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Georg Friedrich Händel (1685-1759) nace en Halle, Alemania; nacionalizado inglés, es una de las figuras cumbres de la Historia de la Música y, desde luego, del barroco. De su abundante producción musical, hemos de destacar el Oratorio El Mesías, una de las obras maestras de la Historia. De niño comienza a recibir clases de armonía y contrapunto de Friedrich Zachow, organista de Halle, con quien también aprendió a tocar el oboe, violín y órgano. A la edad de 18 años se traslada a Hamburgo donde donde escribió sus dos primeras óperas. Al cabo de tres años viajó a Florencia y luego a Roma. En 1710 vuelve a Alemania y de allí a Londres donde se instala de por vida. Escribe numerosas óperas hasta que en 1741 se dedica a la composición de oratorios. Fallece a los 74 años en su casa.

El Mesías es un oratorio en inglés compuesto por Georg Friedrich Händel en 1741, con un texto bíblico recopilado por Charles Jennens de la Biblia del rey Jacobo y de la Biblia Coverdale, la versión de los Salmos incluida en el Libro de Oración Común. Su estreno fue en Dublín el 13 de abril de 1742 y un año después en Londres. Después de una acogida de modesta, el oratorio se convirtió en una de las obras corales interpretadas con mayor frecuencia en la música occidental. Aunque su estructura de tres partes se asemeja a la de sus óperas, no hay forma dramática, imitaciones de personajes ni discurso directo. Hoy ofrecemos el aria The trumpet shall sound con el bajo Alastair Miles y el trompeta Crispian Steele-Perkins acompañados por el Brandenburg Consort,  dirigidos todos ellos por el maestro Stephen Cleobury.


Domenico Cimarosa (1749-1801) fue un compositor italiano nacido cerca de Nápoles. De niño, ingresó en el Instituto Musical de Santa María de Loreto donde permaneció durante once años. A los 23 años presentó su primera obra, una ópera bufa titulada Le Stravaganze del Conte, que tuvo una merecida aceptación: tras ella vinieron otros trabajos similares que le llevaron a residir en Roma, Nápoles y Florencia donde compone óperas cómicas y serias, cantatas y composiciones sacras. En 1787 la emperatriz Catalina II le invita a San Petersburgo, donde escribe numerosas obras cortas. Por invitación de Leopoldo II, se traslada a Viena donde escribe su obra maestra, la ópera bufa Il Matrimonio segreto y otras obras más, todas ellas celebradas con gran éxito. Falleció en la capital austríaca en 1801.

La Sonata en un principio era una composición escrita para ser tocada o «sonada» por algún o algunos instrumentos musicales, como la cantata lo era para ser “cantada” por una o varias voces. A partir del clasicismo (1750-1810) su definición se ajusta a una obra estructurada generalmente en tres movimientos (rápido-lento-rápido) y a veces cuatro,  con una pequeña introducción o sin ella. No hay que confundirla con la forma sonata, que es un modelo compositivo que consta de tres secciones sin interrupción: a) exposición, b) desarrollo, c) reexposición. La forma sonata se aplica normalmente a los primeros movimientos de las sonatas, cuartetos, sinfonías y conciertos. Hoy la pianista francesa Roberte Mamou nos ofrece una colección de 32 sonatas para piano de Cimarosa.

Domenico Cimarosa (1749-1801) fue un compositor italiano nacido cerca de Nápoles. De niño, ingresó en el Instituto Musical de Santa María de Loreto donde permaneció durante once años. A los 23 años presentó su primera obra, una ópera bufa titulada Le Stravaganze del Conte, que tuvo una merecida aceptación: tras ella vinieron otros trabajos similares que le llevaron a residir en Roma, Nápoles y Florencia donde compone óperas cómicas y serias, cantatas y composiciones sacras. En 1787 la emperatriz Catalina II le invita a San Petersburgo, donde escribe numerosas obras cortas. Por invitación de Leopoldo II, se traslada a Viena donde escribe su obra maestra, la ópera bufa Il Matrimonio segreto y otras obras más, todas ellas celebradas con gran éxito. Falleció en la capital austríaca en 1801.

