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La Internacional es la canción más señera del Movimiento obrero. Se la considera el himno oficial de los trabajadores del mundo entero​ y de la mayoría de los partidos socialistas y comunistas así como de algunas organizaciones anarquistas. La letra original, en francés, es de Eugène Pottier, y fue escrita en 1871 dentro de su obra Cantos Revolucionarios. En 1888 Pierre de Geyter la musicalizó por encargo Gustave Delory, dirigente del Partido Obrero Francés en la ciudad de Lille (Francia) para el repertorio de la coral del partido la Lira de los Trabajadores (La Lyre des Travailleurs). En 1889 fue adoptada como himno de la Segunda Internacional (ahora, Internacional Socialista) y como himno de la URSS desde su creación en 1922 hasta 1944.

Hoy la podemos visionar en interpretación del Coro y Orquesta del Teatro Mariinsky bajo la batuta de Valery Gergiev  (1953), director ruso, uno de los más apreciados de la actualidad y director general del Teatro Mariinski y director asociado de la Ópera del Metropolitan, de la Filarmónica de Munich y de Rotterdam, además de la Sinfónica de Londres.

Jocelyn Pook (1960) ​ es una violista, pianista y compositora británica. Estudió viola en el Guildhall School of Music and Drama en Londres. En sus proyectos experimenta con una amplia variedad de géneros, lo que la dota de una gran versatilidad y originalidad musical. Pook ha compuesto música para teatro, televisión y cine, medio éste en el que debutó con la banda sonora del filme de Stanley Kubrick Eyes Wide Shut (1999). A partir de entonces ha continuado con la composición de música para películas.

Con la agrupación The Jocelyn Pook Ensemble realiza una propuesta musical inclasificable, en la que fusiona instrumentos de cuerda y canto con sonidos tradicionales de diferentes culturas. Hoy nos ofrece este tango extraído de la película “Habitación en Roma”.

Maurice Ravel (1875-1937) nacido en Ziburu/Ciboure (País vasco en Francia) heredó de su padre, ingeniero de origen suizo, la meticulosidad en el trabajo y de su madre, nacida en Mendata (Bizkaia), su pasión por la música con las canciones folklóricas con las que adornó su infancia. A los pocos meses de nacer, la familia se trasladó a París, donde a los seis años comenzó sus estudios de piano. A los 14 años ingresa en el Conservatorio de París donde tiene la oportunidad de estudiar con Gabriel Fauré. En 1901 estrena su Jeux d´eau, obra pianística con la que empieza a abrirse camino en los círculos musicales de París donde se discutía sobre la influencia de Ravel en Debussy y viceversa. En 1921 se acomodó hasta su fallecimiento en una mansión cerca de París, donde se daban cita, eminentes músicos e intelectuales.

El Concierto para piano en sol mayor de Maurice Ravel , fue compuesto entre 1929 y 1931, con una estructura de tres movimientos; Ravel dijo que con esta obra no buscaba ser profundo sino entretener, a la manera de Mozart y Saint-Saëns y entre sus influencias se encuentran el jazz y la música popular vasca. La primera actuación la dio en París en 1932 la pianista Marguerite Long, con la Orchestre Lamoureux dirigida por el compositor. En cuestión de meses, la obra se escuchó en las principales ciudades de Europa y Estados Unidos y ha sido grabada innumerables veces por pianistas, orquestas y directores de todo el mundo.

Estructura I (0´40´´) ALLEGRAMENTE. El primer movimiento se abre con un solo chasquido de látigo agudo, seguido de una exposición que contiene cinco temas distintos. Orenstein dice de ellos que el primero sugiere una melodía popular vasca, el segundo la influencia de España y los otros tres derivan del lenguaje del jazz. La sección de desarrollo, "un juego animado", es seguida por un pasaje similar a una cadencia que conduce a la recapitulación .-. II. (8´58´´) ADAGIO ASSAI. A diferencia del movimiento precedente, es un tema tranquilo de serenidad mozartiana escrito en forma ternaria (A-B-A). Ravel dijo al respecto: "¡Esa frase fluida! ¡Cómo trabajé compás por compás! ¡Casi me mata!". El primer tema lo presenta el piano, sin acompañamiento. Ravel dijo que tomó como modelo el tema del Larghetto del Clarinete Quintet de Mozart. El segundo tema lo presentan las maderas para, tras unos episodios, volver al primer tema mediante el inicio del corno inglés bajo la "delicada filigrana en el registro alto" del piano .-. III (17´54´´) PRESTO. Es con mucho el más corto de los tres movimientos. Cuatro acordes enérgicos al principio lanzan lo que Fleury describe como "un ataque imparable, espoleado por los chillidos del clarinete y el flautín, los rebuznos de burro del trombón y fanfarrias ocasionales que florecen en los metales". Revisando el estreno de la obra, Henry Prunières escribió: "El espíritu del jazz ciertamente anima este último movimiento... pero con extrema discreción".

La versión que hoy ofrecemos está protagonizada por la pianista argentina Martha Argerich acompañada por la Nacional de Francia conducida por el maestro suizo Charles Dutoit

Miles Dewey Davis (1926-1991), conocido como Miles Davis, fue un trompetista y compositor estadounidense de jazz. Se trata de una de las figuras más relevantes, innovadoras e influyentes de la historia del jazz, junto con artistas como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker o John Coltrane. La carrera de Davis, que abarca cincuenta años, recorre la historia del jazz a lo largo de toda la segunda mitad del siglo XX, caracterizándose por su constante evolución y búsqueda de nuevos caminos artísticos: Davis participa con igual fuerza del bebop y del cool, como del hardbop y de la vanguardia jazzística, sobre todo en su vertiente modal y de fusión con el rock. El sonido de su trompeta es suave y melódico, a base de notas cortas, tendente al lirismo y a la introspección, característico por su uso de la sordina.

