemán considerado como uno de los compositores de ópera más importantes del Clasicismo (1750-1820). Reformó completamente la ópera eliminando las arias da capo, y los extensos recitativos secos con clavecín, reemplazándolos por recitativos acompañados por la orquesta; prescindió de los castrati y del exhibicionismo de los cantantes, otorgando una mayor relevancia a la trama argumental, a la vez que elevó la obertura, el ballet y el coro como partes integrales de sus óperas. Entre sus obras mayor valoradas se encuentran Orfeo ed Euridice (1762) y Alceste (1767) estrenadas en Viena, e Iphigénie en Áulide (1774), Armide (1777) y Iphigénie en Táuride (1779) estrenadas en París.
Orfeo y Eurídice es su primera ópera; escrita en tres actos en ella se reflejan sus inquietudes renovadoras, desechando todo tipo de manifestaciones triviales y resaltando la fuerza argumental; para lo que no duda en emplear danzas y coros, además de lo anteriormente expuesto. El argumento se basa en el mito griego de Orfeo que era capaz de amansar a las fieras con su música y que tras la muerte de su amada Eurídice, Cupido le permite bajar a los infiernos a rescatarla con la condición de que en el camino de vuelta no gire la cabeza para mirarla; ante las insistentes súplicas de Eurídice, Orfeo torna su mirada hacia ella con lo que pierde definitivamente a su amada.
Hoy ofrecemos el preludio al acto segundo, Dance of the Blessed Spirits, de la producción de Orfeo y Eurídice de Pina Bausch en el Palacio Garnier, 2008
La banda de música folk Korrontzi (País Vasco, 2004) fue formada por el intérprete de trikitixa (acordeón diatónico vasco) Agus Barandiaran. Su objetivo, al formar la banda, era fundamentalmente el de dar a la música popular vasca, así como a los sonidos ancestrales y tradicionales de su tierra, un aspecto más moderno y contemporáneo, pero siempre desde la perspectiva de una música basada en la trikitixa y otros instrumentos tradicionales como la txalaparta o la alboka, sin olvidar nunca el respeto absoluto a toda la tradición que había recibido de su primer maestro, el trikitilari Rufino Arrola (1909 – 1996). Para lograr esta nueva sonoridad, se rodeó de estilos musicales más modernos y contó con la ayuda y la unión de instrumentos como la mandolina, el bajo eléctrico, el contrabajo o las percusiones.
Durante estos años, Korrontzi ha llevado su cultura, idioma, danza y música por todo el mundo, tocando en grandes festivales y visitando numerosos países, como por ejemplo: Bélgica, EEUU, Rumania, Cabo Verde, Irlanda, Brasil, Malasia, Escocia, Holanda, Grecia, Italia, Canadá, Hungría, Portugal, Inglaterra, Chipre, Marruecos, Alemania, Croacia, Eslovenia, Austria, República Checa… y ha sido galardonado con premios y menciones como los «World Music Charts» en los años 2014, 2015, 2016 y 2019, «Top100 Roots Music Report (2015)», «Womex Official Selection (2014)», «Mejor banda europea, Eurofolk (2009)», «Mejor banda de la península, Navelgas (2007)»; además, su último trabajo (“Koplariak”, 2020) entra pisando fuerte, entrando en los primeros puestos de las selecciones de las revistas “Mondo Sonoro” y “Diariofolk” entre lo mejor del año. Resumiendo, Korrontzi es una fiesta tradicional de música y danza vasca con una visión de vanguardia.
Hoy ofrecemos el Videoclip coreografiado de la canción "Marigoran Kikunbera" del DVD "Infernuko Hauspoa" de Korrontzi
Amalia Hernández (1917- 2000) fue una bailarina y coreógrafa mexicana, fundadora, en 1952, del ballet que lleva su nombre y que es emblemático del arte folclórico de este país con sede en el Palacio de las Bellas Artes de la Ciudad de México. Amalia se dedicó a rescatar las danzas tradicionales mexicanas que se habían perdido con el tiempo esforzándose por mejorar la calidad de las mismas. En 1959 el presidente López Mateos le pidió a este grupo que se convirtiera en uno de los embajadores naturales de México. El Ballet Amalia Hernández, también denominado desde entonces Ballet Folklórico de México, cuenta con más de 60 coreografías propias con actuaciones en toda la geografía mexicana y con más de 100 giras internacionales visitando un total de 60 países.
Hoy nos ofrece una cuidada exhibición de Polkas y Juanes
Carmen Amaya Amaya. Nacida en Barcelona en 1913, ya desde su infancia ganaba sus primeras pesetas bailando, acompañada por la guitarra de su padre, en tabernas y cafetuchos del barrio chino de la Ciudad Condal. En 1923, viaja a Madrid para actuar en los bajos del Palacio de la Música. De regreso a la capital catalana, actúa durante un tiempo en el Villa Rosa de Miguel Borrull, mientras hace sus pinitos en otros teatros. A finales de la década, se reencuentra con sus raíces en el Sacromonte granadino y tiene la oportunidad de bailar ante el rey Alfonso XIII. En 1935 comienza su carrera cinematográfica con La hija de Juan Simón, a la que siguió, un año después, María de la O. En 1936, forma compañía, recorre varias ciudades españolas y viaja a Lisboa. En el camino a la capital portuguesa le sorprende el comienzo de la Guerra Civil, por lo que da el salto a la Argentina, en donde permanece en cartel, durante dos años seguidos, en el Teatro Maravillas de Buenos Aires. Después, recorre toda Argentina Uruguay, Brasil, México, Colombia, Venezuela, Chile, Perú, Ecuador, Santo Domingo y Cuba. Ese mismo año, la contrata Sol Hurok para presentarla en Nueva York. Tras su debut teatral, Carmen inicia una gira en la que, durante cuatro años, recorre Estados Unidos de norte a sur y de costa a costa. En 1945, viaja a México, Buenos Aires, Río de Janeiro, Montevideo, Cuba, Perú, Colombia y Bolivia. Por fin, a comienzos de 1947, regresa a España; tras su reencuentro con sus compatriotas, se presenta al año siguiente en París, en el teatro de los Campos Elíseos, y en Londres, en el Prince Theatre, para continuar después con una gira por las principales capitales europeas.
El repertorio de estilos que interpretaba Carmen Amaya fue extenso. Bailó la soleá y a Granados, la seguidilla y a Falla, las alegrías, el garrotín, la farruca y a Ravel, se inventó el taranto y a todos les imprimió el sello de su personalidad. Lo más llamativo de su forma de bailar era la velocidad que imprimía a todos sus movimientos. Sus zapateados eran vertiginosos y espectaculares y a la vez limpios y de una precisión rítmica insuperable. Sus giros, sus contorsiones, sus vueltas quebradas, eran tensos, incluso violentos, y solían terminar con una parada en seco. Sus arranques eran huracanes de energía y de rabia, de una vitalidad desbordante, y sus desplantes explosiones de arrogancia. Todo lo acompañaba con unos pitos secos, poderosos, unos brazos sobrios, pero bien colocados y expresivos, y unos ojos y una mirada a veces misteriosa y siempre intensa y chispeante.
(Extractado del artículo de José Luis Navarro García publicado por la Real Academia de la Historia)
Sugerencias de música para niñ@s
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