La Sonata en un principio era una composición escrita para ser tocada o «sonada» por algún o algunos instrumentos musicales, como la cantata lo era para ser “cantada” por una o varias voces. A partir del clasicismo (1750-1810) su definición se ajusta a una obra estructurada generalmente en tres movimientos (rápido-lento-rápido) y a veces cuatro,  con una pequeña introducción o sin ella. No hay que confundirla con la forma sonata, que es un modelo compositivo que consta de tres secciones sin interrupción: a) exposición, b) desarrollo, c) reexposición. La forma sonata se aplica normalmente a los primeros movimientos de las sonatas, cuartetos, sinfonías y conciertos. Hoy la pianista francesa Roberte Mamou nos ofrece una colección de 32 sonatas para piano de Cimarosa.


Francisco de Madina Igarzábal, conocido como Aita Madina (1907- 1972), religioso lateranense, músico y compositor vasco nacido en Oñati, Gipuzkoa. Siendo adolescente ingresó en el noviciado de los Canónigos Regulares de Letrán. En paralelo a sus estudios de teología se realizó su formación como músico, en Oñate y en Burgos donde fue discípulo de José María Beobide y de Antonio José Martínez Palacios. En 1932 fue destinado a Argentina, donde desarrolla su labor como compositor musical estrenando numerosas obras. En 1955 se traslada a Nueva York donde sigue componiendo y estrenando obras musicales tanto en Estados Unidos y Argentina, como en España. En abril de 1972 se trasladó por última vez de Nueva York a su caserío natal de Oñate, donde fallecería unos meses más tarde.

A pesar de que toda su obra musical estuvo muy influida por el folklore vasco, posiblemente su composición más conocida sea la obra coral Aita Gurea (Padre Nuestro), compuesta en Argentina en 1946 y que hoy la ofrecemos en versión de Oñatiko Ganbara Abesbatza (Coro de Cámara de Oñati), agrupación coral de voces mixtas fundado en 1994 y hoy dirigido por Aitor Biain Bidarte. En su repertorio podemos encontrar piezas de todos los estilos y épocas: polifonía, folclore, gospel, espirituales… folclore vasco así como piezas de compositores de la actualidad.


Serguéi Prokófiev (1891-1953) fue un compositor, pianista y director de orquesta soviético. Como creador de obras maestras reconocidas en numerosos géneros musicales, es considerado uno de los principales compositores del siglo XX. Sus obras incluyen piezas tan escuchadas como la marcha de El amor de las tres naranjas, la suite El teniente Kijé, el ballet Romeo y Julieta, de donde se toma la Danza de los caballeros (que hoy ofrecemos), Pedro y el lobo... Creó siete óperas completas, siete sinfonías, ocho ballets, cinco conciertos para piano, dos conciertos para violín, un concierto para violonchelo y nueve sonatas para piano completadas. Tras su muerte en 1953, Arthur Honegger proclamó que Prokófiev «seguiría siendo para nosotros la figura más grande de la música contemporánea».

Romeo y Julieta es un ballet en tres actos divididos en trece escenas, incluyendo prólogo y epílogo. Es una de las obras más apreciadas del compositor, sobre la base de la alta inspiración melódica, la gran variedad rítmica y el carácter memorable de los temas principales (el célebre y siniestro Baile de los caballeros y sus diversas variaciones que hoy ofrecemos; el delicado y abundante tema de Julieta). La dificultad de la partitura impidió el disfrute del compositor del éxito que años después tendría su pieza; fue criticado por la falta de lirismo y la naturaleza sinfónica, al igual que le sucedió a Chaikovski. Hoy la Sinfónica de la BBC conducida por el maestro estadounidense Leonard Slatkin nos ofrece la popular Danza de los Caballeros.

Serguéi Prokófiev (1891-1953) fue un compositor, pianista y director de orquesta soviético. Como creador de obras maestras reconocidas en numerosos géneros musicales, es considerado uno de los principales compositores del siglo XX. Sus obras incluyen piezas tan escuchadas como la marcha de El amor de las tres naranjas, la suite El teniente Kijé, el ballet Romeo y Julieta, de donde se toma la Danza de los caballeros (que hoy ofrecemos), Pedro y el lobo... Creó siete óperas completas, siete sinfonías, ocho ballets, cinco conciertos para piano, dos conciertos para violín, un concierto para violonchelo y nueve sonatas para piano completadas. Tras su muerte en 1953, Arthur Honegger proclamó que Prokófiev «seguiría siendo para nosotros la figura más grande de la música contemporánea».