Kind of Blue (“Especie de tristeza”) es un álbum de estudio de jazz de Miles Davis editado en agosto de 1959. Acompañaron a Miles el legendario saxofonista John Coltrane y el contrabajista Paul Chambers, el equipo se completó con Julian "Cannonball" Adderley, en el saxofón alto, Jimmy Cobb a la batería y Bill Evans al piano. El álbum estuvo basado en formas modales, que permitían amplias posibilidades de tránsito por escalas a partir de alguna nota predeterminada en lugar de la secuencia lineal de acordes que desarrollaba el jazz hasta entonces. Considerado como la obra maestra del género, se convirtió en un gran éxito comercial con ventas superiores a los cuatro millones de copias en Estados Unidos y en el disco más vendido de la carrera de Davis y de la historia del jazz.

Índice de temas: I (0:00) So what .-. II (9:26) Freddie Freeloader .-. II (19:13) Blue In Green .-. IV (24:51) All Blues .-. V (36:34) Flamenco Sketches .-. VI (45:46) On Green Dolphin Street .-. VII (55:40) Fran - Dance .-. VII (1:01:28) Stella by Starlight  .-. VIII (1:06:14) Love for Sale

Facundo Cabral —en sus inicios, Indio Gasparino—, fue un cantautor, poeta, escritor y filósofo argentino. Aunque compuso canciones y algunas de estas trascendieron a nivel latinoamericano como «No soy de aquí ni soy de allá», su obra también consistía en contar historias con una estética que entremezclaba la crítica social, sátira, misticismo, cristianismo, anarquismo, optimismo, hedonismo y libertad. En ellas citaba constantemente a Jesús, Atahualpa Yupanqui, Krishnamurti, Borges, Whitman y Teresa de Calcuta, entre otr@s. Facundo Cabral fue asesinado en Ciudad de Guatemala el 9 de julio de 2011 por sicarios que lo confundieron con un empresario vinculado al narcotráfico. La Unesco lo declaró en 1996 «Mensajero mundial de la paz» y fue nominado al premio Nobel de la Paz en 2008.

Pepe Habichuela (1944) es un guitarrista de flamenco nacido en Granada. Pertenece a una dinastía flamenca iniciada por su abuelo, conocido como Habichuela el Viejo (de quien tomó el apodo), y continuada por su padre José Carmona, sus tres hermanos Juan, Carlos y Luis y su hijo Josemi, integrante del exitoso grupo musical de flamenco-fusión Ketama. Sus inicios artísticos tuvieron lugar en Granada. En 1964 se trasladó a Madrid donde actuó en varios tablaos flamencos y compartió cartel con artistas reconocidos como Juanito Valderrama, Camarón de la Isla y Enrique Morente. Desde 2014 acude anualmente a Iruña/Pamplona para participar en el festival de Flamenco On Fire.

Dave Holland (1946) es un bajista y compositor vanguardista de jazz. Ha tocado y grabado discos con otros afamados músicos de jazz, como director y como acompañante; ha trabajado junto a Miles Davis, Stan Getz, Chick Corea, Anthony Braxton y otros notables músicos. En 2010 se junta con Pepe Habichuela para ofrecernos estos deliciosos minutos de fusión de flamenco y jazz en el festival anual Jazz Baltica, festival que se celebra cerca de Lübeck (Alemania) y atrae a músicos de jazz de todo el mundo, ya que es un evento destacado en el calendario anual de jazz. Lo que hace que este festival sea tan único es su naturaleza íntima debido a las salas de conciertos relativamente pequeñas, lo que limita el número de asistentes facilitándoles un acceso inusualmente cercano a artistas de jazz.

El Cuarteto de Brahms se estrenó en Hamburgo en 1861; Schoenberg orquestó la obra en 1937, y fue estrenada por la Filarmónica de Los Ángeles bajo la batuta del entonces director musical Otto Klemperer en uno de los Conciertos de los sábados por la noche de la orquesta. Schoenberg explicó la razón de su orquestación casi un año después del estreno. El compositor escribió: "1) Me gusta la pieza. 2) Rara vez se toca. 3) Siempre se toca muy mal, porque cuanto mejor es el pianista, más fuerte toca, y no se oye nada de las cuerdas. Yo quería escuchar todo a la vez, y lo he conseguido." (extractado del artículo de John Mangum). Hoy lo podemos visionar coreografiado por George Balanchine en interpretación de  Damian Woetzel con el New York City Ballet.

La txalaparta es un instrumento de percusión tradicional de Euskal Herria; generalmente consta de dos soportes (cestos, sillas, banquetas, etc.); sobre éstos, algún material aislante (hoja de maíz, sacos viejos enrollados, hierba seca, etc.) y sobre esto, un tablón que es golpeado con cuatro palos (dos por cada txalapartari).

Aunque tradicionalmente cada txalaparta solía tener dos o tres tablas de madera, actualmente es habitual encontrar txalapartas formadas por una docena de tablas. Su utilización estaba íntimamente ligada a las labores de fabricación de la sidra. Tras triturar la manzana, se celebraba una cena y la fiesta se podía prolongar hasta altas horas de la madrugada. Recientemente, como en el vídeo que hoy presentamos,  empieza a popularizarse también la Harriparta o Txalaparta de piedra.

La presente versión de La Internacional está grabada en el lenguaje de la madera y la piedra, que al juntarse forman la melodía de la conocida canción. Se funden lo singular y lo universal: uno de los instrumentos musicales más singulares de Euskal Herria, la Txalaparta, interpreta el himno universal de la clase trabajadora. La versión es obra de Hutsun Txalaparta Taldea, a petición del sindicato vasco LAB.