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Antonio Vivaldi (1678-1741) fue un sacerdote, violinista y compositor italiano conocido como el cura rojo (“il prete rosso”). Nació en Venecia y de niño aprendió a tocar el violín con su padre; a los 15 años ingresó en el Seminario y una vez ordenado sacerdote, apenas podía atender a sus obligaciones religiosas debido a sus problemas de salud; de modo que fue nombrado profesor de violín en un orfanato en el que impartía clases teóricas y de instrumento. A los 40 años es nombrado Maestro de Capilla en Mantua donde escribió sus famosas  Cuatro estaciones. De allí se trasladó a Milán, luego a Roma; más tarde, de nuevo a Venecia y por último, a Viena donde fallecería. A lo largo de su vida  compuso casi 800 obras, de las que la mitad fueron conciertos, 40 óperas, 60 obras religiosas y numerosas sonatas.

Hoy presentamos una muestra de algunas de ellas con el álbum Lo mejor de Vivaldi.

El Barberillo de Lavapiés es una zarzuela en tres actos con libreto de Luis Mariano de Larra y música del maestro  Barbieri. Se estrenó con gran éxito en el Teatro de la Zarzuela el 19 de diciembre de 1874 y nos va contando las entretenidas aventuras de Lamparilla, barbero del barrio madrileño Lavapiés, y la costurera Paloma que se ven inmersos en un mundo de intrigas políticas dentro del ambiente castizo del Madrid de Carlos III; hoy la podemos visionar bajo la dirección de José Miguel Pérez Sierra.

El autor de la zarzuela, Francisco Asenjo Barbieri (1823-1894) fue un compositor español nacido en Madrid que, tras ingresar en el Conservatorio de Madrid, estudió piano, clarinete, canto y composición logrando escribir, a lo largo de su carrera, más de 70 zarzuelas. Fundador de la revista La España Musical, defendió decididamente las ideas del teatro musical en castellano, lo que supuso en último término, el resurgir de la zarzuela. Fue académico de Bellas Artes y miembro de la Real Academia Española.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) está considerado como uno de los tres gigantes de la composición musical junto con Bach y Beethoven. Niño prodigio nacido en Salzburgo, Austria, a los seis años domina el teclado y el violín y empieza a componer; aprovechando estas facultades, su padre, Leopold también compositor,  le exhibe en agotadoras giras por distintas cortes europeas. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad, donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito. Según Nicholas Till y algunos otros historiadores y críticos musicales, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión. Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años». Compositor eminentemente prolífico (más de 600 obras escritas desde los cinco años hasta su muerte) cultivó todo tipo de géneros musicales; obras pianísticas, música de cámara, sinfonías, obras concertantes, obras corales, óperas… todas y cada una de ellas, obras maestras de su género. Sus óperas La Flauta Mágica, Don Giovanni, Cosí fan Tutte, y Las bodas de Fígaro  están entre las 10 óperas más representadas de todo el mundo. Tampoco nos podemos olvidar de su Concierto para clarinete, o de su Requiem que forman parte habitual del repertorio de las mejores orquestas. Desde 1769 a 1781 trabaja para el Arzobispo de Salzburgo; tras el éxito de su ópera Idomeneo de Creta, se le abren las puertas de Viena donde se instala y alcanza una gran fama que le acompañará hasta su muerte a los 35 años.

El Cuarteto de cuerda núm. 23 en fa mayor , K. 590, que hoy ofrecemos en versión de Yul String Quartet, lo escribe en 1790 y se lo dedica a Federico Guillermo II, rey de Prusia y chelista amateur. Consta de cuatro movimientos: I Allegro; II Andante; III Minueto: Allegretto; IV Allegro. 

Joaquín Rodrigo (1901-1999) fue un compositor español nacido en Sagunto (Valencia). A los siete años quedó ciego; a los nueve, comenzó sus estudios de solfeo, violín y piano; a los 16, armonía y composición y a los 22, comenzó a componer sus primeras obras. A los 26 años, se traslada a París, donde durante cinco años estudia con Paul Dukas. En 1940 estrena en Barcelona el Concierto de Aranjuez a partir del que sería mundialmente conocido. Fue un compositor prolífico que escribió obras para instrumentos solos, para piano con otro instrumento, para orquesta de cuerda, orquesta de viento y orquesta sinfónica, conciertos para distintos instrumentos, canciones, obras sinfónico-corales y música escénica, guardando siempre un denominador común: la claridad, delicadeza y distinción de su música.