Romeo y Julieta es un ballet en tres actos divididos en trece escenas, incluyendo prólogo y epílogo. Es una de las obras más apreciadas del compositor, sobre la base de la alta inspiración melódica, la gran variedad rítmica y el carácter memorable de los temas principales (el célebre y siniestro Baile de los caballeros y sus diversas variaciones que hoy ofrecemos; el delicado y abundante tema de Julieta). La dificultad de la partitura impidió el disfrute del compositor del éxito que años después tendría su pieza; fue criticado por la falta de lirismo y la naturaleza sinfónica, al igual que le sucedió a Chaikovski. Hoy la Sinfónica de la BBC conducida por el maestro estadounidense Leonard Slatkin nos ofrece la popular Danza de los Caballeros.


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El compositor austríaco Joseph Haydn (1732-1809), cuyo hermano Michael Haydn también fue un notable compositor, fue uno de los pilares principales sobre los que se asentó el clasicismo (1750-1820). A los seis años de edad comenzó sus estudios musicales de clavecín y violín. Con ocho años fue admitido como coralista de la Catedral de San Esteban de Viena donde prosiguió con sus estudios de canto, piano y violín. Tras mudarle la voz, tuvo que sobrevivir desempeñando múltiples trabajos, mientras estudiaba composición analizando las obras de Carl Philipp Emanuel Bach.  Mantuvo una estrecha amistad con Mozart y fue profesor de Beethoven. Asentó las bases principales de la forma sonata y de la estructura formal del cuarteto de cuerda y de la sinfonía. Murió a los 77 años en Viena

El Piano Trio in D major, Hob.XV:16 está estructurado en tres movimientos: I (0´00´´) ALLEGRO .-. II (7´45´´) ANDANTINO PIU TOSTO ALLEGRETTO .-. III (10´54´´) VIVACE ASSAI. La interpretación del vídeo que hoy ofrecemos corre a cargo del Trío Noga


Paul Dukas (1865-1935) fue un compositor francés. En 1881, ingresó en el Conservatorio de París en la clase de armonía de Théodore Dubois. En 1884 escuchó a la orquesta por primera vez su Ouverture pour Götz von Berlichingen. Al año siguiente fue admitido como alumno de composición de Ernest Guiraud y en 1886 obtuvo el primer premio de contrapunto y fuga. En 1888 consiguió el segundo Premio de Roma por su Cantata Velléda, pero al año siguiente le negaron el primer Gran Premio; entonces abandonó el Conservatorio y se dedicó seriamente a su trabajo y al estudio de César Franck y de Richard Wagner de un lado, y por otro, al del impresionismo sinfónico de Claude Debussy. Orquestador hábil, Una de sus obras más importantes es El Aprendiz de Brujo.

El Aprendiz de Brujo, que hoy presentamos bajo la batuta de la directora finlandesa Dalia Stasevska, es un poema sinfónico compuesto en 1897 por Paul Dukas basado en la balada homónima (Der Zauberlehrling en alemán) de Johann Wolfgang von Goethe. Se trata de una obra orquestal que pertenece al estilo de música programática y representa la historia de un aprendiz que, sin permiso, hechiza una escoba para que le ayude a cargar agua. La popularidad de la pieza creció con el filme Fantasía (1940) de Walt Disney.

Paul Dukas (1865-1935) fue un compositor francés. En 1881, ingresó en el Conservatorio de París en la clase de armonía de Théodore Dubois. En 1884 escuchó a la orquesta por primera vez su Ouverture pour Götz von Berlichingen. Al año siguiente fue admitido como alumno de composición de Ernest Guiraud y en 1886 obtuvo el primer premio de contrapunto y fuga. En 1888 consiguió el segundo Premio de Roma por su Cantata Velléda, pero al año siguiente le negaron el primer Gran Premio; entonces abandonó el Conservatorio y se dedicó seriamente a su trabajo y al estudio de César Franck y de Richard Wagner de un lado, y por otro, al del impresionismo sinfónico de Claude Debussy. Orquestador hábil, Una de sus obras más importantes es El Aprendiz de Brujo.

El Aprendiz de Brujo, que hoy presentamos bajo la batuta de la directora finlandesa Dalia Stasevska, es un poema sinfónico compuesto en 1897 por Paul Dukas basado en la balada homónima (Der Zauberlehrling en alemán) de Johann Wolfgang von Goethe. Se trata de una obra orquestal que pertenece al estilo de música programática y representa la historia de un aprendiz que, sin permiso, hechiza una escoba para que le ayude a cargar agua. La popularidad de la pieza creció con el filme Fantasía (1940) de Walt Disney.


Silvestre Revueltas (18991-1940) fue un compositor mexicano modernista de música sinfónica de la primera mitad del siglo XX, violinista y director de orquesta. Nombrado por  Carlos Chávez director asistente de la Orquesta Sinfónica de México, le costó dedicarse a la composición debido a su falta de autoestima y a que debido a sus ideas izquierdistas fue largamente arrinconado por la sociedad mexicana. Viajó a España en plena Guerra civil como apoyo personal al republicanismo y a su regreso escribe Sensemayá. En la actualidad está considerado como uno de los compositores más influyentes de México, por el alcance y originalidad de su música de cámara y de ciertas obras que se han vuelto una parte muy importante del repertorio orquestal.

La noche de los mayas es una composición musical de Silvestre Revueltas escrita como banda sonora del film homónimo que tuvo dos arreglos posteriores: uno de Paul Hindemith y otro, el que hoy ofrecemos, de José Ives Limantour, trabajo realizado 20 años después de la muerte del compositor. Limantour estructuró la música de la película en forma de sinfonía incluyendo instrumentos de percusión prehispánicos y estructurándola en los siguientes cuatro movimientos I (0´00´´) NOCHE DE LOS MAYAS, Molto sostenuto .-. II (6´33´´) NOCHE DE JARANAS, Scherzo .-. III (12´00´´) NOCHE DE YUCATÁN, Andante espressivo .-. IV (17´53´´) NOCHE DE ENCANTAMIENTO, Tema y variaciones. Hoy nos la ofrece la Orquesta Sinfónica de la WDR bajo la batuta del maestro ruso Semyon Bychkov.


Tan Dun (1957) es un compositor chino de música clásica contemporánea, residente en Nueva York y conocido por las bandas sonoras de las películas Wò hǔ cáng lóng, por la que ganó el premio Óscar, el premio Grammy y el premio Bafta, y por Hero, así como para la música utilizada para la transmisión de El Día del Milenio (2000 Today) y la música para la Ceremonia Inaugural de los Juegos Olímpicos de Beijing 2008. En 2013, fue nombrado embajador de UNESCO. Su salida de la comuna vino en la forma de una compañía itinerante patrocinada por el gobierno de la Ópera de Pekín. Desde allí se dirigió al Conservatorio Central de Música en Pekín y estudió con músicos como Tōru Takemitsu. Ha escrito sinfonías, conciertos, óperas y música para bandas sonoras.

Concierto para orquesta. Aunque un concierto suele ser una pieza musical para uno o más instrumentos solistas acompañados por una orquesta completa , varios compositores han escrito obras con el título aparentemente contradictorio de Concierto para orquesta . Este título generalmente se elige para enfatizar el tratamiento solista y virtuoso de varios instrumentos o secciones individuales en la orquesta, con énfasis en el cambio de instrumentos durante la pieza. Se diferencia de la sinfonía concertante en que no tiene solista o grupo de solistas que permanezca igual a lo largo de la composición. Hoy ofrecemos la obra de Tan Dun en versión de la NEC Philharmonia bajo la batuta del maestro estadounidense Hugh Wolff.

Tan Dun (1957) es un compositor chino de música clásica contemporánea, residente en Nueva York y conocido por las bandas sonoras de las películas Wò hǔ cáng lóng, por la que ganó el premio Óscar, el premio Grammy y el premio Bafta, y por Hero, así como para la música utilizada para la transmisión de El Día del Milenio (2000 Today) y la música para la Ceremonia Inaugural de los Juegos Olímpicos de Beijing 2008. En 2013, fue nombrado embajador de UNESCO. Su salida de la comuna vino en la forma de una compañía itinerante patrocinada por el gobierno de la Ópera de Pekín. Desde allí se dirigió al Conservatorio Central de Música en Pekín y estudió con músicos como Tōru Takemitsu. Ha escrito sinfonías, conciertos, óperas y música para bandas sonoras.