Fantasía para un gentilhombre es un concierto para guitarra y orquesta de Joaquín Rodrigo. Es su segundo concierto más popular, después del Concierto de Aranjuez. Sus cuatro movimientos están basados en seis danzas cortas para guitarra solista del compositor español del siglo XVII Gaspar Sanz, tomadas de la obra conocida comúnmente como Instrucción de música sobre la guitarra española. La mayor parte de los movimientos conservan los nombres originales de Sanz. Rodrigo amplió los temas de Sanz para producir una obra de más empaque, aunque siempre tuvo claro hasta dónde aportar con su trabajo para mantener claras las ideas de Sanz y la esencia propia de estas danzas "Todo un pasado de danzas, en las que tiempo viejo y nuevo acaban entroncándose, revive en estos títulos. Me propuse que el lenguaje armónico y el clima sonoro no estorbaran el espíritu de aquellos títulos". El Concierto está estructurado en los siguientes cuatro movimientos: I Villano y Ricercare (Adagietto). II Españoleta y Fanfare de la Caballería de Nápoles (Adagio - Allegretto). III Danza de las Hachas (Allegro con brio). IV Canario (Allegro ma non troppo). La interpretación de hoy corre a cargo de Pepe Romero acompañado por Orquesta Filarmónica de la UNAM bajo la batuta de Manuel Goldof

Pepe Romero (1944) es un guitarrista clásico español nacido en Málaga. Comenzó sus estudios bajo la tutela de su padre Celedonio Romero importante guitarrista de su época. A los siete años dio su primer concierto junto a su padre. Desde su fundación hasta la actualidad forma parte del célebre cuarteto de guitarra Los Romeros. Nuestro guitarrista de hoy tiene una gran influencia del flamenco que combina con el repertorio de guitarra clásica así pues también combina recursos de la técnica de la guitarra flamenca como la alzapúa en una cuerda y el rasgueo. Goza de una extraordinaria técnica con una amplia sonoridad, tiene una fuerte pulsación y predomina el ataque "apoyando" en la mano derecha. A pesar de su influencia flamenca su posición al tocar es con el pie izquierdo apoyado en una banqueta, como los clásicos, y la guitarra horizontal. Está considerado como un espléndido intérprete por su virtuosismo y su personalísimo estilo, que se puede definir como vigoroso y rítmico. Ha actuado con las orquestas más prestigiosas de Europa y América.

Billie Holiday (1915-1959) fue una cantante estadounidense nacida en Filadelfia y considerada como una de las tres mujeres más relevantes en la historia del jazz conjuntamente con Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald. Su canción Strange Fruit fue considerada como la mejor canción del siglo XX, por la revista Time y es que su dominio del swing y capacidad expresiva se reflejaban tanto en la composición de sus arreglos y canciones como en la interpretación de las mismas. Su vida desde el inicio fue muy tumultuosa con una madre de 13 años, un padre de 15, que le abandonó siendo un bebé, una violación que padeció a los diez años y unas relaciones amorosas problemáticas. En 1927 se trasladó con su madre a Nueva York, donde tras unos años de peregrinaje en clubs de segundo orden y unas grabaciones con la marca Columbia, logró actuar en el Teatro Apolo; actuación que le reportó muy buenas críticas y le lanzó a una vida profesional respetada y admirada. Sin embargo, su adicción a las drogas fue minando progresivamente su estado físico y anímico hasta fallecer a los 44 años.

Alberto Cortez (1940-2019) Fue un cantautor argentino nacido en La Pampa. De niño recibió clases de piano que le crearían su apego a la música y al piano en particular, que le acompañaría en sus actuaciones públicas. En 1960, para evitar el servicio militar, se trasladó a España actuando por primera vez en el Teatro La Zarzuela de Madrid donde residiría en vida. Fue un gran amigo de Facundo Cabral con quien actuó en repetidas ocasiones y con quien grabó cuatro discos y realizó exitosas giras por América Latina; colaboró también con Mª Dolores Pradera,  Mercedes Sosa, Joan Manuel Serrat y otr@s renombrad@s artistas. Murió en Móstoles, Madrid, a los 79 años.