Concierto para orquesta. Aunque un concierto suele ser una pieza musical para uno o más instrumentos solistas acompañados por una orquesta completa , varios compositores han escrito obras con el título aparentemente contradictorio de Concierto para orquesta . Este título generalmente se elige para enfatizar el tratamiento solista y virtuoso de varios instrumentos o secciones individuales en la orquesta, con énfasis en el cambio de instrumentos durante la pieza. Se diferencia de la sinfonía concertante en que no tiene solista o grupo de solistas que permanezca igual a lo largo de la composición. Hoy ofrecemos la obra de Tan Dun en versión de la NEC Philharmonia bajo la batuta del maestro estadounidense Hugh Wolff.


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Stan Getz (1927-1991) fue un saxo tenor estadounidense de jazz, considerado como uno de los más importantes de la historia del jazz. A los quince debutó como profesional con la orquesta de Dick Rogers y hasta 1946 militó sucesivamente en nueve big bands, como la de Benny Goodman, con las que grabó sus primeros solos. A los diecinueve viajó a Los Ángeles y en diciembre de 1948 grabó su disco histórico Early Autumn; de la noche a la mañana, su nombre se hizo mucho más conocido y se ganó el sobrenombre de The Sound ("El Sonido") debido a su tono cálido y lírico. En la década de los sesenta Getz se hizo muy aficionado de la música brasileña bossa nova, colaborando con el compositor Antonio Carlos Jobim, el guitarrista João Gilberto y su esposa, la cantante Astrud Gilberto y ganando varios Grammy.


Céline Dion (1968) es una cantante canadiense nacida en Quebec. Antes de alcanzar el éxito en todo el mundo, emergió como estrella adolescente en su país natal, lanzando una serie de álbumes en francés que le otorgaron gran popularidad. En 1990 lanzó Unison, su primera producción en inglés que marcó el inicio de su destacada y exitosa carrera en el mercado anglosajón. Dion es la canadiense con más discos vendidos en el mundo. Su música ha sido influenciada por géneros tan variados como el rock, R&B, góspel y el clasicismo, entre otros. Ha ganado cinco premios Grammy y es la única artista en tener dos álbumes consecutivos con ventas superiores a 30 millones de copias. Según Sony Music Entertainment, la cantante ha vendido más de 200 millones de producciones musicales en el mundo.

Céline Dion (1968) es una cantante canadiense nacida en Quebec. Antes de alcanzar el éxito en todo el mundo, emergió como estrella adolescente en su país natal, lanzando una serie de álbumes en francés que le otorgaron gran popularidad. En 1990 lanzó Unison, su primera producción en inglés que marcó el inicio de su destacada y exitosa carrera en el mercado anglosajón. Dion es la canadiense con más discos vendidos en el mundo. Su música ha sido influenciada por géneros tan variados como el rock, R&B, góspel y el clasicismo, entre otros. Ha ganado cinco premios Grammy y es la única artista en tener dos álbumes consecutivos con ventas superiores a 30 millones de copias. Según Sony Music Entertainment, la cantante ha vendido más de 200 millones de producciones musicales en el mundo.


Raphael (Linares, 1943), es un cantante y actor español reconocido por ser uno de los precursores de la balada romántica en España y en los países de habla hispana. Su despegue como estrella musical se produjo a principios de la década de 1960. En 1966 y 1967 representó a España en el Festival de Eurovisión con las canciones «Yo soy aquel» y «Hablemos del amor», ocupando las posiciones 7ª y 6ª, respectivamente. En 1969, actuó en la sala grande del Madison Square Garden, en Nueva York, donde cantó ante 48 000 personas. En 1982 recibió un disco de uranio por las ventas de más de 50 millones de discos durante su carrera musical. Actualmente, es considerado uno de los cantantes más activos de los llamados «divos de la balada romántica», realizando giras por toda América y Europa.


Joan Báez (1941) es una cantante, compositora y activista estadounidense, cuya música folk contemporánea incluía a menudo canciones protesta o de justicia social. Caracterizada por una voz potente, aguda y con un vibrato sabiamente controlado, fue una de las mayores figuras de la canción protesta surgida en los años sesenta, al calor de la Guerra de Vietnam. Su repertorio, no obstante, abarca también lo tradicional, el country y el pop rock, además de ser compositora. Comenzó su carrera musical en 1960 y logró un éxito inmediato. Sus tres primeros discos, Joan Baez, Joan Baez Vol. 2 y Joan Baez in Concert, fueron certificados como discos de oro. En sus actuaciones profesionales mostró su compromiso en los campos de la no violencia, los derechos civiles, los derechos humanos y la defensa del medio ambiente.

Joan Báez (1941) es una cantante, compositora y activista estadounidense, cuya música folk contemporánea incluía a menudo canciones protesta o de justicia social. Caracterizada por una voz potente, aguda y con un vibrato sabiamente controlado, fue una de las mayores figuras de la canción protesta surgida en los años sesenta, al calor de la Guerra de Vietnam. Su repertorio, no obstante, abarca también lo tradicional, el country y el pop rock, además de ser compositora. Comenzó su carrera musical en 1960 y logró un éxito inmediato. Sus tres primeros discos, Joan Baez, Joan Baez Vol. 2 y Joan Baez in Concert, fueron certificados como discos de oro. En sus actuaciones profesionales mostró su compromiso en los campos de la no violencia, los derechos civiles, los derechos humanos y la defensa del medio ambiente.


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Giacomo Meyerbeer (1791-1864) fue un compositor alemán favorito del público parisino por la composición de óperas en el estilo Grand Opéra. Fue niño prodigio y se le considera el creador del melodrama musical romántico, por lo general basado en un tema histórico y montado de forma grandilocuente, con efectismos teatrales que deslumbraron a sus contemporáneos, desde inundaciones hasta incendios. Es la última variante de la ópera seria: la ópera histórica de vasto aliento conocida como Grand opera. Entre 1836 y el fin de siglo, fue considerado como el compositor más importante de la vida musical europea, con cifras astronómicas de representaciones. Murió en París mientras trabajaba en su última gran ópera, La Africana, que se convertiría en uno de los mayores éxitos de la historia de la ópera.

Les Patineurs (Los patinadores) es un ballet coreografiado por Frederick Ashton con música compuesta por Giacomo Meyerbeer. El ballet, en un acto, representa una fiesta de patinaje victoriana que tiene lugar en un estanque helado en una noche de invierno donde un feliz grupo de parejas de jóvenes bailan juntos con un solitario joven hasta que la nieve comienza a caer y el joven solitario finalmente se queda solo, girando como un trompo en medio del estanque.


Adolphe Adam (1803-1856) fue un compositor francés nacido en París y autor de abundante música escénica. Sus primeros éxitos le llegaron a su edad adulta con el ballet Giselle y la ópera Si j’étais roi; para entonces ya había escrito varios ballets y óperas; en total escribió 40 óperas, 14 ballets y diversas cantatas, himnos, misas, coros, piezas para piano, pantomimas, marchas militares y obras teatrales; de todas estas composiciones cabe destacar, además de las ya citadas, el villancico Cantique de Noël mundialmente conocido, en su traducción al inglés, como O Holy Night  y el ballet Le Corsaire.

El Pas de Trois  que hoy ofrecemos pertenece precisamente al ballet en tres actos, Le Corsaire con música de Adolphe Adam y con libreto de Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges, inspirado en el poema The Corsair de Lord Byron y en la ópera derivada del mismo, El corsario de Verdi. La coreografía original es de Joseph Mazilier y se estrenó por primera vez en el año 1856 en la Ópera de París. Sin embargo, en el año 1868, Marius Petipa  y Jules Perrot realizaron una renovación del ballet para el Teatro Bolshói de Moscú. Esta versión es de la que derivan la mayoría de las adaptaciones y producciones posteriores.

Adolphe Adam (1803-1856) fue un compositor francés nacido en París y autor de abundante música escénica. Sus primeros éxitos le llegaron a su edad adulta con el ballet Giselle y la ópera Si j’étais roi; para entonces ya había escrito varios ballets y óperas; en total escribió 40 óperas, 14 ballets y diversas cantatas, himnos, misas, coros, piezas para piano, pantomimas, marchas militares y obras teatrales; de todas estas composiciones cabe destacar, además de las ya citadas, el villancico Cantique de Noël mundialmente conocido, en su traducción al inglés, como O Holy Night  y el ballet Le Corsaire.