Dmitri Shostakovich (1906-1975) es uno de los compositores más reconocidos del siglo XX,  que tuvo que adaptarse al status político con el que le tocó convivir. Su música fue unas veces denunciada como decadente y reaccionaria y otras, alabada como representativa del nuevo arte socialista por el Partido Comunista de la Unión Soviética (PCUS). En público, siempre se mostró leal con el sistema soviético, ocupó responsabilidades importantes en las instituciones artísticas, aceptó pertenecer al PCUS en 1960 y llegó a ser miembro del Sóviet Supremo de la Unión Soviética. Su actitud frente al gobierno y el Estado soviético ha sido objeto de agrias polémicas y se ha discutido enconadamente si fue o no un disidente clandestino frente a la URSS. En efecto, a pesar de su vocación innovadora mantuvo una buena  relación con el régimen soviético; y eso que su música fue considerada como reaccionaria en distintas ocasiones puesto que trataba de conjugar las tradiciones musicales rusas con las innovaciones que florecían en Occidente. Influído por Mussorgski, Prokofiev y Stravinski, además de Mahler y Hindemith, su música destaca por sus relevantes contrastes y originales aspectos rítmicos en los que subyace un carácter enérgico, a veces burlesco. En su obra orquestal destacan quince sinfonías y seis conciertos; en su música de cámara cabe mencionar especialmente sus quince cuartetos de cuerdas; también compuso varias óperas, así como música de cine y ballet.

The Golden Age (La edad de oro) op. 22, es un ballet en tres actos y seis escenas de Dmitri Shostakovich con libreto de Alexander Ivanovsky  y coreografiada por Vasili Vainonen (primer acto), Leonid Jacobson (segundo acto) y V. Chesnakov (tercer acto), se estrenó el 26 de octubre de 1930 en el Teatro Kirov . La obra se realizó dieciocho veces y fue censurada inicialmente debido a su inclusión de estilos de danza europeos modernos. El ballet es una versión satírica del cambio político y cultural en la Europa de los años veinte. Sigue a un equipo de fútbol soviético en una ciudad occidental donde entran en contacto con muchos personajes antagónicos políticamente incorrectos como la Diva, el Fascista, el Agente Provocador, el Negro y otros. El equipo es víctima de aparejos, acoso policial y encarcelamiento injusto por parte de la burguesía malvada. El equipo sale de la cárcel cuando los trabajadores locales derrocan a sus amos capitalistas. El ballet finaliza con un baile solidario entre los trabajadores y el equipo de fútbol. El propio Shostakóvich era un gran seguidor del fútbol y se dice que acuñó la expresión "El fútbol es el ballet de las masas".

El Malambo es una danza folclórica tradicional argentina, perteneciente a la llamada música surera o sureña. Nació en la Pampa alrededor del año 1600. Dentro de los bailes folclóricos argentinos, es una excepción porque carece de letra; la música de un bombo legüero y las guitarras acompañan a esta danza ejecutada únicamente por varones. Una serie de estos movimientos combinados recibe el nombre de «mudanza» o «zapateo», y la conjunción de éstos constituye al malambo en sí. No hay reglas para realizar un zapateo. Cada una de las combinaciones de los movimientos básicos es única y depende de la originalidad del gaucho que lo ejecute. Los zapateos se separan unos de otros mediante un golpe de pies llamado «repique» que contiene un sonido rápido y particular que indica el término de un zapateo y el comienzo de otro. Cada zapateo se realiza con «ida» y «vuelta», lo que quiere decir que cuando termina un zapateo debe repetirse nuevamente pero con la particularidad de que esta vez cada golpe será realizado con un pie distinto a la primera vez. También se dice realizar el zapateo con el pie izquierdo y luego con el pie derecho. Gracias a las competencias, el malambo se ha profesionalizado, desarrollándose verdaderas técnicas de entrenamiento y ejecución de mudanzas. Los malambistas profesionales entrenan su cuerpo como cualquier otro atleta, ya que ciertos movimientos no pueden ser realizados sin experiencia previa, atento a los peligros de desgarres, problemas de tendones, meniscos, fatiga muscular, etc. El malambo, además, cruzó las fronteras y aún se practica en algunas zonas en el Uruguay. El malambo esencialmente, en que un ejecutante solo, hace con los pies en la mínima superficie, una serie de pequeños ciclos de movimientos llamados mudanzas; es decir, trata, pues, de una danza individual, la principal y más difundida de la Argentina en su género.