El Pas de Trois  que hoy ofrecemos pertenece precisamente al ballet en tres actos, Le Corsaire con música de Adolphe Adam y con libreto de Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges, inspirado en el poema The Corsair de Lord Byron y en la ópera derivada del mismo, El corsario de Verdi. La coreografía original es de Joseph Mazilier y se estrenó por primera vez en el año 1856 en la Ópera de París. Sin embargo, en el año 1868, Marius Petipa  y Jules Perrot realizaron una renovación del ballet para el Teatro Bolshói de Moscú. Esta versión es de la que derivan la mayoría de las adaptaciones y producciones posteriores.


Manuel de Falla (1876-1946), nacido en Cádiz, fue uno de los compositores españoles más célebres del siglo pasado. Desde niño estudió piano con su madre, mientras su nodriza le cantaba canciones que recordaría toda su vida. En 1901 conoció a Felipe Pedrell, quien despertó en él el interés por el flamenco. En 1899 terminó los estudios oficiales en el Conservatorio de Madrid  obteniendo el primer premio de piano de dicho centro. A los pocos años se trasladó a París; sin embargo, tras el inicio de la Primera Guerra Mundial,  tuvo que regresar a Madrid, y tras la muerte de sus padres, decidió trasladarse donde su hermana en Granada; allí conoció a  Federico García Lorca. El 28 de septiembre de 1939, un poco después de la Guerra Civil, se exilió en Argentina, donde falleció. 

El sombrero de tres picos, titulado popularmente como el Primer Ballet Flamenco, es un ballet de Manuel de Falla y coreografía de Léonide Massine basado en la novela homónima del escritor decimonónico Pedro Antonio de Alarcón. Encargado por Serguei Diaguilev y representado por sus Ballets Rusos, ocupa un lugar preferente en la Historia de la Danza Teatral del siglo XX. Tras su estreno en Londres en 1919, la obra, con decorados y figurines de Pablo Picasso, tuvo un rotundo éxito. El sombrero de tres picos, rompe con las tradiciones que poblaban el género de princesas, apariciones y cisnes. La jota final es uno de los números más conocidos de la obra, ejemplo de estilización del folclore tanto en el baile (en el que todavía prevalece coreográficamente el elemento ruso) como en la música de Falla.


Danza haitiana. En 2020, la maestra bailarina tradicional Portsha Jefferson se une a la aprendiz Halima Marshall en el estudio de la danza folclórica haitiana arraigada en las prácticas espirituales africanas del vudú. El aprendizaje incluirá el estudio histórico de las formas y estilos de la danza folclórica haitiana, así como el significado, la energía y el espíritu que se les atribuye. La danza es nuestra ruta para encontrar nuestra verdad personal, nuestra ruta hacia el autodescubrimiento. Somos vasijas artísticas, médiums y servidores de la comunidad, que encarnamos al Espíritu, nuestra fuerza vital, la persona dentro de nuestra persona, la parte de nosotros que nunca muere, que es eterna, infinita e ilimitada. (extractado de la página Web de Rara Tou Limen)

Danza haitiana. En 2020, la maestra bailarina tradicional Portsha Jefferson se une a la aprendiz Halima Marshall en el estudio de la danza folclórica haitiana arraigada en las prácticas espirituales africanas del vudú. El aprendizaje incluirá el estudio histórico de las formas y estilos de la danza folclórica haitiana, así como el significado, la energía y el espíritu que se les atribuye. La danza es nuestra ruta para encontrar nuestra verdad personal, nuestra ruta hacia el autodescubrimiento. Somos vasijas artísticas, médiums y servidores de la comunidad, que encarnamos al Espíritu, nuestra fuerza vital, la persona dentro de nuestra persona, la parte de nosotros que nunca muere, que es eterna, infinita e ilimitada. (extractado de la página Web de Rara Tou Limen)


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Para la realización de estos textos se han utilizado como referencia diferentes artículos de la Wikipedia.